19e eeuwEdit
Enkele van de vroegste beelden van wat abstracte fotografie kan worden genoemd, verschenen in het eerste decennium na de uitvinding van het ambacht. In 1842 maakte John William Draper beelden met een spectroscoop, die lichtstralen verspreidde in een toen nog niet eerder geregistreerd zichtbaar patroon. De afdrukken die hij maakte hadden niets te maken met de realiteit van de zichtbare wereld die andere fotografen toen vastlegden, en zij demonstreerden het ongekende vermogen van de fotografie om wat voordien onzichtbaar was geweest om te zetten in een tastbare aanwezigheid. Draper zag zijn beelden eerder als wetenschappelijke verslagen dan als kunst, maar hun artistieke kwaliteit wordt vandaag de dag gewaardeerd vanwege hun baanbrekende status en hun intrinsieke individualiteit.
Een andere vroege fotografe, Anna Atkins in Engeland, produceerde een in eigen beheer uitgegeven boek met fotogrammen die waren gemaakt door gedroogde algen direct op cyanotypapier te plaatsen. De foto’s zijn bedoeld als wetenschappelijke studie, maar door de negatieve beeldvorming en het ontbreken van een natuurlijke context voor de planten hebben ze een etherisch abstracte kwaliteit.
De ontdekking van de röntgenstraal in 1895 en van radioactiviteit in 1896 veroorzaakten een grote publieke fascinatie voor dingen die voorheen onzichtbaar of ongezien waren. Als reactie daarop begonnen fotografen te onderzoeken hoe zij konden vastleggen wat niet door het normale menselijke gezichtsvermogen kon worden gezien.
Omstreeks dezelfde tijd experimenteerde de Zweedse auteur en kunstenaar August Strindberg met het onderwerpen van zoutoplossingen op fotografische platen aan warmte en koude. De beelden die hij bij deze experimenten produceerde waren ondefinieerbare weergaven van wat anders niet kon worden gezien en waren door en door abstract in hun presentatie.
Nabij de eeuwwisseling probeerde Louis Darget in Frankrijk beelden van mentale processen vast te leggen door onbelichte platen op het voorhoofd van proefpersonen te drukken en hen aan te sporen beelden uit hun geest op de platen te projecteren. De foto’s die hij produceerde waren wazig en onbestemd, maar Darget was ervan overtuigd dat wat hij “gedachtenvibraties” noemde niet te onderscheiden waren van lichtstralen.
20e eeuwEdit
Tijdens het eerste decennium van de 20e eeuw was er een golf van artistieke verkenningen die de overgang in de schilder- en beeldhouwkunst van impressionisme en post-impressionisme naar kubisme en futurisme bespoedigde. Vanaf 1903 liet een reeks jaarlijkse kunsttentoonstellingen in Parijs, de Salon d’Automne genaamd, het publiek kennismaken met de toen radicale visie van kunstenaars als Cézanne, Picasso, Marcel Duchamp, Francis Picabia, František Kupka, en Albert Gleizes. Jean Metzinger. Een decennium later veroorzaakte de Armory Show in New York een schandaal door volledig abstract werk te tonen van Kandinsky, Braque, Duchamp, Robert Delaunay en anderen.
De belangstelling en soms afkeer van het publiek voor abstracte kunst werd opgemerkt door enkele van de creatievere fotografen uit die tijd. In 1910 begon Alfred Stieglitz in New York abstracte schilders als Marsden Hartley en Arthur Dove te tonen in zijn 291 kunstgalerie, die tot dan toe alleen picturale fotografie had tentoongesteld. Fotografen als Stieglitz, Paul Strand en Edward Steichen experimenteerden allemaal met beeldende onderwerpen die in abstracte composities werden gefotografeerd.
De eerste publiekelijk tentoongestelde beelden die nu als abstracte foto’s worden herkend, waren een serie genaamd Symmetrische patronen uit natuurlijke vormen, die in 1914 door Erwin Quedenfeldt in Keulen werd getoond. Twee jaar later begon Alvin Langdon Coburn te experimenteren met een serie die hij Vortographs noemde. Gedurende een periode van zes weken in 1917 nam hij ongeveer twee dozijn foto’s met een camera die was uitgerust met een veelzijdig prisma. De resulterende beelden waren opzettelijk niet gerelateerd aan de werkelijkheid die hij zag en aan zijn eerdere portretten en stadsgezichten. Hij schreef: “Waarom zou de camera de ketenen van de hedendaagse voorstellingen niet afwerpen…? Waarom, vraag ik u in alle ernst, moeten we doorgaan met het maken van alledaagse kleine opnamen…?”
