Der beste Titel für ein Live-Album aller Zeiten? Das ist einfach. Ted Nugents „Intensities In 10 Cities“. Die besten Live-Alben aller Zeiten? Das ist schwieriger zu sagen.
So viele großartige Live-Alben wurden im Laufe der Jahre gemacht – vor allem in den 70er und 80er Jahren. In der Welt des Hard Rock und Heavy Metal wurde das Live-Album zu einer eigenen Kunstform.
Für einige Bands, wie Kiss und Cheap Trick, war es ein Live-Album, das ihnen den großen Durchbruch bescherte. Für einen Künstler im Besonderen, Peter Frampton, wurde ein Live-Album zu seinem größten Verkaufsschlager und definierte seine gesamte Karriere.
Bei den größten Live-Alben geht es wirklich nur um das Timing. Was sie repräsentieren, ist ein entscheidender Moment in der Karriere einer Band: für viele ein Erwachsenwerden als eine wirklich große Band. Und das ist genauso ein Teil der Magie wie die Musik, die Performance und die Atmosphäre, die zwischen Band und Publikum in der Hitze des Gefechts entsteht.
Und hier sind sie also: Die 50 besten Live-Alben aller Zeiten. Wie von Ihnen gewählt.
Ramones – It’s Alive
Das ultimative Live-Punk Album? Uns fallen nicht viele ein, die es toppen könnten. Mit kaum einer Atempause der Band zwischen den Songs ist dies der Sound des Londoner Rainbow Theatre – so oft Schauplatz gemütlicher All-Star-Jams – der von der schnellsten Setlist der Welt in die Knie gezwungen wird. Das sind 28 Songs in einer Stunde, Leute.
Besser als Blitzkrieg Bop geht es wirklich nicht. Zur Hölle, Bassist Dee Dee Ramones Schrei „1-2-3-4″ ist an sich schon hymnisch, aber der ‚Hey Ho! Let’s Go!“-Gesang (offenbar inspiriert von den Bay City Rollers) ist, wie alle klassischen Ramones, ein Werk von simpler Genialität.
Drei Jahrzehnte später, und der Schweiß riecht immer noch nicht abgestanden.
Various: Woodstock: Music From the Original Soundtrack and More
Im Jahr 2019 wurde das 50-jährige Jubiläum des originalen Woodstock-Festivals mit der Veröffentlichung einer erweiterten, 38 CDs umfassenden, 432 Tracks umfassenden Box-Set-Version des originalen Soundtracks gefeiert, die 267 bisher unveröffentlichte Tracks enthält.
Es war vielleicht ein Overkill, aber allein die Tatsache, dass es überhaupt veröffentlicht wurde, zeugt von der langjährigen kulturellen Bedeutung der ursprünglichen Veröffentlichung. Wenn es bei Live-Alben darum geht, einen Moment in der Zeit festzuhalten, dann ist Woodstock: Music From the Original Soundtrack and More brillant gelungen, von den „Brown Acid“-Bühnenansagen bis zu Jimi Hendrix‘ aufgeladener Version des Star Spangled Banner.
Der Rest der Besetzung ist ähnlich hochkarätig: The Who, Joe Cocker, Crosby, Stills, Nash & Young, Santana, Jefferson Airplane, Canned Heat, Sly & The Family Stone und mehr, und ein Auftritt von Ten Years After, der ihre gesamte Karriere definieren sollte. Und das Paar auf dem Cover? Sie sind immer noch zusammen.
Grand Funk Railroad – Live Album
Gleich wie die Band, die es gemacht hat, der Beschreibung „Power-Trio“ eine neue Bedeutung gab, so hat das Live Album die Vorlage für alles gelegt, was wir heute als Stoner Rock kennen. Verkauft als „direkte Aufnahme“ – d.h. keine Overdubs, keine Remixe, nichts außer Platten aus Blech – ging es darum, alles echt zu halten (schade, dass niemand daran dachte, dem Cover-Designer zu sagen, dass er ein Foto der Band vom Atlanta International Pop Festival verwendete, obwohl nichts von der Musik dort aufgenommen wurde).
Selbst der glühendste Grand-Funk-Railroad-Fan aus den 70ern hätte zugestimmt, dass man wirklich nicht mehr als eines ihrer zwei Zoll tiefen Studioalben besitzen musste, und man hat den Funk sicherlich nicht auf dem Boden liegend mit den Stereo-Kopfhörern auf den Ohren entdeckt. Man mochte sie dort, wo sie lebten, draußen auf der Straße. Daher das enorme Gefühl der Rechtschaffenheit, das die Veröffentlichung dieses, ihres vierten Albums, begleitete.
