ライブアルバムの史上最高のタイトル？ それは簡単です。 Ted Nugent’s Intensities In 10 Citiesです。 史上最高のライブアルバム？
長年にわたり、特に70年代と80年代には、非常に多くの素晴らしいライブアルバムが作られてきました。
キッスやチープ・トリックのように、ライブ・アルバムがきっかけで大ブレイクしたバンドもあります。
KissやCheap Trickのように、ライブアルバムがきっかけで大ブレイクしたバンドもあれば、ピーター・フランプトンのように、ライブアルバムが最大の売り上げを記録し、彼のキャリア全体を決定づけたアーティストもいます。
最高のライブアルバムとは、タイミングの問題なのです。バンドのキャリアの中で決定的な瞬間、つまり多くの人にとって、真の偉大なバンドとして成長した瞬間を表しています。 そしてそれは、音楽、パフォーマンス、そしてその場でバンドと観客の間に生まれる雰囲気と同様に、魔法の一部なのです。
それでは、ここにご紹介します。 The 50 Best Live Albums Ever.
Ramones – It’s Alive
究極のパンク・ライブ・アルバム？ これを超えるものはあまり考えられません。 曲と曲の間にバンドがほとんど息をしていない状態で、ロンドンのレインボー・シアターのサウンドは、オールスターの居心地の良いジャムの舞台となることが多いのですが、世界最速のセットリストによって服従するように叩きのめされています。 1時間で28曲ですからね。
「Blitzkrieg Bop」ほど素晴らしいものはありません。 ベースのDee Dee Ramoneが叫ぶ「1-2-3-4」はそれ自体がアンセムのようなものですが、「Hey Ho! Let’s Go!”(ベイ・シティ・ローラーズにインスパイアされたらしい)というチャントは、古典的なラモーンズと同様に、単純化された天才的な作品だ。
30年経った今でも、その汗は臭くありません。
Various: Woodstock: Music From the Original Soundtrack and More
2019年には、オリジナルのウッドストック・フェスティバルの50周年を記念して、未発表の267曲を収録したオリジナル・サウンドトラックの38枚組432トラックの拡張ボックスセット版がリリースされました。
やりすぎの感は否めませんが、それでも発売されたということは、初版の文化的な意義が長く続いてきたことの証でもあります。 ライヴ・アルバムが一瞬を切り取るものだとすれば、『ウッドストック。 Music From the Original Soundtrack and More』は、「茶色い酸」のステージアナウンスから、ジミ・ヘンドリックスが歌う星条旗のチャージバージョンまで、見事に成功しています。
他の出演者も同様に豪華です。 ザ・フー、ジョー・コッカー、クロスビー・スティルス・ナッシュ、サンタナ、ジェファーソン・エアプレイン、キャンド・ヒート、スライ、ザ・ファミリー・ストーンなどのほか、テン・イヤーズ・アフターのパフォーマンスは彼らのキャリア全体を決定づけるものとなりました。 そして、表紙のカップルは？
Grand Funk Railroad – Live Album
このアルバムを作ったバンドが「パワー・トリオ」という言葉に新しい意味を与えたように、『Live Album』は現在私たちが知っているストーナー・ロックのすべての雛形を作ったのです。 ダイレクト・レコーディング」として販売されたこのアルバムは、オーバーダブもリミックスもなく、シートメタルの塊以外の何物でもない、まさに「リアル」を追求したものでした（アトランタ国際ポップフェスティバルで撮影されたバンドの写真を使用したスリーブデザイナーに、そこでの録音がないにもかかわらず、誰も教えようとしなかったのは残念です）。
70年代の最も熱狂的なGrand Funk Railroadファンでさえ、彼らの2インチ厚のスタジオアルバムを1枚以上所有する必要がないことに同意していたでしょうし、床に寝転がってステレオヘッドフォンでレコードを聴きながらファンクを掘っていたわけではありません。 彼らが住んでいる場所、つまり路上で掘ったのだ。 だからこそ、4枚目のアルバムである本作のリリースには、とてつもない正義感があったのです。
批評家たちは、彼らを骨抜きにされたプロト・メタルの商人と見なしましたが、シンガー・ギタリストのマーク・ファーナーは、クソも四分の一も受け取らない獰猛なパート・チェロキーのフロントマンで、グランド・ファンク・レイルロードは、オール・アメリカン・ロッカーであることの意味を体現する存在となり、『ライブ・アルバム』の成功は、批評家たちが言ったことが全く重要ではないということを反証するものとなりました。
Hawkwind – Space Ritual
Hawkwindの創造性の頂点です。 ファンタジー作家マイケル・ムアコックの「永遠のチャンピオン」をコンセプトにしたこのアルバムで、彼らは密接に協力し合い、名作と呼ぶにふさわしい工夫を凝らしています。
どの曲も自己完結していますが、全体の流れの中では、まさにスペース・ロック・オペラとなっています。 オープニング曲の Assault & Battery (Part 1)では、19世紀の詩人 Percy Shelley と Henry Wadsworth Longfellow に敬意を表し、Moorcock 自身も3つの詩を提供し、そのうち2つの詩にはナレーションがついています。
「バンドがやりがちなのは、できるだけスタジオ・アルバムに近づけるために音をきれいにすることです」と作家のイアン・ランキン氏は語っています。 “しかし、『スペース・リチュアル』は違います。 グランジなライヴ・サウンドで、うまくいかないことがたくさんありました。 これは、私がその場にいるかのように感じさせてくれた最初の作品でした。 Bootleg
アメリカの独立記念日である7月4日、エアロスミスは10万人収容のダラス・コットンボールで開催された「Texxas World Music Festival」でトップバッターを務め、テッド・ニュージェントとハートをサポートアクトに、ジャーニーとエディ・マネーが参加しました。
また、「Dr. J. Jones And The Interns」の名で、地味なクラブ・ショーを数回行い、ジャック・ダグラスが録音して10月27日に発売されたライブ・アルバムに収録されました。 彼らはそれを「Live! Bootleg』と名付けられたこのアルバムは、ピーター・フランプトンの甘いサウンドの大ヒット作『Frampton Comes Alive！』に対するアンチテーゼを意図的に表現したものでした。
「僕はあのレコードが大好きなんだ」とスラッシュは話してくれました。 “
「俺はあのレコードが大好きなんだ」とスラッシュは語ります。「俺にとっては、史上最高のライブ・ロックンロール・アルバムだよ。 驚くべきことだよ。 Live!
