Keith Haring est l’un des membres clés d’un groupe d’artistes avant-gardistes basés à New York qui ont contribué à redéfinir les frontières de l’art moderne dans les années 1980. Son travail est parallèle à celui de Jean-Michel Basquiat, Kenny Scharf et d’autres artistes des années 1980 et s’engage avec une variété de médias et de techniques, comme le dessin, la peinture, le body art, le graffiti. Haring a réalisé des œuvres publiques monumentales qui ont contribué à faire reconnaître le Street art et à le faire entrer dans les musées.
Le style caractéristique de Haring est basé sur des formes abstraites et stylisées travaillées en figures humaines imbriquées et en motifs serrés. Il utilisait peu de couleurs de base dans des teintes hyper-saturées, appliquées sous forme d’aplats de peinture et façonnées en silhouettes épaisses. Il a donné à ses œuvres une qualité graphique et cartoonesque distinctive et s’est appuyé sur des motifs répétitifs pour créer un commentaire visuel à la fois de ses expériences personnelles et de la culture plus large de son époque. Haring, en effet, a cherché l’inspiration pour sa pratique artistique dans la culture populaire qui l’entourait, de la scène hip-hop de New York aux dessins animés de Disney, et s’est également engagé dans les principales questions sociales et politiques de son temps, comme l’épidémie de sida, l’apartheid sud-africain et la politique conservatrice américaine des années 1890.
Haring est né à Reading, en Pennsylvanie, en 1958. Il se met à la peinture et au dessin dès son plus jeune âge et déménage à New York en 1978 en quête d’inspiration artistique, après avoir abandonné une école d’art commerciale. À New York, il fréquente la School of Visual Arts, où il est exposé aux propositions avant-gardistes de la scène artistique dynamique de la ville. Il a d’abord expérimenté une variété de médias, produisant des pièces de performance et des environnements peints selon la technique de l’action painting. Une série de dessins datant de 1978-1979, comme Untitled (1978) et Untitled (1979), illustre l’intérêt précoce de Haring pour l’exploration de formes abstraites interagissant avec des marques vigoureuses et gestuelles dans un espace soigneusement délimité. Ces premières expériences mèneront à la création d’un style distinctif dominé par la linéarité, les motifs, les sujets facilement lisibles, une palette lumineuse et une liberté d’expression absolue. En 1980, il s’oriente également vers la figuration. Ses sujets les plus récurrents sont des figures humaines dansantes, des bébés qui rampent, des chiens qui aboient, des soucoupes volantes, des pyramides, des motifs de cœur et d’autres éléments familiers.
Les tendances artistiques du New York des années 1980 ont fourni à Haring un cadre vibrant pour l’élaboration de sa propre pratique artistique. Ses œuvres de Street art, qu’il a commencé à réaliser en 1982, comprennent des dessins à la craie blanche sur des feuilles de papier noir utilisées pour recouvrir de vieilles publicités et d’autres surfaces dans les stations de métro de New York. Il s’est également engagé activement dans le scénario politique de son époque. Ses cut-ups de 1980, ses collages de faux titres de journaux, ainsi que ses Subway Drawings (1982) commentaient et attaquaient ouvertement les politiques de Ronald Reagan et l’Église catholique. La vision artistique de Haring a également été influencée par la théorie de l’art de Jean Dubuffet et par le manifeste de Robert Henri, L’esprit de l’art (1923), qui prône la liberté créative et le droit à l’expression personnelle comme principaux moteurs de l’œuvre d’un artiste. Ces idées sont également évidentes dans l’engagement de toute une vie de Haring pour la création d’un art véritablement public qui était une expression directe et non médiatisée de ses propres sentiments, facilement compréhensible par le public.
Haring était un participant actif de la contre-culture new-yorkaise et s’est complètement immergé dans la musique et la scène de danse des DJ, du hip-hop et de la break dance. L’élément d’improvisation, le rythme pulsé et les mouvements du hip-hop ont particulièrement attiré Haring, qui a transcrit ces éléments directement dans ses compositions et ses figures. De nombreux sujets humains de Haring peuvent en fait être vus en train d’exécuter des mouvements spécifiques de hip-hop et de break dance, comme des pirouettes sur la tête, les « boogies électriques », qui impliquent que les danseurs se lèvent et bougent leurs mains et leurs corps à la manière d’un robot, et d’autres mouvements exécutés plus près du sol, impliquant des corps en poussée en équilibre sur une main. Certaines des œuvres qui illustrent le mieux le style et les thèmes de la production de Haring sont Free South Africa (1985) et Crack is Wack (1986). Ces œuvres sont dominées par des couleurs fluorescentes et des lignes noires et épaisses en forme de silhouettes. Haring entoure les contours de ses figures de marques épaisses et d’éclairs qui soulignent le mouvement des danseurs et leurs interactions physiques, qui se déroulent toujours sur un seul plan dans un espace complètement bidimensionnel. Ses personnages sont engagés dans des échanges et des gestes complexes, avec des membres pliés et imbriqués les uns dans les autres, formant des motifs angulaires qui rappellent également l’art de l’Égypte ancienne. Dans ces œuvres, les corps humains sont densément disposés dans des compositions rythmées, créant un effet visuel global de surface abstraite et hyper-décorée.
En 1982, l’artiste organise sa première exposition solo importante en galerie à la Tony Shafrazi Gallery de Soho et reçoit une invitation à participer à la Documenta, l’un des lieux les plus importants pour les artistes contemporains dans le monde. De 1984 à 1986, il acquiert une reconnaissance internationale et une attention critique croissantes. Au cours de ces années, il expose ses œuvres dans différentes galeries, dont la Leo Castelli Gallery de New York, la Robert Fraser Gallery de Londres et la Galerie Watari de Tokyo, et travaille sur une série de projets d’art public dans le monde entier, comme la réalisation d’une peinture murale à la National Gallery of Victoria de Melbourne (1984), la création de toiles de fond et de costumes pour des ballets contemporains, comme Secret Pastures (1984), et la conception d’un logo pour une campagne antipollution pour la ville de New York. Cette série de commandes extrêmement variées, souvent liées à des causes humanitaires auxquelles Haring tenait particulièrement, a contribué à établir son style comme iconique et reconnaissable. En 1986, il ouvre son propre Pop Shop à Manhattan, où il vend des marchandises et des articles décorés de ses images caractéristiques. La même année, le musée Checkpoint Charlie l’invite à peindre sur le mur de Berlin.
Le désir de créer de l’art dans le but d’enrichir la vie de différentes communautés a été au cœur de la vie et de la carrière de Haring jusqu’à quelques mois avant sa mort en 1990, qui a eu lieu à New York en raison de complications liées au sida. Nombre de ses œuvres, telles que Ignorance=Fear (1989) et Stop AIDS (1989), s’engagent activement dans l’épidémie de sida, cherchant à sensibiliser le public et à éliminer les stigmates liés à la maladie. Dans Safe Sex (1988), l’artiste encourage la prévention de la maladie en décrivant franchement et efficacement une scène d’amour homosexuel dans son style habituel de caricature et d’hypercoloration. Son œuvre finale a été la conception d’un timbre et d’une enveloppe commandés par la Word Federation of United Nations Associations pour illustrer l’engagement de l’association dans la lutte contre le sida. L’art public de Haring résonne encore puissamment dans la culture contemporaine, grâce à son style reconnaissable, à son étreinte unique des aspects les plus joyeux de l’expérience humaine et à son engagement intense dans les réalités politiques et sociales.
par Caterina Franciosi
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