Kritiker taten sie als knochentrockene Proto-Metal-Händler ab, aber in Sänger und Gitarrist Mark Farner – ein grimmiger Frontmann, der sich nichts gefallen ließ und kein Pardon gab – wurden Grand Funk Railroad zur Verkörperung dessen, was es bedeutete, ein All-American Rocker zu sein, und der Erfolg des Live-Albums widerlegte, dass das, was Kritiker sagten, überhaupt von Bedeutung war.
Hawkwind – Space Ritual
Der Höhepunkt von Hawkwinds Kreativität. Sie arbeiteten eng mit dem Fantasy-Autor Michael Moorcock an diesem Album, das auf seinem Eternal Champion-Konzept basiert, und es hat eine Genialität, die es zu einem Klassiker macht.
Jeder Song ist sowohl in sich abgeschlossen als auch Teil eines Gesamtflusses, der es wirklich zu einer Space-Rock-Oper macht. Im Eröffnungstrack Assault & Battery (Part 1) zieht die Band sogar den Hut vor den Dichtern des 19. Jahrhunderts Percy Shelley und Henry Wadsworth Longfellow, während Moorcock selbst drei Gedichte beisteuert, von denen er zwei erzählt. Das Artwork des Albums trug zur Verschmelzung von Brillanz bei.
„Was Bands tendenziell tun, ist, den Sound zu säubern, um es so sehr wie möglich wie ein Studioalbum zu machen“, sagte Autor Ian Rankin. „Space Ritual war anders. Es war ein schäbiger Live-Sound, mit vielen Möglichkeiten, Dinge falsch zu machen. Es war das erste, bei dem ich das Gefühl hatte, dabei zu sein, eine treibende, hypnotische Show mit all diesen wunderbaren Bleeps, Blips und dröhnenden Gitarren, die fast transzendental waren.“
Aerosmith – Live! Bootleg
Am 4. Juli, dem amerikanischen Unabhängigkeitstag, traten Aerosmith als Top-Act beim Texxas World Music Festival im 100.000 Zuschauer fassenden Dallas Cottonbowl auf, mit Ted Nugent und Heart als Vorgruppe, sowie Journey und Eddie Money.
Außerdem spielten sie ein paar unauffällige Clubshows unter dem Namen Dr. J. Jones And The Interns, die von Jack Douglas für das Live-Album aufgenommen wurden, das am 27. Oktober erschien. Sie nannten es Live! Bootleg, und wie der Titel schon andeutet, war es die Antithese zu Peter Framptons süßlich klingendem Mega-Hit Frampton Comes Alive!
„Ich liebe diese Platte“, erzählt Slash. „Das ist für mich die Quintessenz des Live-Rock’n’Roll-Albums aller Zeiten. Es ist unglaublich. Die Art und Weise, wie das Live! Bootleg mit Back In The Saddle beginnt, das ganze Intro mit der Menge, die durchdreht, und die Blitzlichter, die losgehen, dieser ganze Aufbau, das machte es für mich so aufregend.“
„Das Tolle an Live-Platten war damals, dass man, wenn man keine anderen Platten der Band hatte, einen guten Querschnitt ihres Materials auf einem Album bekommen konnte“, sagt der Moderator Eddie Trunk. „Ich erinnere mich, wie ich Live! Bootleg bekam und das Poster an meine Wand hängte, und bis heute denke ich, dass es eine unglaublich unterschätzte Live-Platte ist. Und es ist tatsächlich eine echte Live-Platte.
Alice In Chains – Unplugged
Alice In Chains Unplugged markierte den vorletzten Auftritt von Sänger Layne Staley, der mit seiner lähmenden Heroinsucht kämpfte, die er in den quälenden Texten der Band ergreifend beschrieben hatte.
Dieser Auftritt ist ein erschütterndes Porträt des tragischen Niedergangs eines der charismatischsten und rätselhaftesten Frontmänner des Rock, vom Glam-Rock liebenden Metal-Star zum verwahrlosten Junkie.
Aber AICs heruntergestimmter, schlammiger Heavy Metal eignet sich irgendwie auch für das akustische Format. Jeder Song wandelt sich von einer kraftvollen, wütenden Katharsis zu einem eindringlichen Lamento. Und diese kleinen, aber ergreifenden Veränderungen verleihen dem gesamten Album eine tragische und herzzerreißende Tiefe.
