De piano heeft een centrale rol gespeeld in de ontwikkeling van de jazzmuziek, maar wie zijn nu de beste jazzpianisten aller tijden? Hier zijn, of wat wij denken dat zijn, de beste jazzpianisten ooit, maar hebben we ooit uw favoriet gemist? De lijst staat in alfabetische volgorde.
- Zes van de besten: jazz cameo’s in pop
- Six of the Best… Jazz hit singles
- The 20 Greatest Pianists of all time
- 25 greatest jazz saxophonists of all time
Mose Allison (geb.1927)
Zanger-componisten zijn niet zo gebruikelijk in de jazz. Vocalisten hebben zich meestal geconcentreerd op het opnieuw vormgeven van de rijkdom van het grote Amerikaanse songbook of de blues, waarbij ze eerder de aandacht vestigen op hun interpretaties dan op de kwaliteiten van het oorspronkelijke materiaal.
Dat is des te meer reden om het onderscheidende talent van de tachtigjarige Mose Allison te prijzen, die in een carrière die zich over meer dan vijf decennia uitstrekt, een uniek oeuvre heeft geproduceerd. Allisons songs zijn onmiskenbaar – wrange, bluesy commentaren op de hedendaagse scene die erin slagen streetwise en satirisch te zijn, down-home en hip. Ze hebben hem geen begrip gemaakt, maar wel de toewijding van fans over de hele wereld, en het respect en de navolging van een paar generaties van zijn collega zangers, waaronder sterren van de rock en pop.
De pittige verscheidenheid en het bereik van Allison’s stijl weerspiegelen zijn afkomst. Geboren op het platteland van Mississippi, absorbeerde hij blues en boogie-woogie van jongs af aan, evenals klassieke piano en de innovaties van de bop. In 1956 maakte hij de sprong naar New York, waar hij snel werk vond als pianist bij o.a. Stan Getz.
Maar al snel begon hij aan zijn echte roeping als jazz minstrel, die hij sindsdien heeft voortgezet, met optredens in het internationale club- en festivalcircuit en het maken van een reeks platen. Een onweerstaanbare dwarsdoorsnede van de resultaten verschijnt op de Warner compilatie, Introducing Mose Allison. De introductie begint met het allereerste nummer, een Allison-hit getiteld ‘New Parchman’, waarin een veroordeelde op een zuidelijke gevangenisboerderij zegt: ‘The place is loaded with rustic charm’. Het sardonische sentiment is puur Allison, net als de stuwende groove, doorspekt met stotende dissonanten en wervelende uitstapjes naar nieuwe toonsoorten.
Elk nummer heeft dat soort geestigheid en energie, aspecten van de centrale impuls die hij, op een van mijn favoriete stukken, zijn ‘Swingin’ Machine’ noemt (‘It’s much more felt than seen.’) Altijd wordt de muze van Allison direct gevoed door persoonlijke observatie, zoals in het deuntje dat hij schreef om luidruchtig publiek te berispen: Your mind is on holiday, but your mouth is working overime. Er valt hier genoeg te genieten van een echte originaal, overlever en jazz bard.
Count Basie (1904-1984)
De naam van Count Basie roept associaties op die misschien tegenstrijdig lijken: een beroemde minimalistische pianostijl en de gevierde big band die hij 50 jaar lang leidde. In feite vulden de twee elkaar perfect aan. De Basie band ontleende veel van zijn karakter aan de subtiele manier waarop de Count’s pittige, elliptische attack zijn schreeuwende koperblazers en saxen omlijstte. Nog belangrijker, Basie’s touch zette de toon voor de ritmesectie van de band; de lichte, indringende puls die de onweerstaanbare stroom van swing genereerde die solisten en ensemble naar hoogten van geïnspireerde opwinding tilde.
