Lorsque Rush émerge avec son premier album éponyme en 1974, beaucoup ne les considèrent que comme des clones de Led Zeppelin. En effet, lorsque la directrice musicale et DJ Donna Halper et son équipe ont lâché l’aiguille sur Working Man sur la station de radio WMMS de Cleveland, le standard de la station a été inondé d’appels demandant s’il s’agissait d’un nouveau morceau de Plant, Page, Jones et Bonham.
Maintenant, plus de 40 ans plus tard et après 19 albums studio, 11 disques live et une carrière acclamée qui a vu le groupe être intronisé au Rock And Roll Hall Of Fame en 2013, il est difficile de juger ce qui est le plus improbable : (a) qu’ils aient duré aussi longtemps ou (b) qu’ils l’aient fait grâce à l’embauche du batteur/lyricien Neil Peart pour remplacer John Rutsey.
Les quatre décennies de Rush sont une énigme enveloppée d’un mystère, à l’intérieur de l’énigme qu’était le célèbre Peart, qui évitait les fans et les lumières et qui est malheureusement parti. Pourtant, Rush était un groupe de trois pièces à parts égales, et une attention similaire est attendue depuis longtemps pour le vocaliste et bassiste Geddy Lee et le guitariste Alex Lifeson.
Bien que fréquemment raillé pour son choix occasionnel d’un chant suraigu, Lee a une voix fine et folklorique ; il n’est pas non plus avachi sur un synthé. De plus, comme le prouve son excellent album solo My Favorite Headache (2000), une grande partie de la maîtrise de la mélodie de Rush, souvent négligée, lui revient. Et tout cela avant le meilleur jeu de basse que vous trouverez de ce côté-ci de Jack Bruce. Lifeson, lui aussi, est un joueur sous-estimé, et mérite d’être classé aux côtés de David Gilmour pour ses solos fluides, et de Jimmy Page pour ses riffs d’un autre monde.
Les qualités de Lee et Lifeson ajoutées aux talents prodigieux de Peart pour les rythmes que l’on trouve habituellement en dehors de la sphère rock ont inspiré une ambition collective d’améliorer et d’étendre leurs capacités, et de faire une musique toujours en évolution, jamais sûre.
Les 25 premières années de Rush peuvent être vues en trois cycles (non planifiés), chacun composé de quatre albums studio puis d’un double set live qui semblait annoncer un changement de direction. De 1974 à 1976, ils ont fait du rock comme des salauds tout en colportant de l’épée, de la sorcellerie et de la science-fiction – souvent sur de longues épopées. De 1977 à 1981, ils sont entrés dans une période de pourrissement en découvrant les pédales de basse synthétiques, les claviers et les chansons de moins de 10 minutes. Le troisième cycle, de 1982 à 1989, a commencé par la même chose, mais se caractérise par un penchant initialement troublant pour les rythmes de style reggae. Ils ont également pleinement embrassé la vogue des années 80 pour l’électronique.
Après le troisième double album live, les cycles ont pris fin et la production en studio est devenue sporadique – seulement six albums, un ensemble de reprises et deux autres ensembles live pour faire bonne mesure. Au cours de ceux-ci, ils ont régulièrement dépouillé les garnitures et sont revenus à l’essentiel. Pour ceux d’entre nous qui ont grandi avec Rush, leurs derniers albums sont des amis que nous avons choisis, mais les plus anciens sont comme des membres de la famille. Certains sont plus difficiles à aimer, mais nous restons fidèles à tous. Voici donc certains des choix les plus difficiles que j’ai eu à faire…
Moving Pictures (Mercury, 1981)
L’album de référence pour Rush – et il sonne aussi frais aujourd’hui que lorsque, après cinq mois de travail souvent tendu, le groupe s’est assis dans un playback aux Studios Le de Québec et a déclaré qu’il était terminé.
La première face du vinyle original comprenant Tom Sawyer, Red Barchetta, l’instrumental YYZ et Limelight était impeccable. En le retournant, nous avons entendu un Rush nouvellement mûri – chacun âgé de 27 ou 28 ans à l’époque – réintégrer l’épique The Camera Eye (inspiré de John Dos Passos) pendant 11 minutes exaltantes, nous terrifier avec Witch Hunt, puis faire battre nos pulsations techno avec Vital Signs.
