Il pianoforte è stato centrale nello sviluppo della musica jazz, ma chi sono i migliori pianisti jazz di tutti i tempi? Ecco, o quelli che noi pensiamo siano, i più grandi pianisti jazz di sempre, ma ci siamo mai persi il tuo preferito? La lista è in ordine alfabetico.
- Sei dei migliori: cammei jazz nel pop
- Six of the Best… Jazz hit singles
- I 20 più grandi pianisti di tutti i tempi
- 25 più grandi sassofonisti jazz di tutti i tempi
Mose Allison (b.1927)
I compositori-cantanti non sono così comuni nel jazz. I vocalisti si sono solitamente concentrati nel rimodellare le ricchezze del grande songbook americano o del blues, richiamando l’attenzione sulle loro interpretazioni piuttosto che sulle qualità del materiale originale.
Questo è un motivo in più per lodare e premiare il talento distintivo dell’ottuagenario Mose Allison che, in una carriera che risale a oltre cinque decenni fa, ha prodotto un corpo di lavoro unico. Le canzoni di Allison sono inconfondibili – commenti ironici e bluesy sulla scena contemporanea che riescono ad essere di strada e satirici, di casa e alla moda. Se non lo hanno reso un nome familiare, gli hanno fatto guadagnare la devozione dei fan di tutto il mondo, e il rispetto e l’emulazione di un paio di generazioni di suoi colleghi cantanti, comprese le stelle del rock e del pop. Nato nelle campagne del Mississippi, ha assorbito il blues e il boogie-woogie fin dalla più tenera età, così come il pianoforte classico e le innovazioni del bop. Nel 1956 fece il salto a New York, dove trovò rapidamente lavoro come pianista con artisti del calibro di Stan Getz.
Ma ben presto cominciò a perseguire la sua vera vocazione di menestrello jazz, che ha continuato da allora, eseguendo le sue canzoni nel circuito internazionale dei club e dei festival e realizzando una serie di dischi. Uno spaccato irresistibile dei risultati appare nella compilation della Warner, Introducing Mose Allison. L’introduzione inizia con la primissima traccia, un successo di Allison intitolato “New Parchman”, in cui un detenuto in una fattoria della prigione del Sud dice: “Il posto è pieno di fascino rustico”. Il sentimento sardonico è puro Allison, così come il groove trainante, punteggiato da dissonanze pungenti e vorticose incursioni in nuove chiavi.
Ogni brano ha quel tipo di arguzia ed energia, aspetti dell’impulso centrale che, in uno dei miei pezzi preferiti, chiama la sua ‘Swingin’ Machine’ (‘It’s much more felt than seen.’) Sempre, la musa di Allison è alimentata direttamente dall’osservazione personale, come nel brano che ha scritto per rimproverare il pubblico rumoroso: La tua mente è in vacanza, ma la tua bocca fa gli straordinari”. C’è molto da assaporare qui da un vero originale, sopravvissuto e bardo del jazz.
Count Basie (1904-1984)
Il nome di Count Basie porta alla mente associazioni che potrebbero sembrare contraddittorie: uno stile pianistico notoriamente minimalista e la celebre big band che ha guidato per 50 anni. In realtà, i due erano complementi perfetti. La band di Basie prendeva molto del suo carattere dal modo sottile in cui l’attacco ellittico e conciso del conte incorniciava i suoi ottoni e sassofoni urlanti. Più crucialmente, il tocco di Basie dava il tono alla sezione ritmica della band; il leggero, insistente impulso che generava l’irresistibile corrente di swing che sollevava i solisti e l’ensemble ad altezze di eccitazione ispirata.