Die opwinding bereikte een hoogtepunt vanaf 1936, toen de Basie crew vanuit Kansas City (KC) naar het oosten kwam. Hun succes was gebaseerd op een eenvoudige formule om in een ensemble de spontaniteit en het vuur van small-group jazz te creëren. De sleutel was de band’s line-up van grote solisten, waaronder tenor saxofonisten Lester Young en Herschel Evans en trompettisten Buck Clayton en Harry Edison. Originele tunes, ongecompliceerd maar stuwend, vormden een springplank voor solo’s ondersteund door riffs die een bedrijfsmatige uitbreiding van de solo’s zelf leken. En de basis van het geheel was Basie en zijn zwevende, insinuerende ritme.
Het resultaat is te horen op een aantal platen, waaronder Basie’s beroemde ‘One O’Clock Jump’, een aaneenschakeling van solo refreinen die naar een kolkende climax toewerken. Maar dat unieke geluid hing af van de kracht van zijn componenten. Toen zijn sterren vertrokken, en het swingtijdperk afnam, gooide Basie het over een andere boeg. Hoewel de Basie band van de jaren ’50 eersteklas spelers had, legde hij de nadruk op kracht, precisie en goed gemaakte arrangementen. The Count’s behendige piano produceerde nog steeds een aanstekelijke rollende swing, maar veel jazzfans vonden deze gestroomlijnde eenheid een ander wezen dan de slanke, gemene kat uit KC.
Maar de laatste groep had een aantal aantrekkelijke hits, waaronder ‘April in Paris’, met Basie’s ‘one more time’ tag, en het lome arrangement van Neal Hefti, ‘Li’l Darlin”. Beide zijn te vinden op de Avid twee-CD set (links). Elk vertegenwoordigd ensemble onthult de prachtige dingen die gebeurden wanneer, in de woorden van Billie Holiday, ‘Daddy Basie het een beetje zou two-finger it’.
Carla Bley (geb.1936)
Hoewel Carla Bley ooit werd uitgeroepen tot ‘de koningin van de avant-garde’, ze is te veel een vrije geest om te worden gedefinieerd door een label. Geboren in Californië 70 jaar geleden in mei, leerde ze piano van haar vader, koordirigent, en begeleidde ze diensten vanaf jonge leeftijd, voordat ze stopte met de kerk en school om zich te concentreren op wedstrijd rolschaatsen.
Op haar 17e trok de jazz haar aandacht en ging ze naar New York, waar ze tafels bediende in Birdland en de muzikale gisten in zich opnam. In 1959 trouwde ze met pianist Paul Bley, die haar talent voor compositie aanmoedigde, en stemmige originelen zoals ‘Sing Me Softly of the Blues’ werden hedendaagse standards. Als artieste werd ze in free jazz kringen bekend om haar energieke abstractie.
Maar componeren bleef haar het meest na aan het hart liggen, als een manier om het wemelende spectrum van stijlen die tot haar spraken te realiseren. The Beatles, Satie, hardcore rock, Indiase raga’s, blues en gospel, latin en free – ze eisten allemaal een plaats op in de muzikale verbeelding van Bley, samengevoegd met een boosaardig instinct voor satire. En in 1971 kwamen die verschillende tendensen samen in The Escalator over the Hill, een jazzopera die veel bijval kreeg van de critici, zij het niet veel uitvoeringen.
Bley werd een vaste waarde in de wereldwijde postmoderne scene, toerde met een scala aan groepen, van duo’s tot bigbands, bracht nieuwe originelen ten gehore en nam opnames op haar eigen WATT-label. Haar werk roept nog steeds een breed scala aan invloeden op (Bruckner is een van haar helden) en haar beheersing van het bigband genre is geestig en ingenieus, gerealiseerd door haar vaste korps van virtuoze musici, waaronder haar echtgenoot, basgitarist Steve Swallow, en de Britse tenorist Andy Sheppard.
Een van haar recente projecten is Looking for America. Bij het schetsen van melodische ideeën ontdekte ze dat fragmenten van ‘The Star-Spangled Banner’ steeds weer opdoken. Als Amerikaans liberaal, verontrust door Irak, was Bley verbijsterd dat ‘mijn nieuwe stuk een patriottisch virus had’, maar, typisch, bleef ze erbij. Het resultaat is een opwindende mix van Charles Ives en Charles Mingus, spot en nobelheid, bombast en boogaloo – allemaal prachtig gespeeld. Bley mag dan op zoek zijn gegaan naar Amerika, ze vond uiteindelijk, zoals altijd, zichzelf.