Jethro Tull – Bursting Out
Im April ’78, kurz nach der Veröffentlichung von Heavy Horses, tourten Jethro Tull durch Großbritannien und Europa. Das daraus resultierende Bursting Out, das im Oktober veröffentlicht wurde, war ein Live-Doppelalbum, das die Band in großartiger Form zeigte, mit einer Tracklist, die die gesamte Tull-Skala durchlief – von Folk-Laune bis Rock-Crunch – und einen anständigen Überblick über die Karriere der Band bot.
„Machen Sie keinen Fehler: Was die schiere Professionalität angeht, sind Jethro Tull unvergleichlich“, schrieb der berüchtigte Lester Bangs, vielleicht der letzte Journalist, von dem man erwarten würde, dass er dem Charme einer Folk-Rock-Gruppe aus Lancastrien verfallen würde, die von einem wilden Flötisten angeführt wird.
„Sie zeichnen sich dadurch aus, dass sie nie versäumen, eine komplette Show abzuliefern“, fuhr er fort, „komplett mit allem, von dem sie wissen, dass jedes Kind gerne sein Geld bezahlen würde, um es zu sehen: Musik, Lautstärke, Kostüme, Theatralik, auffällige Soli, lange Sets, zwei Zugaben. Jethro Tull sind glatt und diszipliniert; sie arbeiten hart und liefern ab.“
Scorpions – World Wide Live
Während Tokyo Tapes von 1978 vielleicht der Favorit der Hardcore-Fans ist, fängt World Wide Live von 1985 die Scorpions auf ihrem kommerziellen Höhepunkt ein, wobei die gelegentlichen blumigen Ausflüge der Uli Jon Roth-Ära in den großen Mülleimer des Rocks verschoben wurden. Stattdessen waren die Auftritte unerbittlich straff und rücksichtslos geliefert.
„Jeder Auftritt hier ist ein Killer“, erzählt Gitarrist Rudolf Schenker. „Es wurde in so vielen Städten auf der ganzen Welt aufgenommen, und unser Produzent Dieter Dierks kam mit uns auf Tour und verbrachte Ewigkeiten damit, jede unserer Aufnahmen durchzugehen, um die beste Version jedes Songs zu finden.
„Es war eine lange Arbeit, aber es hat sich gelohnt. Das repräsentierte, wie aufregend alles für uns zu der Zeit war, denn wir waren Headliner in riesigen Venues.“
Humble Pie – Performance Rockin‘ The Fillmore
Im Studio waren sie schon beeindruckend genug, aber live zu spielen, war das, was Humble Pie wirklich auszeichnete. Dieses ausgedehnte Doppelalbum, das im Mai 1971 in New York aufgenommen wurde, ist ein großartiges Schaufenster für Marriotts glühenden Gesang und sein heftiges Zusammenspiel mit dem anderen Gitarristen Peter Frampton.
Abgesehen von der rasenden Kraft von Stone Cold Fever, sind die Songs temperamentvolle Cover, vom Slow Jam von I’m Ready bis hin zu erweiterten Versionen von Rolling Stone und dem R&B-Klassiker I Don’t Need No Doctor. Das Highlight ist vielleicht die titanische Neuinterpretation von Dr. Johns I Walk On Gilded Splinters, die sich dramatisch über 24 Minuten erstreckt.
Jimi Hendrix – Band of Gypsys
Für ein Album, das als vertragliche Ausstiegsmöglichkeit geliefert wurde, ist Band Of Gypsys ein tolles Live-Album. Mit einer neuen Rhythmusgruppe nach der Auflösung der Experience ging Jimi Hendrix in verschiedene Richtungen, um die neuen musikalischen Territorien von Funk und R&B zu erkunden, und tat dies mit einer neu gefundenen Präzision und regenerierter Energie und Kreativität. Sein Spiel hier ist stellenweise wirklich wundervoll und meisterhaft kontrolliert.
Hendrix war an der Schwelle zu neuen Horizonten, und Band Of Gypsys war, wie er gesagt haben könnte, „ein erster Schritt“, nicht nur seine Richtung, sondern auch die der Rockaufführungen neu zu gestalten. Der spontan improvisierte Geist wurde in den 70er Jahren unter anderem von der Allman Brothers Band, Led Zeppelin und den Grateful Dead definitiv aufgegriffen.
„Es ist keine perfekte Aufnahme“, sagte uns Joe Satriani, „aber ich höre auf das Herz und die Seele. Er hat den Lauf der Musik an einem Abend verändert. Wenn es nur diese Version von Machine Gun enthalten würde, wäre das genug für mich. Das ist die Bibel, das Grimoire der elektrischen Gitarre.“
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