Edward Hopper wird weithin als der wichtigste realistische Maler des zwanzigsten Jahrhunderts in Amerika anerkannt. Jahrhunderts. Aber seine Vision der Realität war eine selektive, die sein eigenes Temperament in den leeren Stadtlandschaften, Landschaften und isolierten Figuren, die er malte, widerspiegelte. Sein Werk zeigt, dass Realismus nicht nur ein wörtliches oder fotografisches Kopieren dessen ist, was wir sehen, sondern eine interpretierende Wiedergabe.
Edward Hopper wurde 1882 in NY in eine bürgerliche Familie geboren. Von 1900 bis 1906 studierte er an der NY School of Art und wechselte während seiner Schulzeit von der Illustration zur bildenden Kunst. Nach Beendigung seiner Ausbildung arbeitete er für kurze Zeit als Illustrator. Nach Beendigung dieser Laufbahn unternahm er drei internationale Reisen, die einen großen Einfluss auf die Zukunft seiner Arbeit und die Art der Kunst hatten, mit der er sich im Laufe seiner Karriere beschäftigen würde. Zwischen 1906 und 1910 unternahm er drei Reisen nach Europa. Rückblickend betrachtet, bedeutete Europa für Edward Hopper Frankreich, genauer gesagt Paris. Diese Stadt, ihre Architektur, ihr Licht und ihre Kunsttradition, beeinflusste seine Entwicklung entscheidend.
Als er 1906 ankam, war Paris das künstlerische Zentrum der westlichen Welt; keine andere Stadt war so wichtig für die Entwicklung der modernen Kunst. Die Entwicklung zur abstrakten Malerei war bereits im Gange, der Kubismus hatte begonnen. Dort malte Picasso 1907 seine legendären Les Demoiselles d’Avignon. Hopper behauptete jedoch später, dass er in Paris nie von Picasso gehört habe, der für die Entwicklung der modernen Literatur so wichtig werden sollte. Für Hopper war die Begegnung mit dem Impressionismus entscheidend. Das Licht in diesen Bildern und die thematische Behandlung von Architektur und Natur zogen ihn besonders an und sollten sein gesamtes Werk beeinflussen. Seine Reaktion auf die Impressionisten spiegelt sich unmittelbar in seiner eigenen Kunst wider. Er vergaß die dunklen, altmeisterlichen Interieurs seiner New Yorker Studentenzeit, in der er hauptsächlich von den großen europäischen Künstlern – Johannes Vermeer, Caravaggio, Rembrandt und Diego Velazquez – beeinflusst wurde. Der Einfluss der Impressionisten, wie Monet, Cezanne und Van Gogh, spiegelt sich direkt in seiner eigenen Kunst wider. Seine Palette leuchtete auf und er begann, mit leichten und schnellen Strichen zu malen. Noch 1962 konnte er sagen: „Ich glaube, ich bin immer noch ein Impressionist.“
Im Jahr 1910 kehrte Hopper in die Vereinigten Staaten zurück, um Nordamerika nie wieder zu verlassen. In den 1910er Jahren hatte Edward Hopper ziemlich zu kämpfen, um überhaupt Anerkennung für seine Werke zu bekommen. In dieser Zeit wurde eine Reihe seiner Werke auf verschiedenen Ausstellungen in New York gezeigt, aber seine Werke fanden, wenn überhaupt, nur wenig Beachtung. Die Ölmalerei war ein Schwerpunkt seiner Arbeit, aber ein Großteil der Verkäufe, die er in dieser Zeit machte, war für Werke, die er mit Radierungen und Wandmalereien geschaffen hatte.
Im Alter von 37 Jahren erhielt Edward Hopper seine erste offene Einladung zu einer Einzelausstellung, in der einige seiner besten Werke gezeigt wurden. 16 seiner Werke wurden im Whitney Club ausgestellt, und obwohl keines der Werke bei dieser Ausstellung verkauft wurde, wies sie seiner Karriere eine neue Richtung, sie machte seine Kunstwerke der breiten Öffentlichkeit bekannt und er wurde zu einem bekannteren Namen in der Art von Arbeit und den Kunstformen, auf die er seine Karriere am meisten konzentrieren wollte, für die zukünftigen Werke, die er schaffen würde.