Dave Brubeck (1920-2012)
Dave Brubeck is het grootste deel van zijn carrière ongelooflijk bekend geweest.bekend voor het grootste deel van zijn carrière. Zijn vroege succes bij het universiteitspubliek – het Brubeck kwartet was zowat de uitvinder van het campuscircuit – katapulteerde hem op de cover van Time magazine in 1954. (De pianist reageerde beschaamd: hij vond dat Duke Ellington de eer verdiende). In 1960 steeg zijn sterrenstatus met het album Time Out. Brubecks mix van asymmetrische ritmes en aanstekelijke deuntjes verwierf internationale bekendheid, hoewel de grootste hit van de plaat, het kronkelende ‘Take Five’, was geschreven door altsaxofonist Paul Desmond van het kwartet, met wat structureel advies van zijn baas.
- Vijf van de beste albums van jazzpianist Dave Brubeck
Maar, zoals maar al te vaak in de jazz, leidde populariteit tot neerbuigendheid van de critici. Hij werd bekritiseerd om zijn ‘academische’ benadering – hij had gestudeerd bij Darius Milhaud – zijn gebruik van klassieke middelen als contrapunt en polytonaliteit, zijn soms donderende aanslag op het klavier en zijn onwil om op een conventionele manier te swingen. Critici veroordeelden zijn lyriek met weinig lof en plaatsten hem buiten de jazztraditie.
Maar in de loop der jaren, nu het idee van een monolithische traditie verdacht is geworden, is Brubeck gaan zien als een opmerkelijk, origineel talent. Verre van een soort gespannen academicus te zijn, heeft hij nog steeds moeite met het lezen van muziek en is hij een van de meest puur intuïtieve pianisten die de jazz heeft voortgebracht. Zijn stijl is volledig gebaseerd op een toewijding aan muzikale expressie, gevoed door de overtuiging dat, zoals hij het ooit uitdrukte, “jazz het recht moet hebben om grote kansen te nemen” – zelfs verder gaand dan wat tot nu toe als jazz beschouwd werd. En hoewel hij net 90 is geworden, blijft Brubeck toeren, componeren en zijn levenslange passie voor het maken van muziek tentoonspreiden.
Een fraai overzicht biedt The Essential Dave Brubeck, een door de pianist zelf geselecteerde twee-CD set, variërend van een freewheeling trio in 1949 tot het recente kwartet. Bijzonder indrukwekkend is zijn partnerschap met Paul Desmond, wiens geestigheid, swing en inventiviteit een heldere aanvulling vormden voor Brubecks experimentele ijver. Het klassieke kwartet, met Desmond en superdrummer Joe Morello, is goed vertegenwoordigd, inclusief tracks uit Time Out en Time Further Out.
Chick Corea (1941-2021)
Akoestisch, elektrisch, latin, free – Chick Corea’s carrière lijkt alle bases in de hedendaagse jazzscene te hebben geraakt. Toch is die verscheidenheid stevig gecentreerd in enkele blijvende principes: een passie voor muziek, de piano en performance. Het was een soort geboorterecht. Als zoon van een professionele muzikant groeide Corea op omringd door muziek. Pianolessen brachten hem een goed onderbouwde techniek en liefde voor de klassieke traditie bij. Tegelijkertijd verdiepte hij zich in de jazz, met name in de hardbop van pianist Horace Silver.
Het formele onderwijs frustreerde hem. Na een paar weken aan de Columbia University en daarna aan Juilliard, waar hij was aangenomen als hoofdvak piano, vertrok hij om zich aan de jazz te wijden. Corea werkte met allerlei bands en absorbeerde allerlei stijlen – met een speciale voorliefde voor vurige latinritmes – en bouwde een reputatie op als componist en speler, die werd bevestigd in albums als Now He Sings, Now He Sobs, met bassist Miroslav Vitous en meesterdrummer Roy Haynes.
