¿El mejor título de la historia para un disco en directo? Eso es fácil. Intensities In 10 Cities de Ted Nugent. ¿Los mejores álbumes en directo de todos los tiempos? Esa es una decisión más difícil.
A lo largo de los años se han hecho tantos grandes álbumes en vivo – especialmente en los años 70 y 80. En el mundo del hard rock y el heavy metal, el álbum en directo se convirtió en una forma de arte en sí mismo.
Para algunas bandas, como Kiss y Cheap Trick, fue un álbum en directo el que les proporcionó su gran avance. Para un artista en particular, Peter Frampton, un álbum en directo sería su mayor éxito de ventas y definiría toda su carrera.
Con los mejores álbumes en directo, todo es cuestión de tiempo. Lo que representan es un momento decisivo en la carrera de una banda: para muchos, una mayoría de edad como una banda verdaderamente grande. Y eso forma parte de la magia tanto como la música, la actuación y el ambiente que se genera entre la banda y el público en el calor del momento.
Y así, aquí están: Los 50 mejores discos en directo de la historia. Votados por vosotros.
Ramones – It’s Alive
¿El disco de punk en directo por excelencia? No se nos ocurren muchos que lo superen. Con apenas un respiro de la banda entre canciones, este es el sonido del Rainbow Theatre de Londres – tan a menudo el escenario de acogedoras juergas de estrellas – siendo maltratado hasta la sumisión por el setlist más rápido del mundo. Son 28 canciones en una hora, amigos.
No hay nada mejor que Blitzkrieg Bop. ¡Diablos, el grito del bajista Dee Dee Ramone de «1-2-3-4″ es un himno en sí mismo, pero el ‘Hey Ho! Let’s Go!» (aparentemente inspirado en los Bay City Rollers) es, como todos los clásicos de los Ramones, una obra de genialidad simplista.
Tres décadas después, y el sudor sigue sin oler a rancio.
Varios: Woodstock: Music From the Original Soundtrack and More
En 2019 se celebró el 50 aniversario del festival original de Woodstock con el lanzamiento de una versión ampliada de la banda sonora original en forma de caja de 38 CD y 432 pistas, con 267 temas inéditos.
Puede que haya sido una exageración, pero el mero hecho de que se haya publicado da fe de la importancia cultural del lanzamiento inicial. Si los álbumes en directo tratan de capturar un momento en el tiempo, Woodstock: Music From the Original Soundtrack and More lo ha conseguido de forma brillante, desde los anuncios en el escenario del «ácido marrón» hasta la cargada versión de Jimi Hendrix del Star Spangled Banner.
El resto del reparto es igualmente estelar: The Who, Joe Cocker, Crosby, Stills, Nash & Young, Santana, Jefferson Airplane, Canned Heat, Sly & The Family Stone y más, y una actuación de Ten Years After que llegaría a definir toda su carrera. ¿Y la pareja de la portada? Todavía están juntos.
Grand Funk Railroad – Live Album
Al igual que la banda que lo hizo dio un nuevo significado a la descripción ‘power-trio’, el Live Album estableció la plantilla para todo lo que ahora conocemos como stoner rock. Vendido como una «grabación directa», es decir, sin sobregrabaciones, sin remezclas, sin nada más que placas de metal, se trataba de mantener la realidad (lástima que a nadie se le ocurriera decírselo al diseñador de la carátula, que utilizó una foto de la banda tomada en el festival internacional de pop de Atlanta, aunque nada de la música se grabó allí).
Incluso el más ferviente fan de Grand Funk Railroad de los años 70 habría estado de acuerdo en que realmente no necesitabas poseer más de uno de sus álbumes de estudio de dos pulgadas de profundidad, y ciertamente no excavabas el Funk tumbado en el suelo escuchando esos discos con los auriculares estéreo puestos. Los escuchabas donde vivían, en la carretera. De ahí la tremenda sensación de rectitud que acompañó al lanzamiento de este, su cuarto álbum.