Rush au sommet de son art.View Deal
2112 (Mercury, 1976)
Rush a fait des épopées avant 2112 (avec succès avec les neuf minutes de By-Tor And The Snow Dog sur leur deuxième album Fly By Night, et avec The Fountain Of Lamneth sur le suivi Caress Of Steel), mais avec la chanson titre de 2112, ils ont touché le gros lot. C’est presque 21 minutes de brillance qui parcourent toute la gamme musicale, du picking acoustique (alors que le héros découvre le » miracle antique » d’une six-cordes) à la furie métallique électrique (les prêtres des Temples Of Syrinx la fracassent, le poussant au suicide alors qu’une bataille apocalyptique fait rage).
C’est un album inégal, la seconde moitié faisant pâle figure en comparaison, mais les titres A Passage to Bangkok et Something For Nothing, sur le thème de la drogue, sont également des morceaux formidables.View Deal
Permanent Waves (Mercury, 1980)
Le petit frère de Moving Pictures, et où Lee a commencé à explorer correctement des gammes vocales qui ne faisaient pas peur aux chiens. En raison de son hit single inattendu The Spirit Of Radio, c’est peut-être le seul album de Rush acheté par des non fans – beaucoup d’entre eux étant sans doute attirés par le break reggae de Police dans ce morceau. Pour le reste d’entre nous, Free Will et l’inquiétant Jacob’s Ladder nous ont rappelé l’ancien Rush d’Ayn Rand et de la science-fiction. Puis deux belles chansons d’amour – Entre Nous et Different Strings – laissent entrevoir un avenir plus romantique. Mais plutôt que de s’apitoyer sur son sort, l’album se termine par un morceau en trois parties, Natural Science, qui est à la fois grand et intelligent.View Deal
A Farewell To Kings (Mercury, 1977)
Terrain zéro pour le groupe que Rush est devenu. Les styles de power-trio ont été éclipsés alors que Peart a ajouté une pléthore de cloches et de percussions à sa batterie, Lee et Lifeson ont utilisé des synthés à pédale et le chanteur a également pris en charge un Minimoog.
Enregistré au Pays de Galles, il a marqué le début du lien entre la Grande-Bretagne et le trio canadien. Une grande partie de l’album avait un aspect presque médiéval, avec des récits de tyrans antiques (le morceau titre) et de vagabonds de tout âge (Closer To The Heart, Cinderella Man et Madrigal), mais il était dominé par des prises plus longues sur le poème Kubla Khan de Coleridge (Xanadu) et un vol spatial dans un trou noir (Cygnus X-1).View Deal
Hemispheres (Mercury, 1978)
Sur Hemispheres Peart, mis au pied du mur par sa promesse de poursuivre l’histoire de Cygnus X-1, a conçu le morceau titre de 18 minutes basé sur la philosophie classique et la bataille intellectuelle entre le cœur et l’esprit, la romance et l’intellect, la raison et l’émotion. Proper bonkers, mais nous avons adoré.
Pour Rush, cependant, ce fut un point de basculement. Fini les numéros à rallonge ! Pour un soulagement léger, ils ont ajouté une paire d’indicateurs d’un avenir plus simple – Circumstances et The Trees, rythmé par la guitare acoustique (supposé par certains comme étant un commentaire sur le mouvement séparatiste canadien), plus le stupéfiant instrumental techno-rock La Villa Strangiato.View Deal
Signals (Mercury, 1982)
Suite au live Exit… Stage Left, Dirk, Lerxst et Pratt (alias Lee, Lifeson et Peart) ont simplement repris de Moving Pictures et ajouté des claviers. Beaucoup plus. Subdivisions et The Analog Kid en sont inondés, mais jamais noyés.