「当時のライブ盤の素晴らしいところは、そのバンドの他のレコードを持っていなくても、1枚のアルバムで彼らの曲の良い部分をすべて見ることができたことです」と放送作家のEddie Trunk氏は言います。 “私は『Live! Bootleg』を手に入れて、ポスターを壁に貼ったことを覚えていますが、今日に至るまで、信じられないほど過小評価されているライブレコードだと思います。 今日に至るまで、信じられないほど過小評価されているライブ盤だと思っていますし、実際に真のライブ盤です。
Alice In Chains – Unplugged
Alice in Chains Unpluggedは、ボーカルのLayne Staleyの最後から2番目のパフォーマンスとなりました。
このパフォーマンスは、ロック界で最もカリスマ的で謎めいたフロントマンが、グラム・ロックを愛するメタル・スターからボロボロのジャンキーになるまでの悲劇的な転落を描いたものです。
しかし、AICのダウンチューニングされたスラッジなヘビーメタルは、アコースティックなフォーマットに適しています。 この小さな、しかし痛烈な変化が、アルバム全体に悲劇的で心を痛めるような深みを与えているのです。
Jethro Tull – Bursting Out
『Heavy Horses』をリリースした直後の78年4月、ジェスロ・タルはイギリスとヨーロッパでツアーを行いました。 その結果、10月にリリースされた『Bursting Out』は、フォークの気まぐれさからロックのクランチまで、タルのすべてを網羅したトラックリストを持ち、バンドのキャリアをきちんと概観できる、バンドの絶好調を示すライブ・ダブル・アルバムだった。
「間違いなく、純粋なプロフェッショナリズムという点では、ジェスロ・タルは他の追随を許さない」と悪名高いレスター・バングスは書いていますが、彼はおそらく、野生の目をしたフルート奏者が率いるランカスターのフォーク・ロック・グループの魅力に惹かれた最後のジャーナリストだと思います。
「彼らは、音楽、音量、衣装、芝居、派手なソロ、長いセット、2回のアンコールなど、子供たちが喜んでお金を払って見に行くようなものをすべて盛り込んだ、本格的なショーを提供することを怠らないことで際立っている」と続けました。
Scorpions – World Wide Live
1978年の『Tokyo Tapes』が筋金入りのファンのお気に入りかもしれませんが、1985年の『World Wide Live』は、ウリ・ジョン・ロス時代の花形的な遠出をロックの偉大なゴミ箱に入れてしまった、商業的なピーク時のスコーピオンズを捉えています。 その代わりに、パフォーマンスは容赦なく張りつめ、冷酷に行われました。
ギタリストのルドルフ・シェンカーは、「ここでの演奏はどれも殺人的だ」と語りました。 “
「ここでの演奏はどれも殺人的だ」とギタリストのルドルフ・シェンカーが話してくれました。
「長い仕事でしたが、それだけの価値がありました。 これは、大規模な会場でヘッドライナーを務めていた当時の私たちにとって、すべてがいかにエキサイティングだったかを表しています」。
Humble Pie – Performance Rockin’ The Fillmore
スタジオでの演奏でも十分に素晴らしいものでしたが、ライブでの演奏こそがハンブル・パイの真骨頂でした。 1971年5月にニューヨークで録音されたこの広大な2枚組アルバムは、マリオットの焼け付くようなボーカルと、仲間のギタリスト、ピーター・フランプトンとの激しいインタープレイが見事に表現されています。
「ストーン・コールド・フィーバー」の激しさを除けば、「I’m Ready」のスロージャムから「ローリング・ストーン」のエクステンデッド・バージョン、そしてR&Bの名曲「I Don’t Need No Doctor」まで、気合の入ったカバー曲が並んでいます。
Jimi Hendrix – Band of Gypsys
契約上の都合で発売されたレコードにしては、『Band Of Gypsys』はかなりのライブアルバムです。 ジミ・ヘンドリックスは、エクスペリエンスの解散後、新しいリズム・セクションとともに、ファンクやR&Bという新しい音楽の領域を開拓するためにさまざまな方向に向かいましたが、新たに発見された正確さと、再生されたエネルギーと創造性をもってそれを行いました。
ヘンドリックスは新しい地平線に向かっていましたが、『Band Of Gypsys』は、彼が言うように、彼の方向性だけでなく、ロック・パフォーマンスの方向性を再構築するための「最初の一歩」でした。 この自然発生的な即興の精神は、70年代にオールマン・ブラザーズ・バンド、レッド・ツェッペリン、グレイトフル・デッドなどに確実に受け継がれていきました。
「完璧な録音ではありませんが、私は心と魂を聴き取っています」とJoe Satrianiは語ってくれました。 彼は一晩で音楽の流れを変えてしまった。 Machine Gunのあのバージョンだけが入っていれば、それだけで十分だよ。
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