Quando i Rush emersero con il loro album di debutto nel 1974, molti li consideravano niente più che cloni dei Led Zeppelin. Infatti, quando il direttore musicale e DJ Donna Halper e il suo team fecero cadere l’ago su Working Man sulla stazione radio WMMS di Cleveland, il centralino della stazione fu inondato di chiamate che chiedevano se questo fosse un nuovo brano di Plant, Page, Jones e Bonham.
Ora, più di 40 anni dopo e dopo 19 album in studio, 11 dischi live e una carriera acclamata che ha visto la band inserita nella Rock And Roll Hall Of Fame nel 2013, è più difficile giudicare cosa sia più improbabile: (a) che siano durati così a lungo o (b) che lo abbiano fatto grazie all’assunzione del batterista/liricista Neil Peart per sostituire John Rutsey.
I quattro decenni di carriera dei Rush sono un enigma avvolto in un mistero, all’interno di quell’enigma che era il famoso Peart, sfuggente ai fan e tristemente scomparso. Eppure i Rush erano una band di tre pezzi uguali, e un’attenzione simile è attesa da tempo per il cantante e bassista Geddy Lee e il chitarrista Alex Lifeson.
Anche se spesso deriso per la sua scelta occasionale di cantare in registro alto, Lee ha una bella voce folcloristica; non è neanche un pivello al synth. Inoltre, come dimostra il suo eccellente album solista My Favorite Headache (2000), gran parte della spesso trascurata padronanza della melodia dei Rush è dovuta a lui. E tutto questo prima del miglior suono di basso che troverete da questa parte di Jack Bruce. Anche Lifeson è un musicista sottovalutato, e merita di essere classificato insieme a David Gilmour per il suo fluido assolo, e a Jimmy Page per i riff d’altro mondo.
Le qualità di Lee e Lifeson aggiunte al prodigioso talento di Peart per i ritmi che di solito si trovano al di fuori della sfera del rock hanno ispirato un’ambizione collettiva di migliorare ed espandere le loro abilità, e di fare musica che è sempre in evoluzione, mai sicura.
I primi 25 anni dei Rush possono essere visti in tre cicli (non pianificati), ognuno composto da quattro album in studio e poi un doppio set dal vivo che sembrava annunciare un cambio di direzione. Dal 1974-76 hanno suonato come bastardi mentre spacciavano spade, stregoneria e fantascienza – spesso in epopee di lunga durata. Dal 1977-81 entrarono in un periodo viola quando scoprirono i pedali di basso synth, le tastiere e le canzoni che duravano meno di 10 minuti. Il terzo ciclo, 1982-89, iniziò con più dello stesso, ma è caratterizzato da un’inclinazione inizialmente inquietante per i ritmi in stile reggae. Hanno anche abbracciato pienamente la moda degli anni ’80 per l’elettronica.
Dopo il terzo doppio album dal vivo, i cicli finirono e la produzione in studio divenne sporadica – solo sei album, una serie di cover, e altri due live set per buona misura. Nel corso di questi si sono costantemente spogliati degli orpelli e sono tornati alle basi. Per quelli di noi che sono cresciuti con i Rush, i loro ultimi album sono amici che abbiamo scelto, ma quelli più vecchi sono come membri della famiglia. Alcuni sono più difficili da amare, ma rimaniamo fedeli a tutti. Ecco, quindi, alcune delle scelte più difficili che abbia mai dovuto fare…
Moving Pictures (Mercury, 1981)
L’album di riferimento per i Rush – e suona fresco oggi come quando, dopo cinque mesi di lavoro spesso irto, la band si sedette in un playback ai Le Studios di Quebec e dichiarò che era finito.
Il primo lato del vinile originale con Tom Sawyer, Red Barchetta, la strumentale YYZ e Limelight era perfetto. Capovolgendolo, abbiamo ascoltato i Rush appena maturati – ognuno dei quali aveva 27 o 28 anni all’epoca – che tengono a freno l’epica The Camera Eye (ispirata a John Dos Passos) per 11 minuti esaltanti, ci terrorizzano con Witch Hunt, poi fanno correre i nostri impulsi techno con Vital Signs.