Ein paar Jahre später stellte Edward Hopper fest, dass seine Karriere eine Wendung zum Besseren genommen hatte und er mit den Werken, die er geschaffen hatte, gut im Verkauf und finanziell abschnitt. Er wurde eingeladen, eine zweite Einzelausstellung zu machen, um neue Werke zu zeigen und um die Arbeiten, die er in den letzten Jahren geschaffen hatte, bekannt zu machen. Diese zweite Ausstellung fand in der Frank KM Rehn Gallery in NYC statt und erhielt weitaus mehr Aufmerksamkeit und ein viel größeres Publikum, was zum einen an dem Ort lag, an dem die Ausstellung stattfand, und zum anderen an der Tatsache, dass nun mehr Menschen von den Werken Edward Hoppers wussten.
House by the Railroad, ein berühmtes Gemälde des Künstlers, war das erste Werk, das für das erst kürzlich eröffnete Museum of Modern Art erworben wurde. Stark definierte Beleuchtung, klar definierte Linien und angeschnittene Blickwinkel waren einige der Merkmale, die dieses Kunstwerk einfing; und dies verkörperte den Stil, den Edward Hopper später in seiner Karriere und mit den zukünftigen Werken, die er im Laufe seiner Karriere als Künstler produzieren würde, verwenden würde.
Im Jahr 1923 heiratete Edward Hopper eine Kommilitonin, die die New Yorker Akademie besuchte, wo er seine Ausbildung erhielt, Josephine Nivision. Sie posierte nicht nur für fast die Hälfte der weiblichen Figurenbilder, die er im Laufe seiner Karriere schuf, sie ermutigte und drängte ihn auch dazu, sich im Laufe seiner Karriere mit verschiedenen Kunstformen zu beschäftigen. Sie drängte ihn, mit Aquarellen zu arbeiten, und sie führte Buch über alle Stücke, die er entwarf, über die Ausstellungen, an denen er teilnahm, und über alle Verkäufe der Stücke, die während dieser Ausstellungen, in denen seine Arbeiten präsentiert wurden, getätigt wurden.
Im Jahr 1933 erhielt Edward Hopper weitere Lobeshymnen für seine Werke und für eine Arbeit, die im Museum of Modern Art ausgestellt wurde. Sein unverkennbarer Stil und seine ausgereiften Malweisen waren einige Dinge, für die er in dieser Zeit bekannt geworden war. Die wunderschönen Landschaften, die ruhigen Räume und leeren Zimmer, die er gestaltete, und die vergängliche Wirkung, die viele seiner Werke darstellten, schufen ein Gefühl des zeitgenössischen Lebens und einen neuen Stil, den viele in der Kunstwelt erkannten, und viele lobten ihn für diesen eindeutigen Stil, den er in seinen Kunstformen geschaffen hatte.
In Edward Hoppers berühmtestem Werk, Nighthawks, sind vier Kunden und ein Kellner zu sehen, die sich nachts in einem hell erleuchteten Diner aufhalten. Es war ein Stück, das während des Krieges geschaffen wurde; und viele glauben, dass ihre Unverbundenheit mit dem Kellner und mit der Außenwelt die Gefühle vieler Amerikaner während dieser Zeit, wegen des Krieges, darstellen. Das Stück wurde 1942 im Art Institute of Chicago aufgestellt und wurde von vielen Menschen gesehen, während es in einer Ausstellung zu sehen war.
