Edward Hopper wordt algemeen erkend als de belangrijkste realistische schilder van het twintigste-eeuwse Amerika. Maar zijn visie op de werkelijkheid was selectief en weerspiegelde zijn eigen temperament in de lege stadsgezichten, landschappen en geïsoleerde figuren die hij koos te schilderen. Zijn werk laat zien dat realisme niet slechts een letterlijke of fotografische weergave is van wat we zien, maar een interpretatieve weergave.
Edward Hopper werd in 1882 geboren in New York, in een middenklasse gezin. Van 1900 tot 1906 studeerde hij aan de NY School of Art, en terwijl hij op school zat, stapte hij over van illustratie naar beeldende kunst. Na voltooiing van zijn schoolopleiding werkte hij korte tijd als illustrator; aan het eind van deze loopbaan maakte hij drie internationale reizen, die van grote invloed waren op de toekomst van zijn werk en het soort kunst waarmee hij zich in de loop van zijn carrière zou gaan bezighouden. Tussen 1906 en 1910 maakte hij drie reizen naar Europa. Achteraf gezien betekende Europa Frankrijk, en meer specifiek Parijs, voor Edward Hopper. Deze stad, met haar architectuur, licht en kunsttraditie, heeft een beslissende invloed gehad op zijn ontwikkeling.
Toen hij in 1906 aankwam, was Parijs het artistieke centrum van de westerse wereld; geen andere stad was zo belangrijk voor de ontwikkeling van de moderne kunst. De ontwikkeling in de richting van abstracte schilderkunst was al in gang gezet; het kubisme was begonnen. Daar, in 1907, schilderde Picasso zijn legendarische Les Demoiselles d’Avignon. Hopper beweerde later echter dat hij in Parijs nooit van Picasso had gehoord, die zo belangrijk zou worden voor de ontwikkeling van de moderne literatuur. Voor Hopper was de ontmoeting met het impressionisme doorslaggevend. Het licht in deze schilderijen en de thematische behandeling van architectuur en natuur trokken hem bijzonder aan en zouden al zijn werk beïnvloeden. Zijn reactie op de impressionisten wordt direct weerspiegeld in zijn eigen kunst. Hij vergat de donkere, Oude Meester-achtige interieurs van zijn studententijd in New York, toen hij voornamelijk werd beïnvloed door de grote Europese kunstenaars – Johannes Vermeer, Caravaggio, Rembrandt, en Diego Velazquez. De invloed van impressionisten als Monet, Cezanne en Van Gogh is direct terug te vinden in zijn eigen kunst. Zijn palet lichtte op en hij begon te schilderen met lichte en snelle streken. Zelfs in 1962 kon hij zeggen: “Ik denk dat ik nog steeds een impressionist ben.”
In 1910 keerde Hopper terug naar de Verenigde Staten, om nooit meer Noord-Amerika te verlaten. Gedurende de jaren 1910 had Edward Hopper nogal wat moeite om enige erkenning te krijgen voor de werken die hij had gemaakt. Gedurende deze periode werden een aantal van zijn werken verspreid via verschillende shows en tentoonstellingen in New York, maar er werd weinig of geen aandacht besteed aan zijn werken. Het schilderen met olieverf stond centraal in zijn werk, maar het merendeel van de verkopen die hij in deze periode deed, betrof werken die hij had gemaakt met etswerk en muurschilderingen.
Op 37-jarige leeftijd ontving Edward Hopper zijn eerste open uitnodiging voor een eenpersoonstentoonstelling, met enkele van zijn beste kunstwerken. 16 van zijn werken werden tentoongesteld in de Whitney Club, en hoewel geen van de werken op deze tentoonstelling werd verkocht, gaf het zijn carrière een nieuwe richting, het bracht zijn kunstwerken onder de aandacht van het grote publiek, en hij werd een meer bekende naam in het soort werk en de kunstvormen waarop hij zijn carrière het liefst wilde richten, voor de werken die hij in de toekomst zou maken.
Een paar jaar later ontdekte Edward Hopper dat zijn carrière een positieve wending had genomen en dat hij het goed deed in de verkoop en financieel gezien met de werken die hij had gemaakt. Hij werd uitgenodigd voor een tweede solotentoonstelling, met nieuw werk, en om een buzz te creëren over het werk dat hij de laatste jaren had gemaakt. Deze tweede tentoonstelling vond plaats in de Frank KM Rehn Gallery in NYC, en kreeg veel meer aandacht en een veel groter publiek, vanwege de locatie waar de tentoonstelling plaatsvond, en ook vanwege het feit dat meer mensen zich nu bewust waren van de werken die Edward Hopper had gemaakt.
House by the Railroad, was een beroemd schilderij van de kunstenaar, dat het eerste werk was dat werd aangekocht voor het Museum of Modern Art, dat nog maar kort geleden was opengesteld voor algemene bezichtiging. Sterk gedefinieerde belichting, duidelijk omlijnde lijnen, en bijgesneden gezichtspunten, waren enkele van de kenmerken die dit kunstwerk vastlegde; en, dit belichaamde de stijl die Edward Hopper later in zijn carrière zou gebruiken, en met de toekomstige werken die hij zou produceren in de loop van zijn carrière als kunstenaar.
In 1923 trouwde Edward Hopper met een medestudent van de NY Academy waar hij zijn opleiding had genoten, Josephine Nivision. Niet alleen poseerde zij voor bijna de helft van de vrouwenfiguren die hij tijdens zijn carrière maakte, ze moedigde hem ook aan om zich met verschillende kunstvormen bezig te houden tijdens zijn carrière. Ze stimuleerde hem om met aquarelverf te werken, en ze hield een register bij van alle stukken die hij ontwierp, van de tentoonstellingen waaraan hij deelnam, en van alle verkopen van de stukken die plaatsvonden tijdens deze tentoonstellingen waar zijn werk werd gepresenteerd.