Quell’eccitazione raggiunse il grande momento a partire dal 1936, quando la banda di Basie venne ad est da Kansas City (KC). Il loro successo si basava su una semplice formula per creare in un ensemble la spontaneità e il fuoco del jazz in piccoli gruppi. La chiave era la formazione di grandi solisti della band, compresi i sassofonisti tenori Lester Young e Herschel Evans e i trombettisti Buck Clayton e Harry Edison. Le melodie originali, non complicate ma trascinanti, fornivano un punto di partenza per gli assoli sostenuti da riff che sembravano un’estensione aziendale degli assoli stessi. E alla base di tutto c’era Basie e il suo ritmo fluttuante e insinuante.
I risultati possono essere ascoltati in qualsiasi numero di dischi, incluso il famoso ‘One O’Clock Jump’ di Basie, una serie di cori solisti che si costruiscono fino a un climax ribollente. Ma quel suono unico dipendeva dalla forza dei suoi componenti. Quando le sue stelle se ne andarono, e l’era dello swing tramontò, Basie cambiò rotta. Mentre la band di Basie degli anni ’50 vantava musicisti di prim’ordine, enfatizzava la potenza, la precisione e gli arrangiamenti ben fatti. L’abile pianoforte del Conte produceva ancora un contagioso swing, ma molti fan del jazz sentivano che questa elegante unità era una creatura diversa dal gatto magro e cattivo di KC.
Ma quest’ultimo gruppo aveva alcuni successi accattivanti, tra cui “April in Paris”, con il tag “one more time” di Basie, e il languido arrangiamento di Neal Hefti, “Li’l Darlin'”. Entrambi sono presenti sul set di due CD della Avid (a sinistra). Ogni ensemble rappresentato rivela le cose meravigliose che accadevano quando, nelle parole di Billie Holiday, “Daddy Basie lo diteggiava un po’”.
Carla Bley (b.1936)
Anche se Carla Bley è stata proclamata “la regina dell’avanguardia”, è troppo uno spirito libero per essere definito da un’etichetta. Nata in California 70 anni fa a maggio, ha imparato il pianoforte dal padre direttore di coro e ha accompagnato le funzioni religiose fin da piccola, prima di abbandonare la chiesa e la scuola per concentrarsi sul pattinaggio a rotelle da competizione.
A 17 anni, il jazz catturò la sua attenzione e lei andò a New York, servendo ai tavoli di Birdland e assorbendo il fermento musicale. Nel 1959 sposò il pianista Paul Bley, che incoraggiò il suo talento per la composizione, e brani originali come ‘Sing Me Softly of the Blues’ divennero standard contemporanei. Come esecutrice, divenne nota nei circoli del free jazz per l’astrazione ad alta energia.
Ma la composizione rimase più vicina al suo cuore, come mezzo per realizzare il brulicante spettro di stili che le parlavano. I Beatles, Satie, l’hardcore rock, i ragas indiani, il blues e il gospel, il latino e il free – tutti reclamavano un posto nell’immaginazione musicale della Bley, unito a un perfido istinto di satira. E nel 1971, queste tendenze multiple convergono in The Escalator over the Hill, un’opera jazz che attira il plauso della critica, se non molte esecuzioni.
Bley diventa un appuntamento fisso sulla scena globale post-moderna, andando in tour con una serie di gruppi, dal duo alla big band, eseguendo nuovi pezzi originali e registrando sulla sua etichetta WATT. Il suo lavoro ha continuato ad evocare una vasta gamma di influenze (Bruckner è tra i suoi eroi) e la sua padronanza del genere big band è arguta e geniale, realizzata dal suo corpo regolare di musicisti virtuosi, tra cui suo marito, il bassista Steve Swallow, e il tenorista inglese Andy Sheppard.
Uno dei suoi progetti recenti è Looking for America. Abbozzando idee melodiche ha scoperto che frammenti di “The Star-Spangled Banner” continuavano a spuntare fuori. Un liberale americano turbato dall’Iraq, Bley era perplesso dal fatto che “il mio nuovo pezzo avesse un virus patriottico”, ma, tipicamente, ha continuato. Quello che ne è venuto fuori è un mix esilarante di Charles Ives e Charles Mingus, derisione e nobiltà, baldoria e boogaloo – tutto magnificamente suonato. Anche se Bley può essere andata a cercare l’America, ha finito, come sempre, per trovare se stessa.
