Edward Hopper es ampliamente reconocido como el pintor realista más importante de la América del siglo XX. Sin embargo, su visión de la realidad era selectiva y reflejaba su propio temperamento en los paisajes urbanos vacíos y en las figuras aisladas que elegía para pintar. Su obra demuestra que el realismo no es una mera copia literal o fotográfica de lo que vemos, sino una interpretación.
Edward Hopper nació en 1882, en Nueva York, en el seno de una familia de clase media. De 1900 a 1906 estudió en la Escuela de Arte de Nueva York, y mientras estaba en la escuela, pasó de la ilustración a las obras de arte. Al terminar sus estudios, trabajó como ilustrador durante un corto periodo de tiempo; una vez terminada esta trayectoria, realizó tres viajes internacionales, que tuvieron una gran influencia en el futuro de su obra, y en el tipo de arte que realizaría a lo largo de su carrera. Hizo tres viajes a Europa entre 1906 y 1910. En retrospectiva, Europa significaba para Edward Hopper Francia, y más concretamente, París. Esta ciudad, su arquitectura, su luz y su tradición artística, influyeron decisivamente en su desarrollo.
Cuando llegó en 1906, París era el centro artístico del mundo occidental; ninguna otra ciudad era tan importante para el desarrollo del arte moderno. El movimiento hacia la pintura abstracta ya estaba en marcha; el cubismo había comenzado. Allí, en 1907, Picasso pintó su legendaria obra Les Demoiselles d’Avignon. Sin embargo, Hopper afirmó más tarde que cuando estuvo en París nunca oyó hablar de Picasso, que sería tan importante para el desarrollo de la literatura moderna. Para Hopper, el encuentro con el impresionismo fue decisivo. La luz de estos cuadros y el tratamiento temático de la arquitectura y la naturaleza le atrajeron especialmente e influyeron en toda su obra. Su reacción a los impresionistas se refleja directamente en su propio arte. Se olvidó de los interiores oscuros, tipo Viejo Maestro, de su época de estudiante en Nueva York, cuando estaba influenciado principalmente por los grandes artistas europeos: Johannes Vermeer, Caravaggio, Rembrandt y Diego Velázquez. La influencia de los impresionistas, como Monet, Cezanne y Van Gogh, se refleja directamente en su propio arte. Su paleta se iluminó y empezó a pintar con trazos ligeros y rápidos. Incluso en 1962, podía decir: «Creo que sigo siendo un impresionista»
En 1910 Hopper regresó a Estados Unidos, para no volver a salir de Norteamérica. Durante la década de 1910, Edward Hopper luchó bastante para obtener algún reconocimiento por las obras que había creado. Durante este periodo, algunas de sus obras se distribuyeron en varias muestras y exposiciones en Nueva York, pero se prestó muy poca atención, si es que se prestó alguna, a sus piezas. La pintura al óleo era un punto central del trabajo que había realizado, pero la mayoría de las ventas que hizo durante este período, fue por obras que había creado haciendo trabajos de grabado y murales.
A la edad de 37 años, Edward Hopper recibió su primera invitación para realizar una exposición individual, con algunas de sus mejores obras. Se expusieron 16 obras suyas en el Whitney Club, y aunque ninguna de las piezas se vendió en esta exposición, sí que supuso un nuevo rumbo para su carrera, hizo que sus obras se dieran a conocer al público en general, y se convirtió en un nombre más notable en el tipo de obra y las formas de arte en las que más quería centrar su carrera, para las futuras obras que crearía.
Unos años más tarde, Edward Hopper se dio cuenta de que su carrera había dado un giro a mejor, y que le iba bien en ventas, y económicamente con las obras que había creado. Se le invitó a realizar una segunda exposición individual para presentar nuevas obras y dar a conocer el trabajo que había creado en los últimos años. Esta segunda exposición tuvo lugar en la Frank KM Rehn Gallery de Nueva York, y recibió mucha más atención y un público mucho más numeroso, debido a la ubicación de la exposición, y también al hecho de que ahora más personas conocían las obras que Edward Hopper había creado.
La Casa junto al Ferrocarril, fue un famoso cuadro creado por el artista, que fue la primera obra que se adquirió para el Museo de Arte Moderno, que hacía poco que se había abierto a la vista del público. Una iluminación muy definida, unas líneas bien definidas y unos puntos de vista recortados, fueron algunas de las características que plasmó esta obra; y, esto encarnó el estilo que Edward Hopper utilizaría más adelante en su carrera, y con las futuras obras que produciría a lo largo de su carrera como artista.
En 1923, Edward Hopper se casó con una compañera de estudios en la Academia de Nueva York donde se formó, Josephine Nivision. No sólo posó para casi la mitad de las obras de figuras femeninas que creó durante su carrera, sino que también le animó y empujó a participar en diferentes formas de arte durante su carrera. Le empujó a trabajar con acuarelas y llevó un registro de todas las piezas que diseñaba, de las exposiciones en las que participaba y de todas las ventas de las piezas que se realizaban durante estas exposiciones en las que se presentaba su obra.