- Chick Corea: the music that changed me
In 1968 maakte zijn carrière een sprong voorwaarts met een telefoontje van Miles Davis. Corea’s samenwerking met Davis omvatte het baanbrekende Bitches Brew, maar hij vond de elektronische ambiance te gefragmenteerd en miste ‘romantiek of drama’. Hij zocht die kwaliteiten in solo improvisaties en met Circle, een trio in vrije vorm, en vormde vervolgens het kwintet Return to Forever in 1972. Het kwintet bevatte elektrische instrumenten, een zangeres en uitbundige originelen als ‘La Fiesta’.
Maar hij vond nog steeds drama in akoestische muziek – sprankelende duetten met vibesvirtuoos Gary Burton en zijn opnieuw samengestelde trio met Miroslav Vitous en Roy Haynes. De laatste 20 jaar heeft Corea zijn instincten in meerdere richtingen gevolgd, solo toerend en met ‘Elektric’ en ‘Akoustic’ bands.
Corea zei ooit dat hij zocht naar een combinatie van ‘de discipline en schoonheid van de klassieke componisten met de ritmische dansende kwaliteit van jazz’ – wat een treffende omschrijving is van de opnames op zijn persoonlijke ECM compilatie. Van Return to Forever’s vrolijk lyrische ‘La Fiesta’ tot de buitengewone trio’s met Vitous en Haynes, hun gepassioneerde creativiteit doet denken aan de woorden van William Blake: ‘Energy is eternal delight’.
Blossom Dearie 1926-2009
Toen Blossom Dearie overleed, begonnen de rouwadvertenties met de verklaring dat dat echt haar geboortenaam was. Het leek te mooi om waar te zijn, het sympathieke imago dat zo perfect paste bij de pop-achtige manier waarop ze al meer dan een halve eeuw een unieke verschijning was op het internationale toneel.
Maar achter dat meisjesstemmetje ging een zeldzaam en vastberaden talent schuil. Ze had haar sporen verdiend in big bands – waaronder een periode bij Woody Herman’s zanggroep The Blue Flames – werkte als begeleider en soliste in clubs, leidde haar eigen pianotrio. In 1952 verhuisde ze naar Parijs, waar ze een vocaal octet vormde, The Blue Stars, die een internationale hit scoorden met Blossoms bewerking van ‘Lullaby of Birdland’ (La légende du pays aux oiseaux). Terug in de VS bloeide haar carrière op en trok ze een schare fans aan die genoten van haar kenmerkende stijl in jazzclubs en chique cabarets. Dearie’s persoonlijke territorium was de grens tussen jazz en cabaret, een slimme mix van delicate swing en humor. Zoals haar collega-muzikanten heel goed wisten, was ze een verzamelaar en kenner van goede deuntjes, dol op slimme teksten en akkoordwisselingen, die ze met subtiliteit, inzicht en humor ten gehore bracht.
Maar ze hield ook van swingen, en haar gemakkelijke, levendige gevoel voor tijd bevestigde haar jazz geloofsbrieven. Die aanstekelijke mix maakt de Avid compilatie van vier albums uit de jaren vijftig tot een genot. Zo is er haar Gallische trip naar Birdland met de Blue Stars, terwijl een set met een Franse ritmesectie haar pianistische kant demonstreert. Maar Dearie komt het best tot haar recht op nummers met elitemuzikanten als gitarist Herb Ellis, bassist Ray Brown en drummer Jo Jones – klassieke standards die ze voortreffelijk uitvoert, met haar zekere instinct voor vocale nuance aangevuld met moeiteloos perfecte grooves.
Dit aplomb verklaart de cultfollowing die ze in de loop der jaren genoot. Ze was nooit te beroerd om haar publiek te veroordelen voor onbeleefdheid, en sommige van haar beste nummers hebben een satirische ondertoon. Als je het kunt vinden, een van haar eigen favoriete platen was het live-album Blossom Time at Ronnie Scott’s, met daarop ‘I’m Hip’, een portret van een jazz pseud. Maar zijzelf was het echte werk, een jazzmuzikant tot op het bot. En, ondanks de schijn, ook geen vluchtig bloempje, maar rustig staalhard en duurzaam.
