19. JahrhundertBearbeiten
Einige der frühesten Bilder dessen, was man als abstrakte Fotografie bezeichnen kann, erschienen innerhalb des ersten Jahrzehnts nach der Erfindung des Handwerks. Im Jahr 1842 schuf John William Draper Bilder mit einem Spektroskop, das Lichtstrahlen in ein bis dahin unbekanntes sichtbares Muster auflöste. Die von ihm angefertigten Abzüge hatten keinen Bezug zur Realität der sichtbaren Welt, die andere Fotografen damals aufzeichneten, und sie demonstrierten die beispiellose Fähigkeit der Fotografie, das bis dahin Unsichtbare in eine greifbare Präsenz zu verwandeln. Draper sah seine Bilder eher als wissenschaftliche Aufzeichnungen denn als Kunst, aber ihre künstlerische Qualität wird heute wegen ihres bahnbrechenden Status und ihrer innewohnenden Individualität geschätzt.
Eine andere frühe Fotografin, Anna Atkins in England, produzierte ein selbstverlegtes Buch mit Fotogrammen, die durch die direkte Platzierung getrockneter Algen auf Cyanotypie-Papier entstanden. Als wissenschaftliche Studie gedacht, haben die nüchternen Weiß-auf-Blau-Bilder eine ätherisch-abstrakte Qualität aufgrund der Negativabbildung und des fehlenden natürlichen Kontextes für die Pflanzen.
Die Entdeckung der Röntgenstrahlen 1895 und der Radioaktivität 1896 löste eine große öffentliche Faszination für Dinge aus, die zuvor unsichtbar oder ungesehen waren. Als Reaktion darauf begannen Fotografen zu erforschen, wie sie das einfangen konnten, was mit dem normalen menschlichen Sehvermögen nicht zu sehen war.
Ungefähr zur gleichen Zeit experimentierte der schwedische Autor und Künstler August Strindberg damit, Salzlösungen auf fotografischen Platten Hitze und Kälte auszusetzen. Die Bilder, die er mit diesen Experimenten erzeugte, waren unbestimmte Wiedergaben dessen, was sonst nicht zu sehen war, und waren durch und durch abstrakt in ihrer Darstellung.
Um die Jahrhundertwende versuchte Louis Darget in Frankreich, Bilder von mentalen Prozessen einzufangen, indem er unbelichtete Platten an die Stirn von Versuchspersonen drückte und sie aufforderte, Bilder aus ihren Köpfen auf die Platten zu projizieren. Die Fotografien, die er produzierte, waren unscharf und undeutlich, doch Darget war überzeugt, dass das, was er „Gedankenschwingungen“ nannte, nicht von Lichtstrahlen zu unterscheiden war.
20. JahrhundertBearbeiten
Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts gab es eine Welle künstlerischer Erkundungen, die den Übergang in der Malerei und Skulptur vom Impressionismus und Postimpressionismus zum Kubismus und Futurismus beschleunigte. Ab 1903 führte eine Reihe jährlicher Kunstausstellungen in Paris, der Salon d’Automne, die Öffentlichkeit in die damals radikalen Visionen von Künstlern wie Cézanne, Picasso, Marcel Duchamp, Francis Picabia, František Kupka und Albert Gleizes ein. Jean Metzinger. Ein Jahrzehnt später sorgte die Armory Show in New York für einen Skandal, als sie völlig abstrakte Werke von Kandinsky, Braque, Duchamp, Robert Delaunay und anderen zeigte.
Das Interesse der Öffentlichkeit an der abstrakten Kunst und ihre Abneigung gegen sie wurde von einigen der kreativeren Fotografen dieser Zeit gebührend beachtet. Um 1910 begann Alfred Stieglitz in New York, abstrakte Maler wie Marsden Hartley und Arthur Dove in seiner Kunstgalerie 291 zu zeigen, die bis dahin nur malerische Fotografie ausgestellt hatte. Fotografen wie Stieglitz, Paul Strand und Edward Steichen experimentierten mit gegenständlichen Motiven, die in abstrakten Kompositionen fotografiert wurden.
Man Ray – Lampenschirm, 1920
Die ersten öffentlich ausgestellten Bilder, die heute als abstrakte Fotografien anerkannt werden, waren eine Serie namens Symmetrische Muster aus Naturformen, die Erwin Quedenfeldt 1914 in Köln zeigte. Zwei Jahre später begann Alvin Langdon Coburn mit einer Serie zu experimentieren, die er Vortographs nannte. Während eines sechswöchigen Zeitraums im Jahr 1917 nahm er etwa zwei Dutzend Fotografien mit einer Kamera auf, die mit einem Prisma mit mehreren Facetten ausgestattet war. Die resultierenden Bilder hatten absichtlich keinen Bezug zu den von ihm gesehenen Realitäten und zu seinen früheren Porträts und Stadtlandschaften. Er schrieb: „Warum sollte die Kamera nicht die Fesseln der zeitgenössischen Darstellungen abwerfen…? Warum, frage ich Sie ernsthaft, müssen wir weiterhin banale kleine Aufnahmen machen…?“
In den 1920er und 1930er Jahren gab es einen signifikanten Anstieg der Anzahl von Fotografen, die sich mit abstrakten Bildern beschäftigten. In Europa wurde Prag zu einem Zentrum der Avantgarde-Fotografie. František Drtikol, Jaroslav Rössler, Josef Sudek und Jaromír Funke schufen Fotografien, die vom Kubismus und Futurismus beeinflusst waren. Besonders Rösslers Bilder gingen über die gegenständliche Abstraktion hinaus zu reinen Abstraktionen von Licht und Schatten.
