Siglo XIXEditar
Otra de las primeras fotógrafas, Anna Atkins, en Inglaterra, produjo un libro autoeditado de fotogramas realizados colocando algas secas directamente sobre papel de cianotipia. Con la intención de realizar un estudio científico, las imágenes en blanco sobre azul tienen una calidad abstracta etérea debido a la imagen en negativo y a la falta de contexto natural para las plantas.
El descubrimiento de los rayos X en 1895 y de la radiactividad en 1896 provocó una gran fascinación del público por las cosas que antes eran invisibles o no se veían. En respuesta, los fotógrafos comenzaron a explorar cómo podían capturar lo que no podía ser visto por la visión humana normal.
Por esta misma época, el autor y artista sueco August Strindberg experimentó sometiendo al calor y al frío soluciones salinas en placas fotográficas. Las imágenes que produjo con estos experimentos eran representaciones indefinidas de lo que no podía verse de otro modo y eran completamente abstractas en su presentación.
Cerca del cambio de siglo, Louis Darget, en Francia, trató de capturar imágenes de procesos mentales presionando placas no expuestas sobre la frente de las personas sentadas e instándolas a proyectar imágenes de sus mentes sobre las placas. Las fotografías que obtenía eran borrosas e indefinidas, pero Darget estaba convencido de que lo que él llamaba «vibraciones del pensamiento» no se distinguían de los rayos de luz.
Siglo XXEditar
Durante la primera década del siglo XX se produjo una oleada de exploración artística que aceleró la transición en la pintura y la escultura del impresionismo y el postimpresionismo al cubismo y el futurismo. A partir de 1903, una serie de exposiciones anuales de arte en París, llamada Salón de Otoño, presentó al público la visión radical de artistas como Cézanne, Picasso, Marcel Duchamp, Francis Picabia, František Kupka y Albert Gleizes. Jean Metzinger. Una década más tarde, el Armory Show de Nueva York provocó un escándalo al mostrar obras completamente abstractas de Kandinsky, Braque, Duchamp, Robert Delaunay y otros.
El interés del público por el arte abstracto, y a veces su repulsión, fue debidamente constatado por algunos de los fotógrafos más creativos de la época. Hacia 1910, en Nueva York, Alfred Stieglitz comenzó a exponer a pintores abstractos como Marsden Hartley y Arthur Dove en su galería de arte 291, que hasta entonces sólo había expuesto fotografía pictórica. Fotógrafos como Stieglitz, Paul Strand y Edward Steichen experimentaron con temas pictóricos fotografiados en composiciones abstractas.
Las primeras imágenes expuestas públicamente que ahora se reconocen como fotografías abstractas fueron una serie llamada Symmetrical Patterns from Natural Forms, mostrada por Erwin Quedenfeldt en Colonia en 1914. Dos años después, Alvin Langdon Coburn comenzó a experimentar con una serie que denominó Vortographs. Durante un periodo de seis semanas en 1917, tomó unas dos docenas de fotografías con una cámara equipada con un prisma multifacético. Las imágenes resultantes no guardaban relación con las realidades que veía ni con sus anteriores retratos y paisajes urbanos. Escribió: «¿Por qué no debería la cámara deshacerse de los grilletes de las representaciones contemporáneas? ¿Por qué, lo pregunto seriamente, tenemos que seguir haciendo pequeñas exposiciones comunes…?»
En las décadas de 1920 y 1930 se produjo un aumento significativo del número de fotógrafos que exploraron la imaginería abstracta. En Europa, Praga se convirtió en un centro de fotografía de vanguardia, con František Drtikol, Jaroslav Rössler, Josef Sudek y Jaromír Funke, todos ellos creando fotografías influenciadas por el cubismo y el futurismo. Las imágenes de Rössler, en particular, fueron más allá de la abstracción representativa y se convirtieron en puras abstracciones de luz y sombra.