Duke Ellington (1899-1974)
Omdat jazz meestal gevierd wordt als de kunst van de improvisator, kan het paradoxaal lijken dat een van de belangrijkste figuren een componist was. Hoewel Duke Ellington een opmerkelijk pianist was, verklaarde hij: ‘Mijn band is mijn instrument,’ en meer dan een halve eeuw lang maakte hij van de band het medium voor een weergaloos oeuvre.
Voor Ellington was compositie nooit een abstract proces, maar een directe reactie op mensen en situaties. Hij zei ooit: “Ik zie iets en wil een toon parallel maken,” en de titels van zijn werken zijn een catalogus van incidenten, ontmoetingen en sferen. Haunted Nights’, ‘The Mooche’, ‘Daybreak Express’, ‘Black, Brown and Beige’ – elk stuk van Ellington belichaamt een leven in beweging, nagestreefd met spontaniteit.
En Ellington’s levenslange metgezellen waren de leden van zijn band – onder hen de grommen van de trompettisten Bubber Miley en Cootie Williams, de gewelfde sensualiteit van altist Johnny Hodges en de rommelende majesteit van Harry Carney’s bariton. Hij componeerde met deze geluiden en persoonlijkheden in zijn hoofd, en schreef speciaal voor hen. En zij leverden het ruwe materiaal voor zijn verbazingwekkende originaliteit in harmonie en orkestratie. Voor velen mag Ellington dan bekend zijn geworden door weelderige populaire hits als ‘Sophisticated Lady’, maar zijn collega’s erkenden een verworvenheid van een andere orde. Zoals Miles Davis het uitdrukte: ‘Op een dag zouden alle jazzmusici op één plek moeten samenkomen en op hun knieën Duke moeten bedanken.’
Veel critici denken dat Ellingtons beste periode 1940-42 was, en The Blanton-Webster Band biedt een complete kroniek van magnifieke muziek, een opeenvolging van meesterwerken van drie minuten die nog steeds verbazen door hun variëteit, durf en pure creatieve briljantheid. Maar voor een single-disc overzicht van de hertogelijke ervaring, probeer een compilatie die gekoppeld was aan Ken Burns’ BBC documentaire uit 2000 – Jazz: The Definitive Duke Ellington bevat meesterwerken van 1927 tot 1960, met de belangrijkste Ellington stemmen en biedt een meeslepende dwarsdoorsnede van een buitengewone prestatie.
Bill Evans (1929-1980)
In de rake, buitenstaanderswereld van de jazz, leek Bill Evans een anomalie. Hij had een bescheiden gezicht en een kerkelijke uitstraling, wat een bandleider ertoe bracht hem de bijnaam ‘de dominee’ te geven. Maar aan de piano – hoofd gebogen over de toetsen, ogen gesloten – was hij het toonbeeld van intensiteit, de heldere, zoekende lijnen spinnend die Miles Davis vergeleek met ‘stil vuur’.
Het was zijn periode bij Davis’ legendarische sextet uit 1958 die van Evans een ster maakte, vooral zijn cruciale rol in het eeuwig best verkopende album Kind of Blue, dat het jaar daarop werd opgenomen. Davis haalde de pianist terug in de band voor dit project, wetende dat zijn touché ideaal zou zijn voor de open-ended, modale lyriek.
In een serie opnamen die voornamelijk met trio’s werden gemaakt, won Evans’ unieke stijl een eigen beroemdheidsstatus. Zijn zuivere klank, en genie voor harmonieën en stemvoering, bezorgden hem de reputatie van ‘de Chopin van de jazz’. Hij kende inderdaad veel van het klassieke repertoire: hij speelde Beethovens Derde Pianoconcert op de universiteit en oefende regelmatig Bach.