Des changements plus radicaux dans le paysage sonore de Rush, cependant, sont en évidence sur Chemistry et Digital Man, qui explorent davantage le techno-reggae de style Police (ceci un an avant Synchronicity de The Police), et The Weapon, construit sur un motif de batterie de dance music. Puis, après un brillant solo invité du violoniste électrique Ben Mink sur Losing It, Rush atteint les étoiles avec Countdown, basé sur l’observation d’un lancement de navette en tant qu’invités VIP de la NASA.View Deal
Power Windows (Vertigo, 1985)
Les fans les plus âgés peuvent rejeter les albums de Rush des années 80 parce qu’ils n’ont pas la dramaturgie de leurs prédécesseurs des années 70, mais le jeu est incontestablement plus serré et les arrangements plus concis. Grace Under Pressure (1984) était très bon, mais miné parce que Lifeson jouait aussi des synthétiseurs ; Power Windows est plus pur parce qu’il s’en tient à ce qu’il fait de mieux.
Chaque chanson est un effort collectif, bien sûr, mais il est impossible de ne pas le nommer comme la star de The Big Money. De même, Manhattan Project semble être la vitrine de Peart et celle de Marathon Lee. Puis ils se rejoignent tous sur Middletown Dreams et le fabuleux Mystic Rhythms, clairsemé et hypnotique.View Deal
Roll The Bones (Atlantic, 1991)
Rush avait un nouveau label pour Presto de 1989, et ils ont également changé de producteur pour Howard Jones et Tina Turner, Rupert Hine. Cette combinaison improbable a mieux fonctionné sur cette deuxième collaboration, comme pour prouver la théorie selon laquelle Rush est à son meilleur en studio lorsque le titre de l’album se termine par un ‘S’.
Comme un vieil ami sortant du brouillard, Roll The Bones émerge plus net et plus précis. Les synthétiseurs se glissent en arrière-plan, le groupe et les paroles s’avancent ; de grands refrains donnent du pouvoir à Dreamline, Bravado et Ghost Of A Chance, tandis que The Big Wheel est tellement dépouillé qu’il a un côté presque années 60. Geddy Lee s’en sort même avec des sections rap dans la chanson titre et You Bet Your Life. L’album a également une couverture soignée.View Deal
Snakes And Arrows (Atlantic, 2007)
Meet the new Rush, aussi bon que l’ancien Rush. Le groupe a cité le coproducteur Nick Raskulinecz pour avoir rendu le processus d’enregistrement plus agréable que tout autre de mémoire – et cela se voit. Les synthétiseurs ont disparu (juste un Mellotron, utilisé avec parcimonie), et Far Cry, Working Them Angels et Spindrift rockent comme vous avez souhaité que Rush le fasse depuis des années. Le rythme et les séquences sont brillants, mélangeant des refrains irrésistibles (The Larger Bowl, The Way The Wind Blows) avec des instruments brillants (The Main Monkey Business) et des guitares qui remplissent l’arène, et lorsque le riff de Armor And Sword se déclenche, nous sommes de retour au pays des Moving Pictures – c’est aussi bon que ça !View Deal
Clockwork Angels (Roadrunner Records, 2012)
Lorsque Clockwork Angels est sorti en 2012, peu se doutaient qu’il s’avérerait être le dernier album du groupe. Mais quel album pour clôturer une carrière tout à fait remarquable. L’album concept est parsemé de quelques classiques froids comme la pierre, notamment le coup de poing à une paire de Caravan et BU2B, tandis que la chanson titre envolée reflue et coule tout au long de ses 7 minutes et 30 secondes d’exécution.
Cependant, c’est la conclusion de l’album, The Garden, qui résonne le plus. Des cordes qui donnent la chair de poule et une ligne de basse subtile de Lee ouvrent le morceau, avant que Lifeson ne s’y engouffre avec une fanfare acoustique. Les paroles traitent de notre inévitable voyage vers la mort – des paroles qui sont encore plus poignantes depuis le décès prématuré de Peart en janvier de cette année. Une mention spéciale est également accordée au magnifique solo de Lifeson sur le morceau, qui soulève la chair de poule à chaque fois.View Deal
Cet article est initialement paru dans Classic Rock #115.
Hugh Syme, directeur artistique de longue date de Rush, choisit ses reprises préférées de Rush.
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