Edward Hopper jest powszechnie uznawany za najważniejszego malarza realistycznego XX-wiecznej Ameryki. Ale jego wizja rzeczywistości była selektywna, odzwierciedlając jego własny temperament w pustych krajobrazów miejskich, krajobrazów i odizolowanych postaci, które wybrał do malowania. Jego twórczość dowodzi, że realizm nie jest jedynie dosłownym lub fotograficznym odwzorowaniem tego, co widzimy, ale interpretacyjnym oddaniem. dward Hopper urodził się w 1882 roku w Nowym Jorku w rodzinie należącej do klasy średniej. W latach 1900-1906 studiował w nowojorskiej School of Art, a w trakcie nauki przestawił się z ilustracji na dzieła sztuki pięknej. Po ukończeniu szkoły, przez krótki czas pracował jako ilustrator; po zakończeniu tej ścieżki kariery, odbył trzy podróże zagraniczne, które miały wielki wpływ na przyszłość jego twórczości i rodzaj sztuki, jaką będzie się zajmował w trakcie swojej kariery. W latach 1906-1910 odbył trzy podróże do Europy. Z perspektywy czasu, Europa oznaczała dla Edwarda Hoppera Francję, a dokładniej Paryż. To miasto, jego architektura, światło i tradycja artystyczna, miały decydujący wpływ na jego rozwój. iedy przybył do Paryża w 1906 roku, był on artystycznym centrum świata zachodniego; żadne inne miasto nie było tak ważne dla rozwoju sztuki nowoczesnej. Trwał już wtedy zwrot w kierunku malarstwa abstrakcyjnego, rozpoczął się kubizm. Tam, w 1907 roku, Picasso namalował swoje legendarne Les Demoiselles d’Avignon. Hopper utrzymywał jednak później, że będąc w Paryżu nigdy nie słyszał o Picassie, który miał stać się tak ważny dla rozwoju nowoczesnej literatury. Dla Hoppera spotkanie z impresjonizmem było decydujące. Światło w tych obrazach oraz tematyczne traktowanie architektury i natury szczególnie go pociągały i miały wpłynąć na całą jego twórczość. Jego reakcja na impresjonistów znajduje bezpośrednie odzwierciedlenie w jego własnej sztuce. Zapomniał o ciemnych, staromistrzowskich wnętrzach z czasów studenckich w Nowym Jorku, kiedy to pozostawał pod wpływem wielkich europejskich artystów – Johannesa Vermeera, Caravaggia, Rembrandta i Diego Velazqueza. Wpływ impresjonistów, takich jak Monet, Cezanne i Van Gogh, znalazł bezpośrednie odzwierciedlenie w jego sztuce. Rozświetliła się jego paleta, zaczął malować lekkimi i szybkimi pociągnięciami. Nawet w 1962 roku mógł powiedzieć: „Myślę, że nadal jestem impresjonistą.”
W 1910 roku Hopper powrócił do Stanów Zjednoczonych, by już nigdy nie opuścić Ameryki Północnej. W latach 1910 Edward Hopper z trudem zdobywał uznanie dla swoich dzieł. W tym okresie wiele z jego dzieł trafiło na różne pokazy i wystawy w Nowym Jorku, ale bardzo niewiele, jeśli w ogóle, poświęcono im uwagę. Malarstwo olejne stanowiło główny punkt jego twórczości, ale większość sprzedaży, jaką osiągnął w tym okresie, dotyczyła dzieł, które stworzył, wykonując akwaforty i murale.
W wieku 37 lat Edward Hopper otrzymał swoje pierwsze otwarte zaproszenie do zrobienia jednoosobowej wystawy, zawierającej niektóre z jego najlepszych dzieł sztuki. 16 jego prac zostało pokazanych w Whitney Club, i chociaż żadna z nich nie została sprzedana na tej wystawie, to jednak skierowała ona jego karierę w nowym kierunku, sprawiła, że jego prace dotarły do szerokiej publiczności, a on sam stał się bardziej znanym nazwiskiem w rodzaju pracy i formach sztuki, na których najbardziej chciał skupić swoją karierę, dla przyszłych dzieł, które będzie tworzył.
Kilka lat później Edward Hopper odkrył, że jego kariera nabrała tempa, a on sam dobrze sobie radził w sprzedaży i finansowo z dziełami, które stworzył. Został zaproszony na drugą wystawę indywidualną, aby zaprezentować nowe prace i stworzyć szum wokół dzieł, które stworzył w ostatnich latach. Galeria Franka KM Rehna w Nowym Jorku była miejscem, gdzie odbyła się druga wystawa, która spotkała się z dużo większym zainteresowaniem i tłumem, ze względu na miejsce, gdzie wystawa miała miejsce, a także ze względu na fakt, że więcej osób było świadomych dzieł, które stworzył Edward Hopper.
Dom przy kolei, to słynny obraz stworzony przez artystę, który był pierwszym dziełem nabytym dla Muzeum Sztuki Nowoczesnej, które dopiero niedawno zostało otwarte dla ogółu. Mocno zdefiniowane oświetlenie, jasno zdefiniowane linie i przycięte punkty widzenia, były niektóre z cech, które to dzieło uchwycił, a to ucieleśnia styl, w którym Edward Hopper będzie używać w późniejszym okresie swojej kariery, a z przyszłych dzieł, które będzie produkować w trakcie swojej kariery jako artysta. 1923 roku Edward Hopper ożenił się z koleżanką, która uczęszczała do nowojorskiej Akademii, gdzie zdobywał wykształcenie, Josephine Nivision. Nie tylko pozowała ona do niemal połowy obrazów przedstawiających kobiety, które Hopper stworzył w trakcie swojej kariery, ale także zachęcała go do angażowania się w różne formy sztuki. Ona popchnęła go do pracy z akwarelami, a ona zachowała zapisy wszystkich kawałków, które zaprojektował, wystawy, których był częścią, i wszystkich sprzedaży kawałków, które zostały wykonane, podczas tych wystaw, w których jego praca została przedstawiona.