In de jaren 1920 en 1930 was er een aanzienlijke toename van het aantal fotografen dat abstracte beelden onderzocht. In Europa werd Praag een centrum van avant-garde fotografie, met František Drtikol, Jaroslav Rössler, Josef Sudek en Jaromír Funke die allemaal foto’s maakten die beïnvloed waren door het kubisme en futurisme. Met name de foto’s van Rössler gingen verder dan een representatieve abstractie tot pure abstracties van licht en schaduw.
In Duitsland en later in de V.S. experimenteerde László Moholy-Nagy, een leider van de Bauhaus school van het modernisme, met de abstracte kwaliteiten van het fotogram. Hij zei dat “de meest verbazingwekkende mogelijkheden nog ontdekt moeten worden in het ruwe materiaal van de foto” en dat fotografen “moeten leren zoeken, niet naar de ‘foto’, niet naar de esthetiek van de traditie, maar naar het ideale instrument van expressie, het zelfvoorzienende voertuig voor educatie.”
Sommige fotografen in deze tijd verlegden ook de grenzen van de conventionele beeldtaal door de visies van het surrealisme of futurisme in hun werk op te nemen. Man Ray, Maurice Tabard, André Kertész, Curtis Moffat en Filippo Masoero waren enkele van de bekendste kunstenaars die opzienbarende beelden produceerden die zowel de werkelijkheid als het perspectief in twijfel trokken.
Tijdens en na de Tweede Wereldoorlog onderzochten fotografen als Minor White, Aaron Siskind, Henry Holmes Smith en Lotte Jacobi composities van gevonden voorwerpen op manieren die aantoonden dat zelfs onze natuurlijke wereld elementen van abstractie in zich draagt.
Frederick Sommer sloeg in 1950 een nieuwe weg in door opzettelijk herschikte gevonden voorwerpen te fotograferen, wat resulteerde in dubbelzinnige beelden die op velerlei manieren konden worden geïnterpreteerd. Hij koos ervoor een bepaald raadselachtig beeld de titel The Sacred Wood te geven, naar een essay van T.S. Eliot over kritiek en betekenis.
De jaren zestig werden gekenmerkt door ongeremde verkenningen van de grenzen van de fotografische media in die tijd, te beginnen met fotografen die hun eigen en/of gevonden beelden assembleerden of opnieuw samenvoegden, zoals Ray K. Metzker, Robert Heinecken en Walter Chappell.
In het midden van de jaren zeventig ontwikkelde Josef H. Neumann chemogrammen, die het resultaat zijn van zowel fotografische verwerking als van schilderen op fotopapier. Vóór de verspreiding van computers en het gebruik van beeldbewerkingssoftware kan het proces van het maken van chemogrammen worden beschouwd als een vroege vorm van analoge post-productie, waarbij het oorspronkelijke beeld na het vergrotingsproces wordt gewijzigd. Anders dan bij digitale postproductie is elk chemogram een uniek stuk.
Beginnend in de late jaren 1970 hebben fotografen de grenzen van zowel schaal als oppervlak opgerekt in wat toen nog traditionele fotografische media waren die ontwikkeld moesten worden in een donkere kamer. Geïnspireerd door het werk van Moholy-Nagy begon Susan Rankaitis eerst gevonden afbeeldingen uit wetenschappelijke tekstboeken in grootschalige fotogrammen te verwerken, waardoor ze “een palimpsest creëerde dat bijna als een archeologische opgraving moet worden verkend”. Later maakte ze enorme interactieve galerieconstructies die de fysieke en conceptuele noties van wat een foto zou kunnen zijn, uitbreidden. Van haar werk werd gezegd dat het “de fragmentatie van de hedendaagse geest nabootste.”
In de jaren negentig onderzocht een nieuwe golf fotografen de mogelijkheden van het gebruik van computers om nieuwe manieren van fotograferen te creëren. Fotografen als Thomas Ruff, Barbara Kasten, Tom Friedman en Carel Balth maakten werken waarin fotografie, beeldhouwkunst, grafiek en computergegenereerde beelden werden gecombineerd.
21ste eeuwEdit
Toen computers en fotografiesoftware algemeen beschikbaar kwamen, werden de grenzen van de abstracte fotografie verlegd tot voorbij de grenzen van film en chemie in bijna grenzeloze dimensies. Alle grenzen die er nog waren tussen zuivere kunstenaars en zuivere fotografen werden opgeheven door individuen die uitsluitend in de fotografie werkten maar uitsluitend computergegenereerde beelden produceerden. Tot de bekendste van de vroege 21e-eeuwse generatie behoorden Gaston Bertin, Penelope Umbrico, Ard Bodewes, Ellen Carey, Nicki Stager, Shirine Gill, Wolfgang Tillmans, Harvey Lloyd, en Adam Broomberg & Oliver Chanarin.