Siècle 19
Certaines des premières images de ce que l’on peut appeler la photographie abstraite sont apparues au cours de la première décennie après l’invention du métier. En 1842, John William Draper a créé des images à l’aide d’un spectroscope, qui dispersait les rayons lumineux en un motif visible alors inédit. Les tirages qu’il a réalisés n’avaient aucune référence à la réalité du monde visible que les autres photographes enregistraient alors, et ils ont démontré la capacité sans précédent de la photographie à transformer ce qui était auparavant invisible en une présence tangible. Draper considérait ses images comme des documents scientifiques plutôt que comme de l’art, mais leur qualité artistique est appréciée aujourd’hui pour leur statut révolutionnaire et leur individualité intrinsèque.
Une autre photographe de la première heure, Anna Atkins en Angleterre, a produit un livre auto-publié de photogrammes réalisés en plaçant des algues séchées directement sur du papier cyanotype. Destinées à une étude scientifique, les images d’un blanc austère sur fond bleu ont une qualité abstraite éthérée en raison de l’imagerie négative et de l’absence de contexte naturel pour les plantes.
La découverte des rayons X en 1895 et de la radioactivité en 1896 a provoqué une grande fascination du public pour les choses qui étaient auparavant invisibles ou invisibles. En réponse, les photographes ont commencé à explorer comment ils pouvaient capturer ce qui ne pouvait pas être vu par la vision humaine normale.
A peu près à la même époque, l’auteur et artiste suédois August Strindberg a expérimenté en soumettant des solutions salines sur des plaques photographiques à la chaleur et au froid. Les images qu’il a produites avec ces expériences étaient des rendus indéfinis de ce qui ne pouvait pas être vu autrement et étaient complètement abstraits dans leur présentation.
Vers le début du siècle, Louis Darget, en France, a essayé de capturer des images de processus mentaux en pressant des plaques non exposées sur le front de personnes assises et en les incitant à projeter des images de leur esprit sur les plaques. Les photographies qu’il produisait étaient floues et indéfinies, mais Darget était convaincu que ce qu’il appelait les « vibrations de la pensée » étaient indiscernables des rayons lumineux.
Vingtième siècleModification
Pendant la première décennie du XXe siècle, il y eut une vague d’exploration artistique qui a accéléré la transition en peinture et en sculpture de l’impressionnisme et du post-impressionnisme au cubisme et au futurisme. À partir de 1903, une série d’expositions annuelles à Paris, le Salon d’automne, a permis au public de découvrir la vision radicale d’artistes comme Cézanne, Picasso, Marcel Duchamp, Francis Picabia, František Kupka et Albert Gleizes. Jean Metzinger. Dix ans plus tard, l’Armory Show de New York fait scandale en présentant des œuvres totalement abstraites de Kandinsky, Braque, Duchamp, Robert Delaunay et d’autres.
L’intérêt et parfois la répulsion du public pour l’art abstrait sont dûment notés par certains des photographes les plus créatifs de l’époque. En 1910, à New York, Alfred Stieglitz commence à exposer des peintres abstraits comme Marsden Hartley et Arthur Dove dans sa galerie d’art 291, qui n’avait auparavant exposé que de la photographie picturale. Des photographes comme Stieglitz, Paul Strand et Edward Steichen ont tous expérimenté des sujets dépeignants photographiés dans des compositions abstraites.
Les premières images exposées publiquement qui sont aujourd’hui reconnues comme des photographies abstraites sont une série intitulée Symmetrical Patterns from Natural Forms, présentée par Erwin Quedenfeldt à Cologne en 1914. Deux ans plus tard, Alvin Langdon Coburn a commencé à expérimenter une série qu’il a appelée Vortographes. Pendant une période de six semaines en 1917, il a pris environ deux douzaines de photographies avec un appareil équipé d’un prisme à multiples facettes. Les images qui en résultent n’ont volontairement aucun rapport avec les réalités qu’il voit, ni avec ses portraits et paysages urbains précédents. Il écrit : « Pourquoi l’appareil photo ne devrait-il pas se débarrasser des chaînes des représentations contemporaines ? Pourquoi, je vous le demande sincèrement, devons-nous continuer à faire de banales petites expositions… ? »
Dans les années 1920 et 1930, il y eut une augmentation significative du nombre de photographes qui exploraient l’imagerie abstraite. En Europe, Prague est devenu un centre de photographie d’avant-garde, avec František Drtikol, Jaroslav Rössler, Josef Sudek et Jaromír Funke qui ont tous créé des photographies influencées par le cubisme et le futurisme. Les images de Rössler, en particulier, dépassaient l’abstraction figurative pour devenir de pures abstractions de lumière et d’ombre.
