Keith Haring es uno de los miembros clave de un grupo de artistas neoyorquinos de vanguardia que contribuyeron a redefinir los límites del arte moderno en la década de 1980. Su obra es paralela a la de Jean-Michel Basquiat, Kenny Scharf y otros artistas de la década de 1980, y utiliza diversos medios y técnicas, como el dibujo, la pintura, el arte corporal y el grafiti. Haring realizó obras públicas monumentales que contribuyeron a dar reconocimiento al arte callejero y a su entrada en los museos.
El estilo característico de Haring se basa en formas abstractas y estilizadas trabajadas en figuras humanas entrelazadas y en patrones estrechamente dispuestos. Utilizaba pocos colores básicos en tonos hipersaturados, aplicados en forma de áreas planas de pintura y moldeados en gruesas siluetas. Dotó a sus obras de una calidad gráfica y caricaturesca distintiva y se basó en motivos repetitivos para crear un comentario visual tanto de sus experiencias privadas como de la cultura general de su tiempo. De hecho, Haring buscó inspiración para su práctica artística en la cultura popular que le rodeaba, desde la escena hip-hop de Nueva York hasta los dibujos animados de Disney, y también se comprometió con las principales cuestiones sociales y políticas de su tiempo, como la epidemia de sida, el apartheid sudafricano y la política conservadora estadounidense de la década de 1890.
Haring nació en Reading, Pensilvania, en 1958. Empezó a pintar y dibujar a una edad temprana y se trasladó a Nueva York en 1978 en busca de inspiración artística, tras abandonar una escuela de arte comercial. En Nueva York, asistió a la School of Visual Arts, donde conoció las propuestas vanguardistas de la vibrante escena artística de la ciudad. Primero experimentó con diversos medios, produciendo piezas de performance y entornos pintados con la técnica de la pintura de acción. Una serie de dibujos de 1978-1979, como Untitled (1978) y Untitled (1979), ejemplifica el temprano interés de Haring por la exploración de formas abstractas que interactúan con marcas vigorosas y gestuales dentro de un espacio cuidadosamente delimitado. Estos primeros experimentos conducirán a la creación de un estilo distintivo dominado por la linealidad, los patrones, los temas fácilmente legibles, una paleta brillante y una absoluta libertad de expresión. En 1980, también se orienta hacia la figuración. Sus temas más recurrentes incluyen figuras humanas que bailan, bebés que gatean, perros que ladran, platillos voladores, pirámides, motivos de corazones y otros elementos familiares.
Las tendencias artísticas del Nueva York de la década de 1980 proporcionaron a Haring un marco vibrante para la elaboración de su propia práctica artística. Sus obras de arte callejero, que comenzó a realizar en 1982, incluyen dibujos de tiza blanca sobre hojas de papel negro utilizadas para cubrir viejos anuncios y otras superficies en las estaciones de metro de Nueva York. También se comprometió activamente con el escenario político de su tiempo. Sus recortes de 1980, collages de titulares de periódicos falsos, así como sus Subway Drawings (1982) comentaban y atacaban descaradamente la política de Ronald Reagan y la Iglesia católica. La visión artística de Haring también se vio influenciada por la teoría del arte de Jean Dubuffet y el manifiesto de Robert Henri El espíritu del arte (1923), que abogaba por la libertad creativa y el derecho a la autoexpresión como principales fuerzas motrices de la obra de un artista. Estas ideas también son evidentes en el compromiso de toda la vida de Haring con la creación de un arte verdaderamente público que fuera una expresión directa y no mediada de sus propios sentimientos, fácilmente comprensible para el público.
Haring participó activamente en la contracultura neoyorquina y se sumergió por completo en la escena musical y de baile de los DJ, el hip-hop y el break dance. El elemento de improvisación, el ritmo pulsante y los movimientos del hip-hop atrajeron especialmente a Haring, que transcribió estos elementos directamente en sus composiciones y figuras. De hecho, muchos de los sujetos humanos de Haring pueden verse realizando movimientos específicos de hip-hop y break-dance, como giros de cabeza, los llamados «electric boogies», que implican que los bailarines se pongan de pie y muevan las manos y el cuerpo de forma robótica, y otros movimientos realizados más cerca del suelo, que implican empujar los cuerpos haciendo equilibrio sobre una mano. Algunas de las obras que mejor ejemplifican el estilo y los temas de la producción de Haring son Free South Africa (1985) y Crack is Wack (1986). En estas obras predominan los colores fluorescentes y las líneas gruesas y negras que forman siluetas. Haring rodea los contornos de sus figuras con gruesas marcas y rayos que enfatizan el movimiento de los bailarines y sus interacciones físicas, que siempre tienen lugar en un solo plano en un espacio completamente bidimensional. Sus figuras se enzarzan en intrincados intercambios y gestos, con extremidades dobladas y entrelazadas formando patrones angulares que también recuerdan el arte del antiguo Egipto. En estas obras, los cuerpos humanos están densamente dispuestos en composiciones rítmicas, creando un efecto visual global de superficie abstracta e hiperdecorada.
En 1982, el artista celebró su primera exposición individual importante en la Galería Tony Shafrazi del Soho y recibió una invitación para participar en Documenta, uno de los lugares más importantes para los artistas contemporáneos del mundo. De 1984 a 1986, obtuvo un creciente reconocimiento internacional y la atención de la crítica. Durante estos años, expuso sus obras en diferentes galerías, como la Leo Castelli Gallery de Nueva York, la Robert Fraser Gallery de Londres y la Galerie Watari de Tokio, y trabajó en una serie de proyectos de arte público en todo el mundo, como la pintura de un mural en la National Gallery of Victoria de Melbourne (1984), la creación de fondos y vestuario para ballets contemporáneos, como Secret Pastures (1984), y el diseño de un logotipo para una campaña contra la basura de la ciudad de Nueva York. Esta variadísima serie de encargos, a menudo relacionados con causas humanitarias por las que Haring se preocupaba especialmente, contribuyó a establecer su estilo como icónico y reconocible. En 1986, abrió su propia Pop Shop en Manhattan, en la que vendía productos y artículos decorados con sus imágenes características. Ese mismo año, el Museo Checkpoint Charlie le invitó a pintar en el Muro de Berlín.
El deseo de crear arte con el propósito de enriquecer la vida de diferentes comunidades fue central en la vida y la carrera de Haring hasta unos meses antes de su muerte en 1990, que tuvo lugar en Nueva York debido a complicaciones relacionadas con el sida. Muchas de sus obras, como Ignorance=Fear (1989) y Stop AIDS (1989), se comprometieron activamente con la epidemia de sida, tratando de concienciar y eliminar el estigma asociado a la enfermedad. En Safe Sex (1988), el artista promovió la prevención de la enfermedad representando con franqueza y eficacia una escena de amor homosexual con su habitual estilo caricaturesco e hipercolorido. Su último trabajo fue el diseño de un sello y un sobre encargados por la Federación Mundial de Asociaciones de las Naciones Unidas para ilustrar el compromiso de la asociación en la lucha contra el sida. El arte público de Haring sigue resonando con fuerza en la cultura contemporánea, gracias a su estilo reconocible, a su singular abrazo de los aspectos más alegres de la experiencia humana y al intenso compromiso con las realidades políticas y sociales.
Por Caterina Franciosi
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