Keith Haring è uno dei membri chiave di un gruppo di artisti d’avanguardia di New York che hanno contribuito a ridefinire i confini dell’arte moderna negli anni ’80. Il suo lavoro corre parallelo a quello di Jean-Michel Basquiat, Kenny Scharf, e altri artisti degli anni ’80 e si impegna con una varietà di media e tecniche, come il disegno, la pittura, la body art, i graffiti. Haring ha prodotto opere pubbliche monumentali che hanno contribuito a portare il riconoscimento alla Street art e al suo ingresso nei musei.
Lo stile caratteristico di Haring si basa su forme astratte e stilizzate lavorate in figure umane ad incastro e modelli strettamente disposti. Ha usato pochi colori di base in tonalità iper-sature, applicati come aree piatte di vernice e modellati in sagome spesse. Ha dato alle sue opere una qualità distintamente grafica e cartoonesca e ha fatto affidamento su motivi ripetitivi per creare un commento visivo sia delle sue esperienze private che della più ampia cultura del suo tempo. Haring, infatti, cercava ispirazione per la sua pratica artistica nella cultura popolare che lo circondava, dalla scena hip-hop di New York ai cartoni animati della Disney, e si impegnava anche con le principali questioni sociali e politiche del suo tempo, come l’epidemia di AIDS, l’apartheid sudafricana e la politica conservatrice americana del 1890.
Haring è nato a Reading, Pennsylvania nel 1958. Ha iniziato a dipingere e disegnare in tenera età e si è trasferito a New York nel 1978 in cerca di ispirazione artistica, dopo aver abbandonato una scuola d’arte commerciale. A New York, ha frequentato la School of Visual Arts, dove è stato esposto alle proposte d’avanguardia della vibrante scena artistica della città. All’inizio ha sperimentato una varietà di media, producendo pezzi di performance e ambienti dipinti con la tecnica dell’action painting. Una serie di disegni del 1978-1979, come Untitled (1978) e Untitled (1979) esemplifica il precoce interesse di Haring nell’esplorazione di forme astratte che interagiscono con segni vigorosi e gestuali all’interno di uno spazio accuratamente delimitato. Questi primi esperimenti porteranno alla creazione di uno stile distintivo dominato da linearità, modelli, soggetti facilmente leggibili, una tavolozza luminosa e un’assoluta libertà di espressione. Nel 1980 si orienta anche verso la figurazione. I suoi soggetti più ricorrenti includono figure umane danzanti, bambini che strisciano, cani che abbaiano, dischi volanti, piramidi, motivi di cuori e altri elementi familiari.
Le tendenze artistiche di New York negli anni ’80 fornirono a Haring un quadro vibrante per l’elaborazione della propria pratica artistica. Le sue opere di Street art, che ha iniziato a realizzare nel 1982, includono disegni a gesso bianco su fogli di carta nera usati per coprire vecchie pubblicità e altre superfici nelle stazioni della metropolitana di New York. Si è anche impegnato attivamente con lo scenario politico del suo tempo. I suoi cut-up del 1980, collage di falsi titoli di giornale, così come i suoi Subway Drawings (1982) commentavano e attaccavano apertamente la politica di Ronald Reagan e la Chiesa cattolica. La visione artistica di Haring fu anche influenzata dalla teoria dell’arte di Jean Dubuffet e dal manifesto The Art Spirit (1923) di Robert Henri, che sosteneva la libertà creativa e il diritto all’auto-espressione come principali forze motrici nel lavoro di un artista. Queste idee sono anche evidenti nell’impegno di tutta la vita di Haring per la creazione di un’arte veramente pubblica che fosse un’espressione diretta e non mediata dei propri sentimenti, facilmente comprensibile dal pubblico.
Haring fu un partecipante attivo nella controcultura di New York e si immerse completamente nella scena musicale e della danza dei DJ, dell’hip-hop e della break dance. L’elemento dell’improvvisazione, il ritmo pulsante e i movimenti dell’hip-hop attraevano particolarmente Haring, che trascriveva questi elementi direttamente nelle sue composizioni e figure. Molti dei soggetti umani di Haring possono infatti essere visti mentre eseguono specifiche mosse di hip-hop e break-dance, come le rotazioni della testa, i cosiddetti “electric boogies”, che comportano che i ballerini si alzino e muovano le mani e i corpi in modo robotico, e altre mosse eseguite più vicino al pavimento, che coinvolgono corpi in spinta in equilibrio su una mano. Alcune delle opere che meglio esemplificano lo stile e i temi della produzione di Haring sono Free South Africa (1985) e Crack is Wack (1986). Colori fluorescenti e linee spesse e nere modellate in silhouette dominano queste opere. Haring circonda i contorni delle sue figure con spessi segni e fulmini che enfatizzano il movimento dei ballerini e le loro interazioni fisiche, che avvengono sempre su un unico piano in uno spazio completamente bidimensionale. Le sue figure sono impegnate in scambi e gesti intricati, con arti piegati e intrecciati modellati in modelli angolari che ricordano anche l’arte dell’antico Egitto. In queste opere, i corpi umani sono densamente disposti in composizioni ritmiche, creando un effetto visivo complessivo di superficie astratta e iper-decorata.
Nel 1982, l’artista tiene la sua prima importante mostra personale alla Tony Shafrazi Gallery di Soho e riceve l’invito a partecipare a Documenta, una delle più importanti sedi per artisti contemporanei nel mondo. Dal 1984 al 1986, ottiene un crescente riconoscimento internazionale e l’attenzione della critica. Durante questi anni, espone le sue opere in diverse gallerie, tra cui la Leo Castelli Gallery di New York, la Robert Fraser Gallery di Londra e la Galerie Watari di Tokyo, e lavora a una serie di progetti di arte pubblica in tutto il mondo, come dipingere un murale alla Melbourne National Gallery of Victoria (1984), creare fondali e costumi per balletti contemporanei, come Secret Pastures (1984), e disegnare un logo per una campagna anti-littering per la città di New York. Questa serie estremamente varia di commissioni, spesso legate a cause umanitarie che Haring aveva particolarmente a cuore, contribuì a rendere il suo stile iconico e riconoscibile. Nel 1986 aprì il suo Pop Shop a Manhattan, vendendo merce e oggetti decorati con le sue caratteristiche immagini. Nello stesso anno, il Checkpoint Charlie Museum lo invitò a dipingere sul muro di Berlino.
Il desiderio di creare arte con lo scopo di arricchire la vita delle diverse comunità fu centrale nella vita e nella carriera di Haring fino a pochi mesi prima della sua morte nel 1990, avvenuta a New York per complicazioni legate all’AIDS. Molte delle sue opere, come Ignorance=Fear (1989) e Stop AIDS (1989), si impegnarono attivamente con l’epidemia di AIDS, cercando di aumentare la consapevolezza ed eliminare lo stigma legato alla malattia. In Safe Sex (1988), l’artista ha promosso la prevenzione della malattia rappresentando candidamente ed efficacemente una scena d’amore omosessuale nel suo solito stile fumettistico e ipercolorato. Il suo ultimo lavoro fu il disegno di un francobollo e di una busta commissionati dalla Word Federation of United Nations Associations per illustrare l’impegno dell’associazione nella lotta contro l’AIDS. L’arte pubblica di Haring risuona ancora con forza nella cultura contemporanea, grazie al suo stile riconoscibile, all’abbraccio unico degli aspetti più gioiosi dell’esperienza umana e all’intenso impegno con le realtà politiche e sociali.
di Caterina Franciosi
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