Dave Brubeck (1920-2012)
Dave Brubeck è stato incredibilmente benconosciuto per la maggior parte della sua carriera. Il suo primo successo con il pubblico dei college – il quartetto Brubeck ha praticamente inventato il circuito dei campus – lo ha catapultato sulla copertina della rivista Time nel 1954. (La reazione del pianista fu di imbarazzo: pensava che Duke Ellington meritasse l’onore). Nel 1960 il suo status di star aumentò con l’album Time Out. La miscela di Brubeck di ritmi asimmetrici e melodie orecchiabili conquistò la fama internazionale, anche se il più grande successo del disco, la sinuosa ‘Take Five’, fu scritta dal sassofonista alto del quartetto Paul Desmond, con alcuni consigli strutturali del suo capo.
- Cinque dei migliori album del pianista jazz Dave Brubeck
Ma, come troppo spesso nel jazz, la celebrità popolare ispirò la condiscendenza della critica. Fu criticato per il suo approccio “accademico” – aveva studiato con Darius Milhaud – il suo uso di dispositivi classici come il contrappunto e la politonalità, il suo attacco di tastiera a volte fragoroso e la sua disinclinazione allo swing in modo convenzionale. I critici hanno condannato il suo lirismo con un debole elogio e lo hanno allontanato dalla tradizione del jazz.
Tuttavia, nel corso degli anni, mentre l’idea di una tradizione monolitica è diventata sospetta, Brubeck è stato visto come un talento notevole e originale. Lungi dall’essere una sorta di accademico rigido, ha ancora problemi a leggere la musica ed è uno dei pianisti più puramente intuitivi che il jazz abbia prodotto. Il suo stile si fonda completamente sull’impegno all’espressione musicale, alimentato dalla convinzione che, come disse una volta, “il jazz dovrebbe avere il diritto di correre grandi rischi” – anche andando oltre ciò che è stato considerato jazz. E, anche se ha appena compiuto 90 anni, Brubeck continua a fare tour, a comporre e a mostrare la sua voglia di fare musica che dura da sempre.
Una bella indagine è contenuta in The Essential Dave Brubeck, un set di due CD selezionati dal pianista, che vanno da un trio a ruota libera nel 1949 al recente quartetto. Particolarmente impressionante è la sua partnership con Paul Desmond, il cui spirito, lo swing e l’invenzione hanno fornito una lama lucida per l’ardore sperimentale di Brubeck. Il quartetto classico, con Desmond e il super batterista Joe Morello, è ben rappresentato, inclusi brani da Time Out e Time Further Out.
Chick Corea (1941-2021)
Acustico, elettrica, latina, libera – la carriera di Chick Corea sembra aver toccato tutte le basi della scena jazz odierna. Eppure questa varietà è saldamente centrata su alcuni principi costanti: la passione per la musica, il pianoforte e la performance. Erano una specie di diritto di nascita. Figlio di un musicista professionista, Corea è cresciuto circondato dalla musica. Le lezioni di pianoforte gli hanno instillato una tecnica ben fondata e l’amore per la tradizione classica. Allo stesso tempo, si appassionò al jazz, in particolare all’attacco hard bop del pianista Horace Silver.
L’educazione formale lo frustrò. Dopo alcune settimane prima alla Columbia University, poi alla Juilliard, dove era stato accettato per specializzarsi in pianoforte, se ne andò per dedicarsi al jazz. Lavorando con tutti i tipi di gruppi e assorbendo tutti i tipi di stili – con una particolare predilezione per gli infuocati ritmi latini – Corea si è costruito una reputazione come compositore e suonatore, confermata in album come Now He Sings, Now He Sobs, con il bassista Miroslav Vitous e il maestro batterista Roy Haynes.