Rush al massimo della forma.View Deal
2112 (Mercury, 1976)
I Rush hanno fatto epopee prima di 2112 (con successo con i nove minuti di By-Tor And The Snow Dog sul loro secondo album Fly By Night, e con The Fountain Of Lamneth sul follow-up Caress Of Steel), ma con la title track di 2112 hanno fatto centro. Sono quasi 21 minuti di brillantezza che percorrono tutta la gamma musicale, dal picking acustico (quando l’eroe scopre l'”antico miracolo” di una sei corde) alla furia metal elettrica (i sacerdoti dei Templi di Syrinx la distruggono, portandolo al suicidio mentre infuria una battaglia apocalittica).
È un album disomogeneo, e la seconda metà impallidisce al confronto, ma anche le canzoni A Passage to Bangkok e Something For Nothing, a tema droga, sono pezzi da urlo.View Deal
Permanent Waves (Mercury, 1980)
Il fratello minore di Moving Pictures, e dove Lee ha esplorato per la prima volta in modo adeguato gamme vocali che non spaventassero i cani. A causa del suo inaspettato singolo di successo The Spirit Of Radio, questo è forse l’unico album dei Rush comprato dai non-fan – molti di loro senza dubbio attratti dal break reggae in stile Police in quel brano. Per il resto di noi, Free Will e la cupa Jacob’s Ladder ci hanno ricordato i vecchi Rush di Ayn Rand e della fantascienza. Poi un paio di belle canzoni d’amore – Entre Nous e Different Strings – hanno accennato ad un futuro più romantico. Ma piuttosto che diventare sdolcinato, l’album si chiude con un pezzo in tre parti, Natural Science, che è sia grande che intelligente.View Deal
A Farewell To Kings (Mercury, 1977)
Ground zero per la band che i Rush diventarono. Gli stilemi del power-trio furono eclissati mentre Peart aggiungeva una pletora di campane e percussioni alla sua batteria, Lee e Lifeson usavano synth a pedale e il cantante si occupava anche di un Minimoog.
Registrato in Galles, segnò l’inizio del legame tra la Gran Bretagna e il trio canadese. Gran parte di esso aveva un’atmosfera quasi medievale, con racconti di antichi tiranni (la title track) e vagabondi (Closer To The Heart, Cinderella Man e Madrigal), ma era dominato da più lunghe riprese del poema Kubla Khan di Coleridge (Xanadu) e un volo spaziale in un buco nero (Cygnus X-1).View Deal
Hemispheres (Mercury, 1978)
In Hemispheres Peart, messo all’angolo dalla sua promessa di continuare la storia di Cygnus X-1, ha ideato la title track di 18 minuti basata sulla filosofia classica e sulla battaglia intellettuale tra cuore e mente, romanticismo e intelletto, ragione ed emozione. Davvero pazzesco, ma ci piaceva.
Per i Rush, però, fu un punto di svolta. Basta con i numeri lunghi! Per dare un po’ di sollievo aggiunsero un paio di indicatori di un futuro più semplice – Circumstances e la chitarra acustica di The Trees (che alcuni ritengono essere un commento al movimento separatista canadese) più lo stupefacente strumentale techno-rock La Villa Strangiato.View Deal
Signals (Mercury, 1982)
Dopo il live Exit… Stage Left, Dirk, Lerxst e Pratt (alias Lee, Lifeson e Peart) hanno semplicemente ripreso da Moving Pictures e aggiunto altre tastiere. Molto di più. Subdivisions e The Analog Kid ne sono inondati, ma mai annegati.