In 1933 ontving Edward Hopper nog meer lof voor de werken die hij had gemaakt, en voor een werk dat werd tentoongesteld in het Museum of Modern Art. Zijn zeer herkenbare stijl, en volwassen schilderstijlen, waren enkele dingen waar hij in deze periode bekend om was geworden. De prachtige landschappen, de stille en lege kamers die hij ontwierp, en het vluchtige effect dat van veel van zijn werken uitging, creëerden een gevoel van eigentijds leven en een nieuwe stijl, die velen in de kunstwereld herkenden, en velen prezen hem voor deze aparte stijl die hij in zijn kunstvormen had gecreëerd.
In Edward Hopper’s beroemdste werk, Nighthawks, zijn vier klanten en een ober te zien, die zich ’s avonds in een helder verlicht eethuis bevinden. Het is een stuk dat is gemaakt in oorlogstijd; en velen geloven dat hun disconnectie met de ober, en met de buitenwereld, de gevoelens van veel Amerikanen in deze periode, vanwege de oorlog, vertegenwoordigen. Het stuk werd in 1942 opgesteld in het Art Institute of Chicago, en werd door veel mensen gezien toen het werd tentoongesteld voor een show.
Grote kunst is de uiterlijke uitdrukking van een innerlijk leven van de kunstenaar, en dit innerlijk leven zal resulteren in zijn persoonlijke visie op de wereld.” – Edward Hopper
Tussen de jaren dertig en vijftig van de vorige eeuw brachten Edward Hopper en zijn vrouw heel wat tijd, en het grootste deel van hun zomers, door op Cape Cod, Massachusetts. In veel van de werken die Hopper in deze periode maakte, zijn de scènes, de veel voorkomende locaties en de attracties in de buurt die zij bezochten, vaak terug te vinden in de kunstvormen die hij tijdens zijn carrière creëerde. Hij begon ook verder weg te reizen, en bezocht regio’s van Vermont tot Charleston, om meer nieuwe bezienswaardigheden aan zijn collectie toe te voegen, en om de werken en de locaties uit te breiden die hij zou opnemen in veel van de beelden die hij in de loop van zijn carrière maakte.
Later in zijn carrière werden veel van zijn werken getoond in verschillende tentoonstellingen, met name in het Whitney Museum, dat in New York City was gevestigd. Later in zijn carrière, in de jaren veertig, was een periode waarin hij het meeste commerciële succes had. Maar al snel daarna, en zelfs tijdens deze periode, begon hij zijn kritische gunsten te verliezen. Dit was namelijk te wijten aan de nieuwe vormen van kunst, en het feit dat abstracte stukken hun intrede begonnen te doen in de kunstwereld, die het werk van hem overnamen, evenals het werk van vele beroemde kunstenaars vóór hem.
De thema’s van de spanningen tussen individuen en het conflict tussen traditie en vooruitgang in zowel landelijke als stedelijke omgevingen, zijn motieven waar Edward Hopper altijd naar terugkeert, zoals kunstenaars altijd naar hun geliefde thema’s zijn teruggekeerd – Van Gogh zijn Zonnebloemen, en Monet zijn Waterlelies. Zijn onderwerpskeuzes – vooral de plaatsen die hij schilderde – lijken enigszins onvoorspelbaar te zijn geweest, omdat ze deel uitmaakten van zijn voortdurende strijd tegen de chronische verveling die zijn drang om te schilderen vaak verstikte. Dit is wat Hopper in beweging hield – zijn zoektocht naar inspiratie, die hij het minst pijnlijk vond in de stimulans van een nieuwe omgeving. Tegenwoordig beschouwen veel kunsthistorici Edward Hopper als de meest vooraanstaande Amerikaanse impressionist, samen met Winslow Homer van de 19e eeuw.
In de jaren ’40 en ’50 verloor Hopper de gunst van de critici in het kielzog van het Abstract Expressionisme. Onder de nieuwe voorhoede kunstbeweging ontstaan in de vroege jaren 1940, kunstenaars zoals Willem de Kooning, Jackson Pollock en Mark Rothko geavanceerde gedurfde formele uitvindingen in een zoektocht naar inhoudelijke betekenis. Door zich los te maken van geaccepteerde conventies in zowel techniek als onderwerp, maakten deze kunstenaars monumentaal formaat werken die stonden als reflecties van hun individuele psyche, en probeerden universele innerlijke bronnen aan te boren. Maar Hopper gaat door met het schilderen van het gevoel dat de meeste mensen kennen – de triestheid die besloten ligt in het bestaan, in onze intieme kennis van de eenzaamheid van het zelf. Hoewel de 20e eeuw de hoogtijdagen waren van Sigmund Freud en de Freudiaanse psychoanalyse, als Hopper ooit het gevoel had dat zijn psyche was vervormd, dan wilde hij dat niet gecorrigeerd zien, want kunst kwam voort uit wie de kunstenaar in alle opzichten was. Hij wenste niet te knoeien met zijn onderbewustzijn, noch met zijn persoonlijke visie op de wereld. Samen met Georgia O’Keeffe heeft Edward Hopper een uitzonderlijke status als twee van de meest prominente figuren in de vroege twintigste-eeuwse Amerikaanse kunst. Het heeft Hopper echter nooit ontbroken aan populaire aantrekkingskracht, en tegen de tijd van zijn dood in 1967 was Hopper door een nieuwe generatie Amerikaanse realistische kunstenaars heroverd als een belangrijke invloed.