- Chick Corea: la musica che mi ha cambiato
Nel 1968, la sua carriera fece un balzo con una chiamata da Miles Davis. L’incarico di Corea con Davis comprendeva l’epocale Bitches Brew, ma trovava l’ambiente elettronico troppo frammentato, privo di “romanticismo o dramma”. Cercò queste qualità nelle improvvisazioni soliste e con Circle, un trio in forma libera, poi successivamente formò il quintetto Return to Forever nel 1972. C’erano strumenti elettrici, un cantante e degli originali esuberanti come “La Fiesta”.
Ma ha ancora trovato il dramma nella musica acustica – duetti scintillanti con il virtuoso del vibrafono Gary Burton e il suo ricostituito trio con Miroslav Vitous e Roy Haynes. Negli ultimi 20 anni Corea ha seguito i suoi istinti in molteplici direzioni, andando in tour da solo e con i gruppi “Elektric” e “Akoustic”.
Corea una volta ha detto di aver cercato di combinare “la disciplina e la bellezza dei compositori classici con la qualità ritmica e danzante del jazz” – che è una descrizione appropriata delle registrazioni nella sua compilation personale ECM. Da Return to Forever, la gioiosa e lirica “La Fiesta”, agli straordinari trii con Vitous e Haynes, la loro appassionata creatività riporta alla mente le parole di William Blake: “L’energia è eterno piacere”.
Blossom Dearie 1926-2009
Quando Blossom Dearie morì i necrologi iniziarono dichiarando che quello era davvero il suo nome. Sembrava troppo bello per essere vero, l’immagine seducente si adattava così perfettamente al portamento da bambola che l’aveva resa una presenza unica sulla scena internazionale per oltre mezzo secolo.
Ma quella voce da ragazzina nascondeva un talento raro e determinato. Aveva fatto la gavetta nelle grandi band – compreso un periodo con il gruppo di canto di Woody Herman The Blue Flames – aveva lavorato come accompagnatrice e solista nei club, aveva guidato il suo trio al pianoforte. Trasferendosi a Parigi nel 1952, formò un ottetto vocale, The Blue Stars, che ottenne un successo internazionale con l’arrangiamento di Blossom di ‘Lullaby of Birdland’ (La légende du pays aux oiseaux). Tornata negli Stati Uniti, la sua carriera fiorì, attirando un gruppo di fan che assaporavano il suo stile distintivo nei jazz club e nei cabaret eleganti. Il territorio personale di Dearie era la frontiera del jazz-cabaret, un’abile miscela di delicato swing e spirito. Come i suoi colleghi musicisti ben sapevano, era una collezionista e conoscitrice di buone melodie, apprezzando testi e cambi di accordi intelligenti, che lei proiettava con sottigliezza, intuizione e umorismo.
Ma amava anche lo swing, e il suo facile e vivace senso del tempo affermava le sue credenziali jazzistiche. Questo mix contagioso rende la compilation Avid di quattro album degli anni ’50 una delizia. Include il suo viaggio gallico a Birdland con le Blue Stars, mentre un set con una sezione ritmica francese dimostra il suo lato pianistico. Ma Dearie entra in gioco nei brani che vedono la partecipazione di musicisti d’élite come il chitarrista Herb Ellis, il bassista Ray Brown e il batterista Jo Jones – standard classici eseguiti in modo superbo, con il suo istinto sicuro per le sfumature vocali completate da groove perfetti senza sforzo.
Questo aplomb spiega il seguito di culto di cui ha goduto negli anni. Non ha mai tardato a castigare il pubblico per la sua maleducazione, e alcune delle sue migliori canzoni hanno un morso satirico. Se riuscite a trovarlo, uno dei suoi dischi preferiti era il live Blossom Time at Ronnie Scott’s, che contiene ‘I’m Hip’, un ritratto di uno pseudonimo del jazz. Ma lei stessa era la vera, una musicista jazz fino al midollo. E, a dispetto delle apparenze, non era un fiorellino evanescente, ma tranquillamente d’acciaio e duratura.
