Edward Hopper est largement reconnu comme le plus important peintre réaliste de l’Amérique du XXe siècle. Mais sa vision de la réalité était sélective, reflétant son propre tempérament dans les paysages urbains vides, les paysages et les personnages isolés qu’il choisissait de peindre. Son œuvre démontre que le réalisme n’est pas simplement une copie littérale ou photographique de ce que nous voyons, mais un rendu interprétatif.
Edward Hopper est né en 1882, à NY, dans une famille de la classe moyenne. De 1900 à 1906, il étudie à l’école d’art et, pendant ses études, passe de l’illustration aux œuvres d’art. À la fin de ses études, il a travaillé comme illustrateur pendant une courte période ; une fois cette carrière terminée, il a effectué trois voyages internationaux, qui ont eu une grande influence sur l’avenir de son travail et le type d’art qu’il allait pratiquer au cours de sa carrière. Il a effectué trois voyages en Europe entre 1906 et 1910. Rétrospectivement, l’Europe signifie pour Edward Hopper la France, et plus particulièrement Paris. Cette ville, son architecture, sa lumière, sa tradition artistique, ont influencé de manière décisive son développement.
Lorsqu’il est arrivé en 1906, Paris était le centre artistique du monde occidental ; aucune autre ville n’était aussi importante pour le développement de l’art moderne. L’évolution vers la peinture abstraite était déjà en cours ; le cubisme avait commencé. C’est là, en 1907, que Picasso peint ses légendaires Demoiselles d’Avignon. Hopper a cependant affirmé plus tard que lorsqu’il était à Paris, il n’avait jamais entendu parler de Picasso, qui allait devenir si important pour le développement de la littérature moderne. Pour Hopper, la rencontre avec l’impressionnisme a été décisive. La lumière de ces tableaux et le traitement thématique de l’architecture et de la nature l’ont particulièrement attiré et allaient influencer l’ensemble de son œuvre. Sa réaction aux impressionnistes se reflète directement dans son propre art. Il a oublié les intérieurs sombres, semblables à ceux des vieux maîtres, de l’époque où il était étudiant à New York et où il était principalement influencé par les grands artistes européens – Johannes Vermeer, Caravaggio, Rembrandt et Diego Velazquez. L’influence des impressionnistes, tels que Monet, Cézanne et Van Gogh, se reflète directement dans son propre art. Sa palette s’illumine et il commence à peindre avec des touches légères et rapides. Même en 1962, il pouvait dire : » Je pense que je suis toujours un impressionniste. «
En 1910, Hopper est retourné aux États-Unis, pour ne plus jamais quitter l’Amérique du Nord. Au cours des années 1910, Edward Hopper a eu beaucoup de mal à obtenir une quelconque reconnaissance pour les œuvres qu’il avait créées. Au cours de cette période, un certain nombre de ses œuvres ont été distribuées lors de divers salons et expositions à New York, mais très peu, voire aucune attention, n’a été accordée à ses pièces. La peinture à l’huile était un point focal du travail qu’il avait fait, mais une majorité des ventes qu’il a faites pendant cette période, était pour les œuvres qu’il avait créées en faisant des travaux de gravure et des peintures murales.
À l’âge de 37 ans, Edward Hopper a reçu sa première invitation ouverte à faire une exposition personnelle, présentant certaines de ces plus belles pièces d’art. 16 pièces de son travail ont été présentées au Whitney Club, et bien qu’aucune des pièces n’ait été vendue lors de cette exposition, cela a orienté sa carrière dans une nouvelle direction, cela a permis de faire connaître ses œuvres au grand public, et il est devenu un nom plus notable dans le type de travail et les formes d’art sur lesquels il voulait le plus axer sa carrière, pour les futures œuvres qu’il créerait.
Quelques années plus tard, Edward Hopper a constaté que sa carrière avait pris un tournant pour le mieux, et qu’il se débrouillait bien dans les ventes, et financièrement avec les œuvres qu’il avait créées. Il a été invité à faire une deuxième exposition personnelle, pour présenter de nouvelles œuvres, et pour créer un buzz sur le travail qu’il avait créé ces dernières années. C’est à la Frank KM Rehn Gallery de New York que cette deuxième exposition a eu lieu, et elle a reçu beaucoup plus d’attention et une foule beaucoup plus importante, en raison de l’endroit où l’exposition avait lieu, et aussi parce que plus de gens étaient maintenant au courant des œuvres qu’Edward Hopper avait créées.
Maison près du chemin de fer, était une célèbre peinture créée par l’artiste, qui était la première œuvre à être acquise pour le Musée d’art moderne, qui n’avait été ouvert que récemment au grand public. Un éclairage fortement défini, des lignes clairement définies, et des points de vue recadrés, étaient quelques-unes des caractéristiques que cette œuvre d’art a capturées ; et, cela a incarné le style dans lequel Edward Hopper utiliserait plus tard dans sa carrière, et avec les futures œuvres qu’il produirait au cours de sa carrière d’artiste.
En 1923, Edward Hopper épouse une camarade de classe qui a fréquenté l’Académie de NY où il a fait ses études, Josephine Nivision. Non seulement elle a posé pour près de la moitié des pièces à figure féminine qu’il a créées au cours de sa carrière, mais elle l’a également encouragé et poussé à s’engager dans différentes formes d’art au cours de sa carrière. Elle l’a poussé à travailler avec des aquarelles, et elle a tenu des registres de toutes les pièces qu’il a conçues, des expositions auxquelles il devait participer, et de toutes les ventes des pièces qui ont été faites, lors de ces expositions dans lesquelles son travail était présenté.