En 1933, Edward Hopper recibió más elogios por las obras que había realizado, y por una pieza que se expuso en el Museo de Arte Moderno. Su estilo altamente identificable, y su madurez pictórica, fueron algunas de las cosas por las que se dio a conocer durante este periodo. Los magníficos paisajes, las estancias tranquilas y las habitaciones vacías que diseñó, y el efecto transitorio que planteaban muchas de sus obras, crearon una sensación de vida contemporánea y un nuevo estilo, que muchos en el mundo del arte reconocieron, y muchos le elogiaron por este estilo distintivo que había creado en sus formas de arte.
En la obra más famosa de Edward Hopper, Nighthawks, aparecen cuatro clientes y un camarero, que se encuentran en una cafetería muy iluminada por la noche. Fue una obra creada en tiempos de guerra; y muchos creen que su desconexión con el camarero, y con el mundo exterior, representan los sentimientos de muchos estadounidenses durante este periodo, a causa de la guerra. La pieza fue montada en 1942, en el Instituto de Arte de Chicago, y fue vista por mucha gente mientras estaba expuesta para una muestra.
El gran arte es la expresión exterior de una vida interior del artista, y esta vida interior dará lugar a su visión personal del mundo.» – Edward Hopper
Entre las décadas de 1930 y 1950, Edward Hopper y su esposa pasaron bastante tiempo, y la mayoría de sus veranos, visitando Cape Cod, Massachusetts. En muchas de las obras que Hopper creó durante este periodo, muchas de las escenas, los lugares comunes y las atracciones cercanas que visitaban, se veían a menudo en las formas de arte que creó durante su carrera. También empezó a viajar más lejos, y visitó regiones desde Vermont hasta Charleston, para añadir más puntos de interés a su colección, y para ampliar las obras y los lugares que incluiría en muchas de las imágenes que creó a lo largo de su carrera.
Más adelante en su carrera, muchas de sus obras se expusieron en varias muestras, concretamente en el Museo Whitney, situado en la ciudad de Nueva York. En los últimos años de su carrera, durante la década de 1940, fue un periodo en el que encontró el mayor éxito comercial. Pero, poco después, e incluso durante este periodo, empezó a perder el favor de la crítica. Esto se debió a las nuevas formas de arte, y al hecho de que las piezas abstractas estaban empezando a entrar en el mundo del arte, que se apoderó de la obra que hizo, así como de la obra de muchos artistas famosos anteriores a él.
Los temas de las tensiones entre los individuos y el conflicto entre la tradición y el progreso, tanto en los entornos rurales como en los urbanos, son motivos a los que Edward Hopper siempre vuelve, como los artistas siempre han vuelto a sus temas más queridos -Van Gogh sus Girasoles, y Monet sus Nenúfares-. La elección de sus temas -sobre todo de los lugares que pintaba- parece haber sido algo imprevisible, ya que formaba parte de su constante lucha contra el aburrimiento crónico que a menudo sofocaba su impulso de pintar. Esto es lo que mantenía a Hopper en movimiento: su búsqueda de inspiración, que al menos encontraba penosamente en el estímulo de nuevos entornos. En la actualidad, muchos historiadores del arte consideran a Edward Hopper como el impresionista estadounidense más destacado, junto con Winslow Homer, del siglo XIX.
En las décadas de 1940 y 1950, Hopper se encontró con que estaba perdiendo el favor de la crítica a raíz del expresionismo abstracto. Entre el nuevo movimiento artístico de vanguardia surgido a principios de la década de 1940, artistas como Willem de Kooning, Jackson Pollock y Mark Rothko avanzaron audaces invenciones formales en busca de un contenido significativo. Al romper con las convenciones aceptadas tanto en la técnica como en el tema, esos artistas realizaron obras de escala monumental que se erigían como reflejo de su psique individual y trataban de aprovechar las fuentes internas universales. Pero Hopper sigue pintando el sentimiento familiar para la mayoría de los seres humanos: la tristeza incrustada en la existencia, en nuestro conocimiento íntimo de la soledad del yo. Aunque el siglo XX fue el apogeo de Sigmund Freud y del psicoanálisis freudiano, si alguna vez Hopper sintió que su psique estaba distorsionada, no quiso que se corrigiera, pues el arte surgía de lo que el artista era en todos los sentidos. No quería manipular su subconsciente ni su visión personal del mundo. Junto con Georgia O’Keeffe, Edward Hopper ocupa un lugar excepcional como dos de las figuras más destacadas del arte estadounidense de principios del siglo XX. Sin embargo, Hopper nunca careció de atractivo popular, y en el momento de su muerte, en 1967, Hopper había sido reclamado como una gran influencia por una nueva generación de artistas realistas estadounidenses.