Edward Hopper è ampiamente riconosciuto come il più importante pittore realista dell’America del ventesimo secolo. Ma la sua visione della realtà era selettiva e rifletteva il suo temperamento nei vuoti paesaggi urbani e nelle figure isolate che sceglieva di dipingere. La sua opera dimostra che il realismo non è semplicemente una copia letterale o fotografica di ciò che vediamo, ma una resa interpretativa.
Edward Hopper è nato nel 1882, a NY, in una famiglia della classe media. Dal 1900 al 1906 studia alla NY School of Art e, durante gli studi, passa dall’illustrazione alle opere d’arte. Dopo aver completato gli studi, lavorò come illustratore per un breve periodo di tempo; una volta terminata questa carriera, fece tre viaggi internazionali, che ebbero una grande influenza sul futuro del suo lavoro, e sul tipo di arte che avrebbe intrapreso nel corso della sua carriera. Fece tre viaggi in Europa tra il 1906 e il 1910. In retrospettiva, l’Europa significava per Edward Hopper la Francia, e più precisamente Parigi. Questa città, la sua architettura, la sua luce e la sua tradizione artistica, influenzarono in modo decisivo il suo sviluppo. uando arrivò nel 1906, Parigi era il centro artistico del mondo occidentale; nessun’altra città era così importante per lo sviluppo dell’arte moderna. Il movimento verso la pittura astratta era già in corso; il cubismo era iniziato. Lì, nel 1907, Picasso dipinse il suo leggendario Les Demoiselles d’Avignon. Hopper, tuttavia, più tardi sostenne che quando era a Parigi non aveva mai sentito parlare di Picasso, che sarebbe diventato così importante per lo sviluppo della letteratura moderna. Per Hopper, l’incontro con l’impressionismo fu decisivo. La luce di questi quadri e il trattamento tematico dell’architettura e della natura lo attirarono particolarmente e influenzarono tutta la sua opera. La sua reazione agli impressionisti si riflette direttamente nella sua arte. Ha dimenticato gli interni scuri, da Vecchio Maestro, dei suoi giorni da studente a New York, quando era influenzato principalmente dai grandi artisti europei – Johannes Vermeer, Caravaggio, Rembrandt e Diego Velazquez. L’influenza degli impressionisti, come Monet, Cezanne e Van Gogh si riflette direttamente nella sua arte. La sua tavolozza si illumina e comincia a dipingere con tratti leggeri e veloci. Anche nel 1962 poteva dire: “Penso di essere ancora un impressionista”.
Nel 1910 Hopper tornò negli Stati Uniti, per non lasciare più il Nord America. Durante gli anni 1910, Edward Hopper lottò molto per ottenere un riconoscimento per le opere che aveva creato. Durante questo periodo un certo numero di sue opere furono distribuite attraverso varie mostre ed esposizioni a New York, ma molto poco, se non nessuna attenzione, fu data ai suoi pezzi. La pittura ad olio era un punto focale del lavoro che aveva fatto, ma la maggior parte delle vendite che fece durante questo periodo, fu per le opere che aveva creato facendo lavori di incisione e murales.
All’età di 37 anni, Edward Hopper ricevette il suo primo invito aperto a fare una mostra personale, con alcune delle sue migliori opere d’arte. 16 pezzi del suo lavoro furono esposti al Whitney Club, e anche se nessuno dei pezzi fu venduto in questa mostra, la sua carriera prese una nuova direzione, fece conoscere le sue opere al grande pubblico e divenne un nome più noto nel tipo di lavoro e nelle forme d’arte su cui voleva concentrare la sua carriera, per le opere future che avrebbe creato.
Alcuni anni dopo, Edward Hopper scoprì che la sua carriera aveva preso una svolta positiva, e stava facendo bene nelle vendite e finanziariamente con le opere che aveva creato. Fu invitato a fare una seconda mostra personale, per presentare nuove opere, e per creare un’eco sul lavoro che aveva creato negli ultimi anni. La Frank KM Rehn Gallery di New York, dove si svolse questa seconda mostra, ricevette molta più attenzione e un pubblico molto più numeroso, sia per il luogo in cui si svolgeva la mostra, sia per il fatto che più persone erano ora a conoscenza delle opere che Edward Hopper aveva creato.
House by the Railroad, era un famoso dipinto creato dall’artista, che fu la prima opera ad essere acquisita per il Museo d’Arte Moderna, che era stato aperto solo di recente per la visione generale. Illuminazione fortemente definita, linee ben definite e punti di vista ritagliati, erano alcune delle caratteristiche che quest’opera d’arte catturava; e questo incarnava lo stile che Edward Hopper avrebbe usato in seguito nella sua carriera, e con le opere future che avrebbe prodotto nel corso della sua carriera d’artista.
Nel 1923, Edward Hopper sposò una compagna di studi che frequentava l’Accademia di New York dove aveva ricevuto la sua formazione, Josephine Nivision. Non solo lei posò per quasi la metà delle opere di figure femminili che lui creò durante la sua carriera, ma lo incoraggiò e lo spinse anche a impegnarsi in diverse forme d’arte durante la sua carriera. Lo spinse a lavorare con gli acquerelli, e tenne i registri di tutti i pezzi che disegnò, le mostre di cui faceva parte, e tutte le vendite dei pezzi che furono fatte, durante queste mostre in cui il suo lavoro fu presentato.