En 1933, Edward Hopper reçoit de nouveaux éloges pour les œuvres qu’il a réalisées, et pour une pièce exposée au Musée d’art moderne. Son style très identifiable, et des styles de peinture matures, sont quelques choses pour lesquelles il s’était fait connaître durant cette période. Les magnifiques paysages, les pièces calmes et les pièces vides qu’il a conçues, et l’effet transitoire que beaucoup de ses œuvres ont posé, ont créé un sens de la vie contemporaine et un nouveau style, que beaucoup dans le monde de l’art ont reconnu, et beaucoup l’ont loué pour ce style distinct qu’il avait créé dans ses formes d’art.
Dans l’œuvre la plus célèbre d’Edward Hopper, Nighthawks, il y a quatre clients et un serveur, qui sont dans un diner très éclairé la nuit. C’est une œuvre créée en temps de guerre ; et beaucoup pensent que leur déconnexion avec le serveur, et avec le monde extérieur, représente les sentiments de beaucoup d’Américains pendant cette période, à cause de la guerre. La pièce a été installée en 1942, à l’Art Institute of Chicago, et a été vue par de nombreuses personnes alors qu’elle était exposée pour un spectacle.
Le grand art est l’expression extérieure d’une vie intérieure de l’artiste, et cette vie intérieure aboutira à sa vision personnelle du monde. » – Edward Hopper
Entre les années 1930 et 1950, Edward Hopper et sa femme ont passé pas mal de temps, et la plupart de leurs étés, à visiter Cape Cod, dans le Massachusetts. Dans bon nombre des œuvres que Hopper a créées durant cette période, les scènes, les lieux communs et les attractions proches qu’ils ont visités se retrouvent souvent dans les formes d’art qu’il a créées au cours de sa carrière. Il a également commencé à voyager plus loin, et a visité des régions allant du Vermont jusqu’à Charleston, afin d’ajouter plus de nouveaux points d’intérêt à sa collection, et d’élargir les œuvres et les lieux qu’il inclurait dans de nombreuses images qu’il a créées au cours de sa carrière.
Plus tard dans sa carrière, beaucoup de ses œuvres ont été présentées dans diverses expositions, notamment au Whitney Museum, qui était situé à New York. Plus tard dans sa carrière, au cours des années 1940, a été une période dans laquelle il a trouvé le plus de succès commercial. Mais peu après, et même pendant cette période, il a commencé à perdre les faveurs de la critique. Cela était notamment dû aux nouvelles formes d’art, et au fait que les pièces abstraites commençaient à entrer dans le monde de l’art, ce qui a repris le travail qu’il a fait, ainsi que le travail de nombreux artistes célèbres avant lui.
Les thèmes des tensions entre les individus et du conflit entre la tradition et le progrès dans les milieux ruraux et urbains, sont des motifs auxquels Edward Hopper revient toujours, comme les artistes sont toujours revenus à leurs thèmes favoris – Van Gogh ses Tournesols, et Monet ses Nymphéas. Ses choix de sujets – en particulier les lieux qu’il peignait – semblent avoir été quelque peu imprévisibles, car ils faisaient partie de sa lutte constante contre l’ennui chronique qui étouffait souvent son envie de peindre. C’est ce qui a poussé Hopper à se déplacer – sa quête d’inspiration, qu’il trouvait péniblement dans la stimulation d’un nouvel environnement. Aujourd’hui, de nombreux historiens de l’art considèrent Edward Hopper comme l’impressionniste américain le plus éminent, avec Winslow Homer du XIXe siècle.
Dans les années 1940 et 1950, Hopper se retrouve à perdre la faveur de la critique dans le sillage de l’expressionnisme abstrait. Parmi le nouveau mouvement artistique d’avant-garde apparu au début des années 1940, des artistes tels que Willem de Kooning, Jackson Pollock et Mark Rothko ont avancé des inventions formelles audacieuses dans une recherche de contenu significatif. En rompant avec les conventions acceptées, tant au niveau de la technique que du sujet, ces artistes ont réalisé des œuvres de taille monumentale qui étaient le reflet de leur psyché individuelle et qui tentaient de puiser dans des sources intérieures universelles. Mais Hopper continue de peindre le sentiment familier à la plupart des humains – la tristesse ancrée dans l’existence, dans notre connaissance intime de la solitude du moi. Bien que le XXe siècle ait été l’apogée de Sigmund Freud et de la psychanalyse freudienne, si Hopper a jamais senti que sa psyché était déformée, il n’a pas voulu la corriger, car l’art provenait de ce que l’artiste était à tous égards. Il ne souhaitait pas altérer son subconscient ni sa vision personnelle du monde. Avec Georgia O’Keeffe, Edward Hopper jouit d’un statut exceptionnel en tant que deux des figures les plus marquantes de l’art américain du début du vingtième siècle. Hopper n’a cependant jamais manqué d’attrait populaire et, au moment de sa mort en 1967, il a été récupéré comme une influence majeure par une nouvelle génération d’artistes réalistes américains.