Cambiamenti più radicali al paesaggio sonoro dei Rush, però, sono in evidenza su Chemistry e Digital Man, entrambi i quali esplorano ulteriormente il techno-reggae in stile Police (questo un anno intero prima di Synchronicity dei Police), e The Weapon, costruito su un modello di batteria da musica dance. Poi, dopo un brillante assolo del violinista elettrico Ben Mink su Losing It, i Rush raggiungono le stelle con Countdown, basata sulla visione del lancio di uno shuttle come ospiti VIP della NASA.View Deal
Power Windows (Vertigo, 1985)
I fan più anziani possono scartare gli album degli anni ’80 dei Rush perché mancano della drammaticità dei loro predecessori degli anni ’70, ma l’esecuzione è indubbiamente più serrata e gli arrangiamenti più concisi. Grace Under Pressure (1984) era molto buono, ma minato dal fatto che Lifeson suonava anche i sintetizzatori; Power Windows è più puro perché si attiene a ciò che sa fare meglio.
Ogni canzone è uno sforzo di gruppo, naturalmente, ma è impossibile non nominarlo come la star di The Big Money. Allo stesso modo, Manhattan Project sembra la vetrina di Peart e Marathon Lee. Poi si riuniscono tutti insieme in Middletown Dreams e nel favoloso sparso e ipnotico Mystic Rhythms.View Deal
Roll The Bones (Atlantic, 1991)
I Rush avevano una nuova etichetta per Presto del 1989, e sono anche passati a Rupert Hine, produttore di Howard Jones e Tina Turner. Questa improbabile combinazione ha funzionato meglio in questa seconda collaborazione, come a provare la teoria che i Rush danno il meglio di sé in studio quando il titolo dell’album finisce in una ‘S’.
Come un vecchio amico che esce dalla nebbia, Roll The Bones emerge più nitido e brillante. I sintetizzatori scivolano sullo sfondo, la band e i testi si fanno avanti; grandi ritornelli danno forza a Dreamline, Bravado e Ghost Of A Chance, mentre The Big Wheel è così spoglia che ha un’aria quasi anni ’60. Geddy Lee se la cava persino con sezioni rap nella title track e in You Bet Your Life. L’album ha anche una bella copertina.View Deal
Snakes And Arrows (Atlantic, 2007)
Trova i nuovi Rush, buoni come i vecchi Rush. La band ha citato il co-produttore Nick Raskulinecz per aver reso il processo di registrazione più piacevole di qualsiasi altro a memoria – e si vede. I sintetizzatori sono scomparsi (solo un Mellotron, usato in modo scarso), e Far Cry, Working Them Angels e Spindrift suonano come hai desiderato che i Rush facessero per anni. È brillantemente ritmato e sequenziato, mescolando ritornelli irresistibili (The Larger Bowl, The Way The Wind Blows) con brillantezza strumentale (The Main Monkey Business) e chitarra che riempie l’arena, e quando il riff di Armor And Sword inizia siamo di nuovo nella terra di Moving Pictures – è così buono!View Deal
Clockwork Angels (Roadrunner Records, 2012)
Quando Clockwork Angels è uscito nel 2012, pochi sospettavano che si sarebbe rivelato l’album finale della band. Ma che album per chiudere una carriera davvero notevole. Il concept album era costellato da alcuni classici freddi come la doppietta di Caravan e BU2B, mentre l’impennata della title track si snoda nei suoi 7 minuti e 30 secondi di durata.
Tuttavia, è la chiusura dell’album The Garden che risuona maggiormente. Archi che fanno tremare la spina dorsale e una sottile linea di basso di Lee aprono il brano, prima che Lifeson entri in scena con un’esplosione acustica. Il testo tratta del nostro inevitabile viaggio verso la morte – un testo che è ancora più toccante dopo la prematura scomparsa di Peart nel gennaio di quest’anno. Una menzione speciale va anche al magnifico assolo di Lifeson sul brano, che fa venire la pelle d’oca ogni volta.View Deal
Questo articolo è apparso originariamente su Classic Rock #115.
Hugh Syme, storico direttore artistico dei Rush, sceglie le sue copertine preferite dei Rush.
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