Maar zijn toewijding aan jazz was primair, net als zijn overtuiging dat de essentie ervan emotie was. Hoewel hij een strenge kijk had op wat hij “de uiterst strenge en unieke disciplines” van de jazz noemde, en hij een hekel had aan wilde onbezonnenheid, beschouwde hij gevoel als de “genererende kracht”. Die kwaliteit van gevoel is terug te vinden in de trio-opnames die hij live maakte in de Village Vanguard in 1961. Evans’ groep betekende een revolutie in het triospel: de pianist moedigde de virtuoze bassist Scott LaFaro aan om niet alleen een beat neer te leggen, maar om een dialoog aan te gaan. Hun subtiele samenspel, met drummer Paul Motian, verheldert melodieën als Evans’ zangerige ‘Waltz for Debby’ en LaFaro’s broedende ‘Jade Visions’.
Hoewel sommige critici Evans’ kunst te naar binnen gericht vonden, kon hij ook swingen. Everybody Digs Bill Evans is daar een goed voorbeeld van, met de heldere, scherpe aanslag van de pianist, ondersteund door de straight-ahead drive van bassist Sam Jones en drummer Philly Joe Jones. Maar de schijf bevat ook betoverende ballads en Evans’ soloklassieker ‘Peace Piece’. Afgeleid van Chopin’s Op. 57 Berceuse, is het een betoverende demonstratie van waarom Bill Evans elke jazzpianist beïnvloedde die na hem kwam.
Erroll Garner (1921-1977)
Sinds Erroll Garner meer dan 30 jaar geleden de scene verliet, in 1977, is het moeilijk over te brengen wat een fenomeen hij werkelijk was. Zonder een bewuste poging tot beroemdheid te doen, werd de elfachtige pianist iets zeldzaams: een jazzmuzikant die ook een begrip was. Hij trok een enorm publiek uitsluitend door uitbundige improvisatie, liefde voor goede deuntjes en een uiterst aanstekelijke swing.
Het talent om muzikaal plezier te geven zat er al vroeg in. Vanaf zijn tiende jaar was hij in zijn geboorteplaats Pittsburgh een radio-ster, die in de jaren dertig een ontzagwekkende reputatie opbouwde in plaatselijke jazzkringen. Toen een aspirant-pianist genaamd Art Blakey het tijdens een jamsessie opnam tegen Garner, besloot hij dat hij beter kon overstappen op drums. In 1944 verhuisde Garner naar New York, waar hij tijdgenoten imponeerde met een originaliteit die in zijn geestigheid, gedrevenheid en virtuositeit teruggrijpt op giganten als Fats Waller en Earl Hines. Maar zijn snel-zilver harmonisch gevoel en kronkelende, zoekende lijnen raakten een snaar bij de jonge leeuwen van de bebop. Sommige critici noemden Garner zelfs een ‘discipel’ van Bud Powell, het belangrijkste keyboardlichtpunt van de bop. Maar tijdens een privé pianoconclaaf verborg Bud zich in de keuken nadat Garner had gespeeld, om te voorkomen dat hij hem zou volgen.
Eindelijk klonk de jonge pianist als niemand anders dan zichzelf, en verwierf hij de status van topspeler en trad hij op met mensen als Charlie Parker. Nog opmerkelijker, hij werd populair bij het grote publiek, het winnen van een toegewijde aanhang in persoon, op platen en tv.
Die kwaliteit van puur genot is terug te vinden in elk moment van Erroll’s bejubelde Concert by the Sea, live opgenomen in Californië met een trio in 1955. Hier zijn alle Garner handelsmerken – de ondeugende, stalkende introductie tot ‘I Remember April’ die overgaat in een vederlichte melodie, voortgestuwd door de pulserende linkerhand van de pianist; de verschuivingen in dynamiek, romantische bloemstukken, duikelende asymmetrische octaven; dansende, blues-geïnspireerde lijnen die naar voren vegen naar een akkoordische climax. En de verstilde, betoverende ballades die het ene moment Debussy oproepen en het volgende Rachmaninov.
uiten de muziek horen we alleen Garner’s keelklanken en de voelbare verrukking van het publiek die u, zelfs vandaag de dag, ongetwijfeld zult delen.
Lees hier de laatste recensies van jazzopnames