En Allemagne et plus tard aux États-Unis, László Moholy-Nagy, un chef de file de l’école moderne du Bauhaus, a expérimenté les qualités abstraites du photogramme. Il a déclaré que « les possibilités les plus étonnantes restent à découvrir dans la matière première de la photographie » et que les photographes « doivent apprendre à rechercher, non pas la « photo », non pas l’esthétique de la tradition, mais l’instrument d’expression idéal, le véhicule autosuffisant de l’éducation. »
Certains photographes de cette époque ont également repoussé les limites de l’imagerie conventionnelle en incorporant les visions du surréalisme ou du futurisme dans leur travail. Man Ray, Maurice Tabard, André Kertész, Curtis Moffat et Filippo Masoero sont quelques-uns des artistes les plus connus qui ont produit une imagerie étonnante remettant en question la réalité et la perspective.
Pendant et après la Seconde Guerre mondiale, des photographes tels que Minor White, Aaron Siskind, Henry Holmes Smith et Lotte Jacobi ont exploré des compositions d’objets trouvés de manière à démontrer que même notre monde naturel comporte des éléments d’abstraction qui y sont intégrés.
Frederick Sommer a innové en 1950 en photographiant des objets trouvés volontairement réarrangés, ce qui a donné lieu à des images ambiguës pouvant être largement interprétées. Il choisit d’intituler une image énigmatique particulière The Sacred Wood, d’après l’essai de T.S. Eliot sur la critique et le sens.
Les années 1960 sont marquées par des explorations désinhibées jusqu’aux limites des médias photographiques de l’époque, à commencer par les photographes qui assemblent ou réassemblent leurs propres images et/ou des images trouvées, comme Ray K. Metzker, Robert Heinecken et Walter Chappell.
Au milieu des années 1970, Josef H. Neumann met au point les chimiogrammes, qui sont à la fois des produits du traitement photographique et de la peinture sur papier photographique. Avant la diffusion des ordinateurs et l’utilisation de logiciels de traitement d’images, le processus de création de chimiogrammes peut être considéré comme une forme précoce de post-production analogique, dans laquelle l’image originale est modifiée après le processus d’agrandissement. Contrairement aux œuvres de post-production numérique, chaque chimiogramme est une pièce unique.
Dès la fin des années 1970, les photographes ont repoussé les limites de l’échelle et de la surface dans ce qui était alors un support photographique traditionnel qui devait être développé dans une chambre noire. Inspirée par le travail de Moholy-Nagy, Susan Rankaitis a d’abord commencé à intégrer des images trouvées dans des manuels scientifiques dans des photogrammes à grande échelle, créant ce qu’on a appelé « un palimpseste qui doit être exploré presque comme une fouille archéologique ». Plus tard, elle a produit d’énormes constructions de galeries interactives qui ont élargi les notions physiques et conceptuelles de ce que peut être une photographie. On a dit de son travail qu’il « imitait la fragmentation de l’esprit contemporain. »
Dans les années 1990, une nouvelle vague de photographes explorait les possibilités d’utiliser les ordinateurs pour créer de nouvelles façons de créer des photographies. Des photographes tels que Thomas Ruff, Barbara Kasten, Tom Friedman et Carel Balth créaient des œuvres qui combinaient la photographie, la sculpture, la gravure et les images générées par ordinateur.
Le 21e siècleEdit
Dès que les ordinateurs et les logiciels de photographie sont devenus largement disponibles, les frontières de la photographie abstraite ont été étendues au-delà des limites de la pellicule et de la chimie dans des dimensions presque illimitées. Toutes les frontières qui subsistaient entre les artistes purs et les photographes purs ont été éliminées par des individus qui travaillaient exclusivement en photographie mais ne produisaient que des images générées par ordinateur. Parmi les plus connus de la génération du début du XXIe siècle figurent Gaston Bertin, Penelope Umbrico, Ard Bodewes, Ellen Carey, Nicki Stager, Shirine Gill, Wolfgang Tillmans, Harvey Lloyd et Adam Broomberg & Oliver Chanarin.