Keith Haring ist eines der wichtigsten Mitglieder einer Gruppe von Avantgarde-Künstlern aus New York, die dazu beitrugen, die Grenzen der modernen Kunst in den 1980er Jahren neu zu definieren. Sein Werk verläuft parallel zu dem von Jean-Michel Basquiat, Kenny Scharf und anderen Künstlern der 1980er Jahre und beschäftigt sich mit einer Vielzahl von Medien und Techniken, wie Zeichnung, Malerei, Body Art und Graffiti. Haring schuf monumentale Werke im öffentlichen Raum, die dazu beitrugen, der Street Art Anerkennung zu verschaffen und ihr Eingang in die Museen zu verschaffen.
Harings unverkennbarer Stil basiert auf abstrakten, stilisierten Formen, die zu ineinandergreifenden menschlichen Figuren und eng angeordneten Mustern verarbeitet wurden. Er verwendete wenige Grundfarben in übersättigten Tönen, die als flächige Farbflächen aufgetragen und zu dicken Silhouetten geformt wurden. Er verlieh seinen Werken eine ausgeprägte grafische, cartoonhafte Qualität und verließ sich auf sich wiederholende Motive, um einen visuellen Kommentar sowohl zu seinen privaten Erfahrungen als auch zu der größeren Kultur seiner Zeit zu schaffen. Tatsächlich suchte Haring die Inspiration für seine künstlerische Praxis in der Populärkultur, die ihn umgab, von der New Yorker Hip-Hop-Szene bis zu den Disney-Cartoons, und setzte sich auch mit den wichtigsten sozialen und politischen Themen seiner Zeit auseinander, wie der AIDS-Epidemie, der südafrikanischen Apartheid und der amerikanischen konservativen Politik der 1890er Jahre.
Haring wurde 1958 in Reading, Pennsylvania, geboren. Er begann schon früh mit dem Malen und Zeichnen und zog 1978 auf der Suche nach künstlerischer Inspiration nach New York, nachdem er eine kommerzielle Kunstschule abgebrochen hatte. In New York besuchte er die School of Visual Arts, wo er mit den avantgardistischen Ansätzen der pulsierenden Kunstszene der Stadt in Berührung kam. Er experimentierte zunächst mit verschiedenen Medien, produzierte Performance-Stücke und malte Environments in der Technik des Action Painting. Eine Serie von Zeichnungen aus den Jahren 1978-1979, wie Untitled (1978) und Untitled (1979), veranschaulicht Harings frühes Interesse an der Erforschung abstrakter Formen im Zusammenspiel mit kräftigen, gestischen Markierungen innerhalb eines sorgfältig abgegrenzten Raums. Diese ersten Experimente führen zur Entwicklung eines unverwechselbaren Stils, der von Linearität, Mustern, leicht lesbaren Motiven, einer hellen Farbpalette und absoluter Ausdrucksfreiheit geprägt ist. Im Jahr 1980 wendet er sich auch der Figuration zu. Zu seinen am häufigsten wiederkehrenden Motiven gehören tanzende menschliche Figuren, krabbelnde Babys, bellende Hunde, fliegende Untertassen, Pyramiden, Herzmotive und andere bekannte Elemente.
Die künstlerischen Tendenzen im New York der 1980er Jahre boten Haring einen lebendigen Rahmen für die Ausarbeitung seiner eigenen künstlerischen Praxis. Zu seinen Street-Art-Arbeiten, die er ab 1982 anfertigte, gehören weiße Kreidezeichnungen auf schwarzen Papierbögen, mit denen er alte Werbeplakate und andere Oberflächen in den New Yorker U-Bahn-Stationen abdeckte. Er setzte sich auch aktiv mit dem politischen Szenario seiner Zeit auseinander. Seine Cut-Ups von 1980, Collagen aus gefälschten Zeitungsschlagzeilen, sowie seine Subway Drawings (1982) kommentierten und attackierten unverhohlen die Politik Ronald Reagans und der katholischen Kirche. Harings künstlerische Vision wurde auch von Jean Dubuffets Kunsttheorie und Robert Henris Manifest The Art Spirit (1923) beeinflusst, die die schöpferische Freiheit und das Recht auf Selbstdarstellung als Hauptantriebskräfte in der Arbeit eines Künstlers befürworten. Diese Ideen zeigen sich auch in Harings lebenslangem Engagement für die Schaffung einer wirklich öffentlichen Kunst, die ein direkter und unvermittelter Ausdruck seiner eigenen Gefühle war und vom Publikum leicht verstanden werden konnte.