W 1933 roku, Edward Hopper otrzymał dalsze pochwały za prace, które zrobił, i za kawałek, który był na wystawie w Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Jego rozpoznawalny styl i dojrzałe style malarskie to niektóre z rzeczy, z których stał się znany w tym okresie. Przepiękne pejzaże, ciche i puste pokoje, które projektował, a także efekt przemijania, który wiele z jego dzieł wywoływało, stworzyły poczucie współczesnego życia i nowego stylu, który wielu w świecie sztuki rozpoznało, a wielu chwaliło go za ten wyraźny styl, który stworzył w swoich formach sztuki.
W najbardziej znanym dziele Edwarda Hoppera, Nighthawks, jest czterech klientów i kelner, którzy są w jasno oświetlonej jadalni w nocy. To był kawałek stworzony w czasie wojny, a wielu wierzy, że ich rozłączenie z kelnerem, a ze światem zewnętrznym, reprezentują uczucia wielu Amerykanów w tym okresie, z powodu wojny. Dzieło zostało wystawione w 1942 roku w Instytucie Sztuki w Chicago i było widziane przez wielu ludzi, gdy było wystawione na pokaz.
Wielka sztuka jest zewnętrznym wyrazem wewnętrznego życia artysty, a to wewnętrzne życie zaowocuje jego osobistą wizją świata.” – Edward Hopper
Pomiędzy latami 30. a 50. XX wieku Edward Hopper i jego żona spędzali sporo czasu, a większość lata, odwiedzając Cape Cod w stanie Massachusetts. W wielu pracach, które Hopper stworzył w tym okresie, wiele ze scen, wspólnych miejsc i pobliskich atrakcji, które odwiedzili, było często widocznych w formach sztuki, które tworzył w trakcie swojej kariery. Zaczął również podróżować dalej i odwiedził regiony od Vermont po Charleston, aby dodać do swojej kolekcji więcej nowych punktów zainteresowania i poszerzyć zakres prac i miejsc, które zawarłby w wielu obrazach, które stworzył w trakcie swojej kariery.
Później w swojej karierze, wiele z jego prac zostało pokazanych na różnych wystawach, a mianowicie w Whitney Museum, które znajdowało się w Nowym Jorku. W późniejszym okresie jego kariery, w latach czterdziestych, był to okres, w którym odniósł największy sukces komercyjny. Ale wkrótce potem, a nawet w tym okresie, zaczął tracić przychylność krytyki. Było to spowodowane nowymi formami sztuki i faktem, że do świata sztuki zaczęły wchodzić dzieła abstrakcyjne, które przejęły jego prace, jak również prace wielu sławnych artystów przed nim.
Tematy napięć między jednostkami oraz konfliktu między tradycją a postępem, zarówno w środowisku wiejskim, jak i miejskim, są motywem, do którego Edward Hopper zawsze powraca, tak jak artyści zawsze powracali do swoich ukochanych tematów – Van Gogh do swoich Słoneczników, a Monet do Lilii Wodnych. Jego wybory tematów, a zwłaszcza miejsc, które malował, wydają się być w pewnym sensie nieprzewidywalne, ponieważ były częścią jego nieustannej walki z chroniczną nudą, która często tłumiła jego chęć do malowania. To właśnie utrzymywało Hoppera w ciągłym ruchu – jego poszukiwanie inspiracji, najmniej boleśnie odnajdywane w stymulacji nowego otoczenia. Dziś wielu historyków sztuki uważa Edwarda Hoppera za najwybitniejszego, obok Winslowa Homera, amerykańskiego impresjonistę XIX wieku.
W latach 40. i 50. Hopper stracił przychylność krytyków w związku z pojawieniem się ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Wśród nowych awangardowych ruchów artystycznych powstałych na początku lat czterdziestych, artyści tacy jak Willem de Kooning, Jackson Pollock i Mark Rothko zaawansowali śmiałe formalne wynalazki w poszukiwaniu istotnych treści. Zrywając z przyjętymi konwencjami zarówno w zakresie techniki, jak i tematyki, artyści ci tworzyli monumentalne dzieła, będące odbiciem ich indywidualnej psychiki i próbą dotarcia do uniwersalnych źródeł wewnętrznych. Jednak Hopper nadal maluje uczucia znane większości ludzi – triste wpisane w egzystencję, w naszą intymną świadomość samotności własnego ja. Choć XX wiek był okresem rozkwitu Zygmunta Freuda i freudowskiej psychoanalizy, Hopper, jeśli kiedykolwiek czuł, że jego psychika jest zniekształcona, nie chciał jej korygować, ponieważ sztuka pochodziła z tego, kim artysta był pod każdym względem. Nie chciał manipulować swoją podświadomością ani osobistą wizją świata. Edward Hopper, obok Georgii O’Keeffe, zajmuje wyjątkowe miejsce jako dwie najwybitniejsze postacie w sztuce amerykańskiej początku XX wieku. Jednak Hopperowi nigdy nie brakowało popularności, a po jego śmierci w 1967 roku nowe pokolenie amerykańskich artystów realistów uznało go za jednego z głównych inspiratorów.