Edward Hopper é amplamente reconhecido como o mais importante pintor realista da América do século XX. Mas a sua visão da realidade foi selectiva, reflectindo o seu próprio temperamento nas paisagens urbanas vazias, paisagens e figuras isoladas que escolheu para pintar. A sua obra demonstra que o realismo não é apenas uma cópia literal ou fotográfica do que vemos, mas uma representação interpretativa.
Edward Hopper nasceu em 1882, em Nova Iorque, numa família de classe média. De 1900 a 1906 estudou na Escola de Arte de Nova Iorque, e enquanto estava na escola, passou da ilustração para obras de belas artes. Ao terminar a sua escolaridade, trabalhou como ilustrador durante um curto período de tempo; uma vez terminado este percurso profissional, fez três viagens internacionais, que tiveram grande influência no futuro do seu trabalho, e no tipo de arte em que se envolveria ao longo da sua carreira. Fez três viagens à Europa entre 1906 e 1910. Em retrospectiva, Europa significava França, e mais especificamente, Paris, para Edward Hopper. Esta cidade, a sua arquitectura, luz, e tradição artística, afectaram decisivamente o seu desenvolvimento.
Quando chegou em 1906, Paris era o centro artístico do mundo ocidental; nenhuma outra cidade era tão importante para o desenvolvimento da arte moderna. O movimento em direcção à pintura abstracta já estava em curso; o cubismo tinha começado. Ali, em 1907, Picasso pintou a sua lendária Les Demoiselles d’Avignon. Hopper, contudo, sustentou mais tarde que quando estava em Paris nunca ouviu falar de Picasso, que se iria tornar tão importante para o desenvolvimento da literatura moderna. Para Hopper, o encontro com o Impressionismo foi decisivo. A luz nestas pinturas e o tratamento temático da arquitectura e da natureza atraíram-no particularmente e deveriam influenciar todo o seu trabalho. A sua reacção aos Impressionistas reflecte-se directamente na sua própria arte. Esqueceu-se dos interiores escuros, semelhantes aos de um antigo mestre dos seus tempos de estudante em Nova Iorque, quando foi influenciado principalmente pelos grandes artistas europeus – Johannes Vermeer, Caravaggio, Rembrandt, e Diego Velázquez. A influência dos impressionistas, tais como Monet, Cezanne e Van Gogh reflecte-se directamente na sua própria arte. A sua paleta iluminou-se e ele começou a pintar com pinceladas leves e rápidas. Mesmo em 1962, ele podia dizer: “Penso que ainda sou um Impressionista”
Em 1910 Hopper regressou aos Estados Unidos, para nunca mais deixar a América do Norte. Durante a década de 1910, Edward Hopper lutou bastante para obter qualquer reconhecimento pelas obras que tinha criado. Durante este período, várias das suas obras foram distribuídas através de várias exposições e exposições em Nova Iorque, mas muito pouca ou nenhuma atenção foi dada às suas peças. A pintura a óleo foi um ponto focal do trabalho que tinha feito, mas a maioria das vendas que fez durante este período, foi para obras que tinha criado fazendo gravura e murais.
Assim, aos 37 anos de idade, Edward Hopper recebeu o seu primeiro convite aberto para fazer uma exposição individual, apresentando algumas das suas melhores peças de arte. 16 peças do seu trabalho foram exibidas no Whitney Club, e embora nenhuma das peças tenha sido vendida nesta exposição, esta apontou a sua carreira numa nova direcção, levou o seu trabalho artístico ao grande público, e tornou-se um nome mais notável no tipo de trabalho e nas formas de arte em que mais queria focar a sua carreira, para as futuras obras que iria criar.
A poucos anos mais tarde, Edward Hopper descobriu que a sua carreira tinha tomado um rumo para melhor, e estava a sair-se bem nas vendas, e financeiramente com as obras que tinha criado. Foi convidado a fazer uma segunda exposição individual, a apresentar novas obras, e a criar um burburinho sobre o trabalho que tinha criado nos últimos anos. A Galeria Frank KM Rehn em Nova Iorque, foi onde esta segunda exposição teve lugar, e recebeu muito mais atenção e uma multidão muito maior, devido ao local onde a exposição estava a decorrer, e também devido ao facto de mais pessoas estarem agora conscientes das obras que Edward Hopper tinha criado.
House by the Railroad, foi uma famosa pintura criada pelo artista, que foi a primeira obra a ser adquirida para o Museu de Arte Moderna, que só recentemente tinha sido aberto para visualização geral. Iluminação fortemente definida, linhas claramente definidas, e pontos de vista recortados, foram algumas das características que esta obra de arte capturou; e, isto incorporava o estilo que Edward Hopper utilizaria mais tarde na sua carreira, e com as futuras obras que produziria ao longo da sua carreira como artista.