Duke Ellington (1899-1974)
Siccome il jazz è solitamente celebrato come un’arte di improvvisatori, può sembrare paradossale che una delle sue figure principali fosse un compositore. Sebbene Duke Ellington fosse un notevole pianista, dichiarò: “La mia band è il mio strumento”, e per oltre mezzo secolo ne fece il mezzo di un corpo di lavoro senza pari.
Per Ellington, la composizione non fu mai un processo astratto, ma una risposta diretta a persone e situazioni. Una volta disse: “Vedo qualcosa e voglio fare un parallelo tonale”, e i titoli delle sue opere sono un catalogo di incidenti, incontri e atmosfere. Haunted Nights’, ‘The Mooche’, ‘Daybreak Express’, ‘Black, Brown and Beige’ – ogni pezzo di Ellington racchiude una vita in movimento, perseguita con spontaneità.
E i compagni di una vita di Ellington erano i membri della sua band – tra cui i ringhi a palla dei trombettisti Bubber Miley e Cootie Williams, la sensualità inarcata del contralto Johnny Hodges e la maestosità rimbombante del baritono di Harry Carney. Un insieme di virtuosi così individuale e a volte contrario come mai ha condiviso un palco, ha composto con questi suoni e personalità nella sua testa, scrivendo specificamente per loro. Ed essi fornirono la materia prima per la sua sorprendente originalità nell’armonia e nell’orchestrazione. Per molti, Ellington può essere stato conosciuto per successi popolari lussureggianti come “Sophisticated Lady”, ma i suoi colleghi hanno riconosciuto un risultato di un altro ordine. Come disse Miles Davis, “Un giorno tutti i musicisti jazz dovrebbero riunirsi in un posto e inginocchiarsi per ringraziare Duke.”
Molti critici pensano che il miglior periodo di Ellington fu il 1940-42, e The Blanton-Webster Band offre una cronaca completa di musica magnifica, una sequenza di capolavori di tre minuti che ancora abbagliano per la loro varietà, audacia e pura brillantezza creativa. Ma per una panoramica su un solo disco dell’esperienza ducale, provate una compilation che è stata collegata al documentario della BBC di Ken Burns del 2000 – Jazz: The Definitive Duke Ellington comprende capolavori dal 1927 al 1960, con le principali voci di Ellington e fornisce uno spaccato convincente di una realizzazione straordinaria.
Bill Evans (1929-1980)
Nel raffinato, mondo del jazz, Bill Evans sembrava un’anomalia. Con gli occhiali e senza pretese, aveva un’aria clericale che spinse un bandleader a soprannominarlo “il ministro”. Eppure al piano – la testa china sui tasti, gli occhi chiusi – era l’immagine dell’intensità, filando le linee luminose e ricercate che Miles Davis paragonava a un “fuoco tranquillo”.
È stato il suo periodo con il leggendario sestetto di Davis del 1958 a rendere Evans una star, in particolare il suo ruolo cruciale nell’album Kind of Blue, perennemente best-seller, registrato l’anno successivo. Davis riportò il pianista nella band per questo progetto, sapendo che il suo tocco sarebbe stato ideale per il suo lirismo aperto e modale.
In una serie di registrazioni fatte principalmente con i trii, lo stile unico di Evans gli fece guadagnare uno status di celebrità tutto suo. La sua purezza di suono e il suo genio per le armonie e i voicings gli hanno fatto guadagnare la reputazione di “Chopin del jazz”. In effetti, conosceva molto del repertorio classico: aveva eseguito il terzo concerto per pianoforte di Beethoven al college e si esercitava regolarmente con Bach.