Los críticos los tacharon de proto-metalistas descerebrados, pero en el cantante y guitarrista Mark Farner -un feroz frontman medio cherokee que no aceptaba una mierda ni daba cuartel- Grand Funk Railroad se convirtió en la encarnación de lo que significaba ser un rockero totalmente americano, y el éxito de Live Album refutaba que lo que los críticos decían importaba en absoluto.
Hawkwind – Space Ritual
La cumbre de la creatividad de Hawkwind. Trabajaron estrechamente con el autor de fantasía Michael Moorcock en este álbum, que se basa en su concepto de Campeón Eterno, y tiene un ingenio que lo convierte en un clásico.
Cada canción es a la vez autónoma y parte de un flujo general que realmente lo convierte en una ópera de rock espacial. La banda incluso se deshizo en elogios hacia los poetas del siglo XIX Percy Shelley y Henry Wadsworth Longfellow en el tema de apertura Assault & Battery (Part 1), mientras que el propio Moorcock contribuyó con tres poemas, narrando dos de ellos. El trabajo artístico del álbum se sumó a la fusión de brillantez.
«Lo que las bandas solían hacer era limpiar el sonido para que se pareciera lo más posible a un álbum de estudio», nos dijo el autor Ian Rankin. «Space Ritual era diferente. Era un sonido sucio en directo, con muchas posibilidades de que las cosas salieran mal. ¡Fue el primero que me hizo sentir como si estuviera allí, un espectáculo propulsivo e hipnótico con todos esos maravillosos pitidos, blips y guitarras zumbantes que eran casi trascendentales.»
Aerosmith – Live! Bootleg
El 4 de julio, Día de la Independencia de Estados Unidos, Aerosmith encabezó el Texxas World Music Festival en el Cottonbowl de Dallas, con capacidad para 100.000 personas, con Ted Nugent y Heart como teloneros, además de Journey y Eddie Money.
También tocaron en algunos clubes de bajo perfil, bajo el nombre de Dr. J. Jones And The Interns, que fueron grabados por Jack Douglas para el álbum en directo que se publicó el 27 de octubre. ¡Lo llamaron Live! ¡Bootleg, y el título implicaba, que era, por diseño, la antítesis del mega-éxito de Peter Frampton Frampton Comes Alive!
«Me encanta ese disco», nos dice Slash. «Para mí es el disco de rock’n’roll en directo por excelencia de todos los tiempos. Es increíble. ¡La forma en que Live! Bootleg comienza con Back In The Saddle, toda esa introducción con el público enloquecido y los flashes encendidos, toda esa acumulación, lo hizo tan emocionante para mí».
«Lo bueno de los discos en directo de la época era que si no tenías ningún otro disco de la banda, podías conseguir una buena muestra de su material en un solo álbum», dice el locutor Eddie Trunk. «¡Recuerdo haber comprado el Live! Bootleg, poner el póster en mi pared, y hasta el día de hoy, creo que es un disco en directo increíblemente infravalorado. Y en realidad es un verdadero disco en directo. Apesta a los años 70 – realmente te sitúa en el espacio de cuando se grabaron las canciones.»
Alice In Chains – Unplugged
Alice in Chains Unplugged marcó la penúltima actuación del cantante Layne Staley, que estaba luchando contra la adicción a la heroína que había relatado conmovedoramente a través de las agonizantes letras de la banda.
Esta actuación es un retrato escalofriante de la trágica caída de uno de los líderes más carismáticos y enigmáticos del rock, que pasó de ser una estrella del metal amante del glam rock a ser un drogadicto desaliñado.
Pero el heavy metal afinado de AIC se presta de alguna manera al formato acústico. Cada canción pasa de ser una catarsis poderosa y furiosa a un lamento inquietante. Y estos pequeños pero conmovedores cambios añaden una profundidad trágica y desgarradora a todo el álbum.