In Deutschland und später in den USA experimentierte László Moholy-Nagy, ein führender Vertreter der Bauhaus-Schule der Moderne, mit den abstrakten Qualitäten des Fotogramms. Er sagte, dass „die erstaunlichsten Möglichkeiten noch im Rohmaterial der Fotografie zu entdecken sind“ und dass Fotografen „lernen müssen, nicht das ‚Bild‘, nicht die Ästhetik der Tradition, sondern das ideale Ausdrucksmittel, das autarke Vehikel der Bildung zu suchen“
Einige Fotografen dieser Zeit überschritten auch die Grenzen der konventionellen Bildsprache, indem sie die Visionen des Surrealismus oder Futurismus in ihre Arbeit einfließen ließen. Man Ray, Maurice Tabard, André Kertész, Curtis Moffat und Filippo Masoero waren einige der bekanntesten Künstler, die verblüffende Bilder produzierten, die sowohl die Realität als auch die Perspektive in Frage stellten.
Während und nach dem Zweiten Weltkrieg erforschten Fotografen wie Minor White, Aaron Siskind, Henry Holmes Smith und Lotte Jacobi Kompositionen aus gefundenen Objekten auf eine Art und Weise, die zeigte, dass selbst unsere natürliche Welt Elemente der Abstraktion in sich birgt.
Frederick Sommer betrat 1950 Neuland, indem er absichtlich neu arrangierte gefundene Objekte fotografierte, was zu mehrdeutigen Bildern führte, die sehr unterschiedlich interpretiert werden konnten. Ein besonders rätselhaftes Bild nannte er The Sacred Wood, nach T.S. Eliots Essay über Kritik und Bedeutung.
Die 1960er Jahre waren geprägt von ungehemmten Erkundungen der Grenzen des fotografischen Mediums, beginnend mit Fotografen, die ihre eigenen und/oder gefundenen Bilder zusammensetzten oder neu montierten, wie Ray K. Metzker, Robert Heinecken und Walter Chappell.
Mitte der 1970er Jahre entwickelte Josef H. Neumann Chemogramme, die sowohl Produkte der fotografischen Verarbeitung als auch der Malerei auf Fotopapier sind. Vor der Verbreitung von Computern und dem Einsatz von Bildbearbeitungssoftware kann der Prozess der Erstellung von Chemogrammen als eine frühe Form der analogen Nachbearbeitung angesehen werden, bei der das Originalbild nach dem Vergrößerungsprozess verändert wird. Im Gegensatz zu Werken der digitalen Nachbearbeitung ist jedes Chemogramm ein Einzelstück.
Barbara Kasten – Tatort III, 2012
Anfang der späten 1970er Jahre dehnten Fotografen die Grenzen des Maßstabs und der Oberfläche in den damals traditionellen fotografischen Medien aus, die in einer Dunkelkammer entwickelt werden mussten. Inspiriert von der Arbeit von Moholy-Nagy begann Susan Rankaitis zunächst, gefundene Bilder aus wissenschaftlichen Lehrbüchern in großformatige Fotogramme einzubetten und schuf so ein Palimpsest, das fast wie eine archäologische Ausgrabung erforscht werden muss.“ Später produzierte sie riesige interaktive Galeriekonstruktionen, die die physischen und konzeptionellen Vorstellungen davon, was eine Fotografie sein könnte, erweiterten. In den 1990er Jahren erforschte eine neue Welle von Fotografen die Möglichkeiten, die der Einsatz von Computern bei der Erstellung von Fotografien bot. Fotografen wie Thomas Ruff, Barbara Kasten, Tom Friedman und Carel Balth schufen Werke, die Fotografie, Skulptur, Druckgrafik und computergenerierte Bilder kombinierten.
21. Jahrhundert
Mit der Verbreitung von Computern und Fotosoftware wurden die Grenzen der abstrakten Fotografie über die Grenzen von Film und Chemie hinaus in fast unbegrenzte Dimensionen erweitert. Jegliche Grenzen, die noch zwischen reinen Künstlern und reinen Fotografen bestanden, wurden von Individuen aufgehoben, die ausschließlich in der Fotografie arbeiteten, aber nur computergenerierte Bilder produzierten. Zu den bekanntesten Vertretern dieser Generation zu Beginn des 21. Jahrhunderts gehören Gaston Bertin, Penelope Umbrico, Ard Bodewes, Ellen Carey, Nicki Stager, Shirine Gill, Wolfgang Tillmans, Harvey Lloyd und Adam Broomberg & Oliver Chanarin.