Haring war ein aktiver Teilnehmer der New Yorker Gegenkultur und tauchte vollständig in die Musik- und Tanzszene von DJs, Hip-Hop und Breakdance ein. Das Element der Improvisation, der pulsierende Rhythmus und die Bewegungen des Hip-Hop zogen Haring besonders an, der diese Elemente direkt in seine Kompositionen und Figuren umsetzte. Viele von Harings menschlichen Subjekten sind in der Tat bei der Ausführung spezifischer Hip-Hop- und Breakdance-Moves zu sehen, wie z. B. Kopfdrehungen, die so genannten „Electric Boogies“, bei denen die Tänzer aufstehen und ihre Hände und Körper roboterhaft bewegen, und andere Moves, die näher am Boden ausgeführt werden und bei denen der Körper auf einer Hand balanciert wird. Einige der Werke, die den Stil und die Themen von Harings Produktion am besten veranschaulichen, sind Free South Africa (1985) und Crack is Wack (1986). Fluoreszierende Farben und dicke, schwarze Linien, die zu Silhouetten geformt sind, dominieren diese Arbeiten. Haring umgibt die Konturen seiner Figuren mit dicken Markierungen und Blitzen, die die Bewegung der Tänzer und ihre körperlichen Interaktionen betonen, die sich immer auf einer Ebene in einem komplett zweidimensionalen Raum abspielen. Seine Figuren sind in komplizierte Dialoge und Gesten verwickelt, mit gebogenen, ineinander greifenden Gliedmaßen, die zu kantigen Mustern geformt sind, die auch an die Kunst des alten Ägyptens erinnern. In diesen Arbeiten sind die menschlichen Körper dicht in rhythmischen Kompositionen angeordnet, wodurch ein visueller Gesamteffekt von abstrakter, hyperdekorierter Oberfläche entsteht.
Im Jahr 1982 hatte der Künstler seine erste wichtige Einzelausstellung in der Tony Shafrazi Gallery in Soho und erhielt eine Einladung zur Documenta, einem der wichtigsten Treffpunkte für zeitgenössische Künstler in der Welt. Von 1984 bis 1986 erlangte er zunehmend internationale Anerkennung und kritische Aufmerksamkeit. In diesen Jahren stellte er seine Werke in verschiedenen Galerien aus, darunter die Leo Castelli Gallery in New York, die Robert Fraser Gallery in London und die Galerie Watari in Tokio. Außerdem arbeitete er an einer Reihe von öffentlichen Kunstprojekten auf der ganzen Welt, wie zum Beispiel an einem Wandgemälde in der National Gallery of Victoria in Melbourne (1984), an der Gestaltung von Kulissen und Kostümen für zeitgenössische Ballette, wie Secret Pastures (1984), und an der Gestaltung eines Logos für eine Anti-Littering-Kampagne der Stadt New York. Diese äußerst vielfältige Reihe von Aufträgen, die oft mit humanitären Anliegen verbunden waren, die Haring besonders am Herzen lagen, trug dazu bei, seinen Stil als ikonisch und wiedererkennbar zu etablieren. 1986 eröffnete er seinen eigenen Pop Shop in Manhattan, in dem er Merchandise-Artikel und Gegenstände mit seinen eigenen charakteristischen Bildern verkaufte. Im selben Jahr lud ihn das Checkpoint Charlie Museum ein, auf der Berliner Mauer zu malen.
Der Wunsch, Kunst mit dem Ziel zu schaffen, das Leben verschiedener Gemeinschaften zu bereichern, stand im Mittelpunkt von Harings Leben und Karriere bis wenige Monate vor seinem Tod im Jahr 1990, der aufgrund von AIDS-bedingten Komplikationen in New York stattfand. Viele seiner Werke, wie Ignorance=Fear (1989) und Stop AIDS (1989), setzten sich aktiv mit der AIDS-Epidemie auseinander und versuchten, das Bewusstsein für die Krankheit zu schärfen und das mit ihr verbundene Stigma zu beseitigen. In Safe Sex (1988) warb der Künstler für die Krankheitsvorbeugung, indem er eine Szene homosexuellen Liebesspiels in seinem üblichen cartoonhaften und hyperbunten Stil offen und effektiv darstellte. Sein letztes Werk war der Entwurf einer Briefmarke und eines Briefumschlags, die von der Word Federation of United Nations Associations in Auftrag gegeben wurden, um das Engagement der Vereinigung im Kampf gegen AIDS zu illustrieren. Harings Kunst im öffentlichen Raum hat immer noch eine starke Resonanz in der zeitgenössischen Kultur, dank seines wiedererkennbaren Stils, der einzigartigen Umarmung der fröhlichsten Aspekte menschlicher Erfahrung und der intensiven Auseinandersetzung mit politischen und sozialen Realitäten.
von Caterina Franciosi
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