Jethro Tull – Bursting Out
En abril del 78, justo después del lanzamiento de Heavy Horses, Jethro Tull realizó una gira por el Reino Unido y Europa. El resultante Bursting Out, publicado en octubre, era un álbum doble en directo que mostraba a la banda en gran forma, con un tracklist que recorre toda la gama de Tull -desde el capricho folk hasta el crujido del rock- y proporcionaba una decente visión de la carrera de la banda.
«No te equivoques: en términos de pura profesionalidad, Jethro Tull no tienen parangón», escribió el infame Lester Bangs, quizá el último periodista del que esperarías que cayera rendido a los encantos de un grupo de folk-rock lancasteriano liderado por un flautista de ojos salvajes.
«Destacan por no dejar nunca de ofrecer un espectáculo a gran escala», continuó, «completo con todo lo que saben que cualquier niño pagaría gustosamente su dinero por ver: música, volumen, vestuario, teatralidad, solos llamativos, sets largos, dos bises. Jethro Tull son hábiles y disciplinados; trabajan duro y cumplen».
Scorpions – World Wide Live
Mientras que Tokyo Tapes de 1978 podría ser el favorito de los fans más acérrimos, World Wide Live de 1985 captura a Scorpions en su pico comercial, con las ocasionales excursiones florales de la era de Uli Jon Roth consignadas al gran basurero del rock. En su lugar, las actuaciones eran implacablemente tensas y despiadadamente entregadas.
«Cada actuación aquí es una matanza», nos dijo el guitarrista Rudolf Schenker. «Se grabó en muchas ciudades de todo el mundo, y nuestro productor Dieter Dierks vino a la carretera con nosotros y se pasó años revisando cada grabación que hicimos para encontrar la mejor versión de cada canción».
«Fue un trabajo largo, pero mereció la pena. Esto representaba lo emocionante que era todo para nosotros en ese momento, porque éramos cabezas de cartel en recintos masivos.»
Humble Pie – Performance Rockin’ The Fillmore
Eran lo suficientemente impresionantes en el estudio, pero tocando en directo era donde Humble Pie realmente destacaba. Este extenso álbum doble, grabado en Nueva York en mayo de 1971, es un magnífico escaparate para las abrasadoras voces de Marriott y su feroz interacción con su compañero guitarrista Peter Frampton.
Aparte del poderío de Stone Cold Fever, las canciones son animadas versiones, desde la lenta jam de I’m Ready hasta versiones extendidas de Rolling Stone y el clásico de R&B I Don’t Need No Doctor. Tal vez la mejor parte del grupo sea una reconfiguración titánica de I Walk On Gilded Splinters de Dr. John, que se extiende dramáticamente a lo largo de 24 minutos totalmente convincentes.
Jimi Hendrix – Band of Gypsys
Para ser un disco entregado como una salida contractual, Band Of Gypsys es un gran álbum en vivo. Con una nueva sección rítmica tras la ruptura de la Experience, Jimi Hendrix se dirigió en diferentes direcciones para explorar los nuevos territorios musicales del funk y el R&B, y lo hizo con una precisión recién descubierta y una energía y creatividad regeneradas. Su forma de tocar aquí es, en algunos momentos, realmente maravillosa y magistralmente controlada.
Hendrix estaba al borde de nuevos horizontes, y Band Of Gypsys fue, como él mismo podría haber dicho, «un primer paso» para remodelar no sólo su dirección sino la de las actuaciones de rock. El espíritu de improvisación espontánea fue definitivamente recogido en los años 70 por la Allman Brothers Band, Led Zeppelin y Grateful Dead, entre otros.
«No es una grabación perfecta», nos dijo Joe Satriani, «pero estoy escuchando el corazón y el alma. Cambió el curso de la música en una noche. Si sólo contuviera esa versión de Machine Gun, sería suficiente para mí. Esa es la Biblia, el grimorio de la guitarra eléctrica.»
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