En Alemania y más tarde en Estados Unidos, László Moholy-Nagy, líder de la escuela del modernismo Bauhaus, experimentó con las cualidades abstractas del fotograma. Decía que «las posibilidades más asombrosas quedan por descubrir en la materia prima de la fotografía» y que los fotógrafos «deben aprender a buscar, no la ‘imagen’, no la estética de la tradición, sino el instrumento ideal de expresión, el vehículo autosuficiente para la educación»
Algunos fotógrafos de esta época también ampliaron los límites de la imagen convencional al incorporar las visiones del surrealismo o el futurismo a su trabajo. Man Ray, Maurice Tabard, André Kertész, Curtis Moffat y Filippo Masoero fueron algunos de los artistas más conocidos que produjeron imágenes sorprendentes que cuestionaban tanto la realidad como la perspectiva.
Tanto durante como después de la Segunda Guerra Mundial, fotógrafos como Minor White, Aaron Siskind, Henry Holmes Smith y Lotte Jacobi exploraron las composiciones de objetos encontrados de manera que demostraron que incluso nuestro mundo natural tiene elementos de abstracción incrustados en él.
Frederick Sommer abrió un nuevo camino en 1950 al fotografiar objetos encontrados reordenados a propósito, lo que dio lugar a imágenes ambiguas que podían ser ampliamente interpretadas. Decidió titular una imagen enigmática en particular El bosque sagrado, a partir del ensayo de T.S. Eliot sobre la crítica y el significado.
La década de 1960 estuvo marcada por la exploración desinhibida de los límites de los medios fotográficos de la época, empezando por los fotógrafos que ensamblaban o reensamblaban sus propias imágenes y/o las encontradas, como Ray K. Metzker, Robert Heinecken y Walter Chappell.
A mediados de la década de 1970, Josef H. Neumann desarrolló los quimiogramas, que son productos tanto del procesamiento fotográfico como de la pintura sobre papel fotográfico. Antes de la difusión de los ordenadores y del uso de programas de tratamiento de imágenes, el proceso de creación de quimogramas puede considerarse una forma temprana de posproducción analógica, en la que la imagen original se altera tras el proceso de ampliación. A diferencia de las obras de postproducción digital, cada quimiograma es una pieza única.
A partir de finales de la década de 1970, los fotógrafos ampliaron los límites de la escala y la superficie en lo que entonces era un medio fotográfico tradicional que debía ser revelado en un cuarto oscuro. Inspirada por la obra de Moholy-Nagy, Susan Rankaitis empezó a incrustar imágenes encontradas de libros de texto científicos en fotogramas a gran escala, creando lo que se ha llamado «un palimpsesto que hay que explorar casi como una excavación arqueológica». Más tarde realizó enormes construcciones interactivas en galerías que ampliaban las nociones físicas y conceptuales de lo que puede ser una fotografía. Se dice que su obra «imita la fragmentación de la mente contemporánea»
En la década de los noventa, una nueva ola de fotógrafos exploraba las posibilidades de utilizar los ordenadores para crear nuevas formas de crear fotografías. Fotógrafos como Thomas Ruff, Barbara Kasten, Tom Friedman y Carel Balth creaban obras que combinaban la fotografía, la escultura, el grabado y las imágenes generadas por ordenador.
Siglo XXIEdición
Una vez que los ordenadores y los programas de fotografía se hicieron ampliamente accesibles, las fronteras de la fotografía abstracta se ampliaron más allá de los límites de la película y la química hasta alcanzar dimensiones casi ilimitadas. Las fronteras que quedaban entre los artistas puros y los fotógrafos puros fueron eliminadas por individuos que trabajaban exclusivamente en fotografía pero que producían únicamente imágenes generadas por ordenador. Entre los más conocidos de la generación de principios del siglo XXI se encuentran Gaston Bertin, Penelope Umbrico, Ard Bodewes, Ellen Carey, Nicki Stager, Shirine Gill, Wolfgang Tillmans, Harvey Lloyd y Adam Broomberg & Oliver Chanarin.