Große Kunst ist der äußere Ausdruck eines inneren Lebens des Künstlers, und dieses innere Leben wird zu seiner persönlichen Vision der Welt führen.“ – Edward Hopper
Zwischen den 1930er und 1950er Jahren verbrachten Edward Hopper und seine Frau viel Zeit und die meisten ihrer Sommer in Cape Cod, Massachusetts. In vielen der Werke, die Hopper in dieser Zeit schuf, finden sich viele der Szenen, der gemeinsamen Orte und der nahegelegenen Attraktionen, die sie besuchten, wieder. Er begann auch, weiter hinaus zu reisen und besuchte Regionen von Vermont bis Charleston, um seiner Sammlung mehr neue Sehenswürdigkeiten hinzuzufügen und die Werke und Orte zu erweitern, die er in viele der Bilder, die er im Laufe seiner Karriere schuf, aufnehmen würde.
Später in seiner Karriere wurden viele seiner Werke in verschiedenen Ausstellungen gezeigt, nämlich im Whitney Museum, das sich in New York City befand. Später in seiner Karriere, während der 1940er Jahre, war eine Periode, in der er den größten kommerziellen Erfolg fand. Aber bald darauf und sogar noch während dieser Zeitspanne begann er, die Gunst der Kritiker zu verlieren. Das lag vor allem an den neuen Formen der Kunst und der Tatsache, dass abstrakte Werke in die Kunstwelt einzutreten begannen, die seine Arbeit, wie auch die vieler berühmter Künstler vor ihm, übernahmen.
Die Themen der Spannungen zwischen Individuen und der Konflikt zwischen Tradition und Fortschritt in ländlicher und städtischer Umgebung sind ein Motiv, zu dem Edward Hopper immer wieder zurückkehrt, so wie Künstler schon immer zu ihren geliebten Themen zurückgekehrt sind – Van Gogh seine Sonnenblumen und Monet seine Seerosen. Die Wahl seiner Motive – insbesondere der Orte, die er malte – scheint etwas unvorhersehbar gewesen zu sein, denn sie waren Teil seines ständigen Kampfes mit der chronischen Langeweile, die seinen Drang zu malen oft erstickte. Das ist es, was Hopper in Bewegung hielt – seine Suche nach Inspiration, die er am wenigsten schmerzhaft in der Stimulation einer neuen Umgebung fand. Heute betrachten viele Kunsthistoriker Edward Hopper als den bedeutendsten amerikanischen Impressionisten, neben Winslow Homer des 19. Jahrhunderts.
In den 1940er und 1950er Jahren verlor Hopper im Zuge des Abstrakten Expressionismus die Gunst der Kritiker. In der neuen Avantgarde-Kunstbewegung, die in den frühen 1940er Jahren entstand, trieben Künstler wie Willem de Kooning, Jackson Pollock und Mark Rothko kühne formale Erfindungen auf der Suche nach bedeutenden Inhalten voran. Indem sie sich von akzeptierten Konventionen sowohl in der Technik als auch in der Thematik lösten, schufen diese Künstler monumentale Werke, die als Reflexionen ihrer individuellen Psyche standen und versuchten, universelle innere Quellen anzuzapfen. Doch Hopper fährt fort, das Gefühl zu malen, das den meisten Menschen vertraut ist – die Tristesse, die in der Existenz eingebettet ist, in unserem intimen Wissen um die Einsamkeit des Selbst. Obwohl das 20. Jahrhundert die Blütezeit von Sigmund Freud und der Freudschen Psychoanalyse war, wollte Hopper, falls er jemals das Gefühl hatte, dass seine Psyche verzerrt war, diese nicht korrigieren lassen, denn die Kunst kam aus dem, was der Künstler in jeder Hinsicht war. Er wollte weder an seinem Unterbewusstsein noch an seiner persönlichen Sicht auf die Welt herumpfuschen. Zusammen mit Georgia O’Keeffe hält Edward Hopper einen außergewöhnlichen Status als zwei der prominentesten Figuren in der amerikanischen Kunst des frühen zwanzigsten Jahrhunderts. Jahrhunderts. Hopper fehlte es jedoch nie an Popularität, und zum Zeitpunkt seines Todes im Jahr 1967 wurde Hopper von einer neuen Generation amerikanischer realistischer Künstler als wichtiger Einfluss reklamiert.