Nel 1933, Edward Hopper ricevette ulteriori elogi per le opere che aveva fatto, e per un pezzo che era in mostra al Museo di Arte Moderna. Il suo stile altamente identificabile, e gli stili di pittura maturi, erano alcune cose per cui era diventato noto in questo periodo. Gli splendidi paesaggi, le stanze tranquille e le stanze vuote che disegnò, e l’effetto transitorio che molte delle sue opere posero, crearono un senso di vita contemporanea e un nuovo stile, che molti nel mondo dell’arte riconobbero, e molti lo lodarono per questo stile distinto che aveva creato nelle sue forme d’arte.
Nell’opera più famosa di Edward Hopper, Nighthawks, ci sono quattro clienti e un cameriere, che sono in una tavola calda illuminata di notte. Era un’opera creata durante il tempo di guerra; e molti credono che la loro disconnessione con il cameriere, e con il mondo esterno, rappresentano i sentimenti di molti americani durante questo periodo, a causa della guerra. L’opera fu allestita nel 1942, nell’Art Institute di Chicago, e fu vista da molte persone mentre era esposta per una mostra.
La grande arte è l’espressione esteriore di una vita interiore dell’artista, e questa vita interiore risulterà nella sua personale visione del mondo”. – Edward Hopper
Tra gli anni ’30 e gli anni ’50, Edward Hopper e sua moglie trascorsero molto tempo, e la maggior parte delle loro estati, visitando Cape Cod, Massachusetts. In molte delle opere che Hopper ha creato durante questo periodo, molte delle scene, i luoghi comuni e le attrazioni vicine che hanno visitato, sono stati spesso visti nelle forme d’arte che ha creato durante la sua carriera. Iniziò anche a viaggiare più lontano, e visitò regioni dal Vermont fino a Charleston, per aggiungere nuovi punti di interesse alla sua collezione, e per ampliare le opere e i luoghi che avrebbe incluso in molte delle immagini che ha creato nel corso della sua carriera. iù tardi nella sua carriera, molte delle sue opere furono esposte in varie mostre, in particolare al Whitney Museum, che si trovava a New York City. Più tardi nella sua carriera, durante gli anni 40, fu un periodo in cui trovò il maggior successo commerciale. Ma, poco dopo, e anche durante questo periodo, cominciò a perdere i favori della critica. Questo era dovuto alle nuove forme d’arte e al fatto che le opere astratte stavano iniziando ad entrare nel mondo dell’arte, il che prese il sopravvento sul suo lavoro, così come su quello di molti artisti famosi prima di lui.
I temi delle tensioni tra gli individui e il conflitto tra tradizione e progresso in ambienti sia rurali che urbani, sono motivi a cui Edward Hopper ritorna sempre, come gli artisti sono sempre tornati ai loro temi preferiti – Van Gogh i suoi Girasoli, e Monet le sue Ninfee. Le sue scelte di soggetto – in particolare i luoghi che dipingeva – sembrano essere state in qualche modo imprevedibili, poiché facevano parte della sua costante battaglia contro la noia cronica che spesso soffocava la sua voglia di dipingere. Questo è ciò che manteneva Hopper in movimento – la sua ricerca di ispirazione, almeno dolorosamente trovata nella stimolazione di nuovi ambienti. Oggi, molti storici dell’arte considerano Edward Hopper come il più importante impressionista americano, insieme a Winslow Homer del XIX secolo.
Negli anni ’40 e ’50, Hopper si trovò a perdere il favore della critica sulla scia dell’Espressionismo astratto. Tra il nuovo movimento artistico d’avanguardia emerso nei primi anni ’40, artisti come Willem de Kooning, Jackson Pollock e Mark Rothko avanzarono audaci invenzioni formali alla ricerca di contenuti significativi. Allontanandosi dalle convenzioni accettate sia nella tecnica che nel soggetto, questi artisti realizzarono opere di dimensioni monumentali che si ergevano come riflessi della loro psiche individuale e cercavano di attingere a fonti interiori universali. Ma Hopper continua a dipingere il sentimento familiare alla maggior parte degli esseri umani – il triste incorporato nell’esistenza, nella nostra intima conoscenza della solitudine del sé. Sebbene il XX secolo sia stato il periodo d’oro di Sigmund Freud e della psicoanalisi freudiana, se mai Hopper ha sentito che la sua psiche era distorta, non ha voluto correggerla, perché l’arte veniva da ciò che l’artista era in ogni modo. Non voleva manomettere il suo subconscio né la sua personale visione del mondo. Insieme a Georgia O’Keeffe, Edward Hopper detiene uno status eccezionale come due delle figure più importanti dell’arte americana del primo Novecento. A Hopper non è mai mancato il fascino popolare, tuttavia, e al momento della sua morte nel 1967, Hopper era stato reclamato come una grande influenza da una nuova generazione di artisti realisti americani.