Em 1923, Edward Hopper casou com um colega que frequentou a Academia de Nova Iorque, onde obteve a sua educação, Josephine Nivision. Não só posou para quase metade das peças artísticas femininas que ele criou durante a sua carreira, como também o encorajou e o impulsionou a enveredar por diferentes formas de arte também durante a sua carreira. Ela pressionou-o a trabalhar com aguarelas, e manteve registos de todas as peças que ele concebeu, das exposições em que iria participar, e de todas as vendas das peças que foram feitas, durante estas exposições em que o seu trabalho foi apresentado.
Em 1933, Edward Hopper recebeu mais elogios pelas obras que tinha feito, e por uma peça que estava em exposição no Museu de Arte Moderna. O seu estilo altamente identificável, e estilos de pintura maduros, foram algumas coisas pelas quais se tinha tornado conhecido durante este período. As paisagens deslumbrantes, as salas tranquilas e vazias que concebeu, e o efeito transitório que muitas das suas obras representavam, criaram um sentido de vida contemporânea e um novo estilo, que muitos no mundo da arte reconheceram, e muitos elogiaram-no por este estilo distinto que tinha criado nas suas formas de arte.
Na peça mais famosa de Edward Hopper, Nighthawks, há quatro clientes e um empregado de mesa, que se encontram num restaurante iluminado à noite. Foi uma peça criada durante um tempo de guerra; e muitos acreditam que a sua desconexão com o empregado, e com o mundo exterior, representa os sentimentos de muitos americanos durante este período, devido à guerra. A peça foi criada em 1942, no Instituto de Arte de Chicago, e foi vista por muitas pessoas enquanto estava em exposição para uma exposição.
A grande arte é a expressão exterior de uma vida interior do artista, e esta vida interior resultará na sua visão pessoal do mundo”. – Edward Hopper
Entre as décadas de 1930 e 1950, Edward Hopper e a sua esposa passaram bastante tempo, e a maior parte dos seus verões, a visitar Cape Cod, Massachusetts. Em muitas das obras que Hopper criou durante este período, muitas das cenas, os locais comuns, e as atracções próximas que visitaram, foram muitas vezes vistas nas formas de arte que ele criou durante a sua carreira. Hopper também começou a viajar mais longe, e visitou regiões desde Vermont até Charleston, a fim de acrescentar mais pontos de interesse à sua colecção, e alargar as obras e os locais que iria incluir em muitas das imagens que criou ao longo da sua carreira.
Later na sua carreira, muitas das suas obras foram expostas em várias exposições, nomeadamente no Museu Whitney, que estava localizado em Nova Iorque. Mais tarde na sua carreira, durante a década de 1940, foi um período em que encontrou o maior sucesso comercial. Mas, pouco depois, e mesmo durante este período de tempo, começou a perder favores críticos. Isto deveu-se nomeadamente às novas formas de arte, e ao facto de peças abstractas estarem a começar a entrar no mundo da arte, que assumiu o trabalho que fez, bem como o trabalho de muitos artistas famosos anteriores a ele.
Os temas das tensões entre indivíduos e o conflito entre tradição e progresso, tanto em ambientes rurais como urbanos, são motivo a que Edward Hopper regressa sempre, uma vez que os artistas sempre voltaram aos seus amados temas – Van Gogh os seus Girassóis, e Monet os seus Lírios de Água. As suas escolhas de temas – particularmente os lugares que pintou – parecem ter sido algo imprevisíveis, uma vez que faziam parte da sua constante batalha com o tédio crónico que frequentemente sufocava a sua vontade de pintar. Foi isto que manteve Hopper em movimento – a sua busca de inspiração, menos dolorosamente encontrada na estimulação de novos ambientes. Hoje, muitos historiadores de arte consideram Edward Hopper como o impressionista americano mais proeminente, juntamente com Winslow Homer do século XIX.
Nas décadas de 1940 e 1950, Hopper viu-se a perder um favor crítico na sequência do Expressionismo Abstracto. Entre o novo movimento artístico de vanguarda surgiu no início dos anos 40, artistas como Willem de Kooning, Jackson Pollock e Mark Rothko avançaram com audaciosas invenções formais numa busca de conteúdos significativos. Ao romperem com as convenções aceites tanto na técnica como no tema, esses artistas fizeram obras de escala monumental, que se apresentavam como reflexos dos seus psyches individuais, e tentaram explorar fontes interiores universais. Mas Hopper continua a pintar o sentimento familiar à maioria dos humanos – o triste enraizado na existência, no nosso conhecimento íntimo da solidão do eu. Embora o século XX tenha sido o apogeu de Sigmund Freud e da Psicanálise Freudiana, se alguma vez Hopper sentiu que a sua psique estava distorcida, não queria que fosse corrigida, pois a arte veio de quem o artista era em todos os sentidos. Ele não queria adulterar o seu subconsciente nem a sua visão pessoal do mundo. Juntamente com Georgia O’Keeffe, Edward Hopper detém um estatuto excepcional como duas das figuras mais proeminentes da arte americana do início do século XX. Hopper nunca faltou, contudo, ao apelo popular, e na altura da sua morte, em 1967, Hopper tinha sido recuperado como uma grande influência por uma nova geração de artistas realistas americanos.