Ma la sua devozione al jazz era primaria, così come la sua convinzione che la sua essenza fosse l’emozione. Sebbene avesse una visione rigorosa di ciò che chiamava “le discipline estremamente severe e uniche” del jazz, e disprezzasse l’abbandono selvaggio, considerava il sentimento come la “forza generatrice”. Questa qualità del sentimento informa le registrazioni del trio che fece dal vivo al Village Vanguard nel 1961. Il gruppo di Evans segnò una rivoluzione nel suonare in trio: il pianista incoraggiò il virtuoso bassista Scott LaFaro a non limitarsi a battere, ma a dialogare. La loro sottile interazione, con il batterista Paul Motian, illumina brani come il lilting ‘Waltz for Debby’ di Evans e la cupa ‘Jade Visions’ di LaFaro.
Anche se alcuni critici trovarono l’arte di Evans troppo rivolta verso l’interno, anche lui sapeva fare swing. Everybody Digs Bill Evans è un caso emblematico, con l’attacco brillante e tagliente del pianista supportato dal drive diretto del bassista Sam Jones e del batterista Philly Joe Jones. Ma il disco contiene anche ballate accattivanti e il classico solista di Evans “Peace Piece”. Derivato dalla Berceuse Op. 57 di Chopin, è una dimostrazione ipnotica del perché Bill Evans abbia influenzato ogni pianista jazz che lo ha seguito.
Erroll Garner (1921-1977)
Da quando Erroll Garner ha lasciato la scena più di 30 anni fa, nel 1977, è difficile far capire che fenomeno sia stato. Senza fare alcun tentativo cosciente di celebrità, il pianista elfico è diventato quella cosa rara: un musicista jazz che era anche un nome familiare. Ha attirato un pubblico enorme solo grazie all’improvvisazione esuberante, all’amore per le buone melodie e allo swing assolutamente contagioso.
Il suo talento di dare piacere musicale è apparso presto. Dall’età di dieci anni, nella sua nativa Pittsburgh, fu una star della radio, costruendosi una reputazione scoraggiante nei circoli jazz locali durante gli anni ’30. Quando un aspirante pianista di nome Art Blakey si scontrò con Garner in una jam session, decise che era meglio passare alla batteria. Nel 1944, Garner si trasferì a New York, impressionando i contemporanei con un’originalità che, nella sua arguzia, spinta e virtuosismo, richiamava giganti come Fats Waller e Earl Hines. Tuttavia il suo senso armonico argenteo e le sue linee tortuose e ricercate colpirono i giovani leoni del bebop. Infatti, alcuni critici definirono Garner un “discepolo” del principale luminare della tastiera del bop, Bud Powell. Ma in un conclave pianistico privato, Bud si nascose in cucina dopo che Garner aveva suonato, per evitare di seguirlo.
Finalmente, il giovane pianista suonò come nessun altro se non se stesso, e assunse uno status di primo piano, esibendosi con artisti del calibro di Charlie Parker. Ancora più sorprendentemente, divenne popolare presso il pubblico tradizionale, conquistando un devoto seguito di persona, sui dischi e in TV.
Quella qualità di puro piacere informa ogni momento del celebre Concert by the Sea di Erroll, registrato dal vivo in California con un trio nel 1955. Qui ci sono tutti i marchi di fabbrica di Garner – la sfrontata introduzione di “I Remember April”, che sfocia in una melodia leggera come una piuma, guidata dalla mano sinistra pulsante del pianista a quattro battute; i cambi di dinamica, le fioriture romantiche, le ottave asimmetriche che si immergono; le linee danzanti, influenzate dal blues, che si spingono in avanti verso un climax di accordi. E le ballate silenziose e ammalianti che evocano Debussy un minuto e Rachmaninov quello dopo.
Al di fuori della musica, tutto ciò che sentiamo sono gli occasionali raspi gutturali di Garner e la palpabile estasi del pubblico che, ancora oggi, sono sicuro condividerete.
Leggi qui le ultime recensioni di registrazioni jazz