Foto: Por hsaudreylynne , vía Wikimedia Commons
Aunque la banda fue a menudo etiquetada como emo, su sonido siempre se ha asemejado más al pop punk y al pop rock, sin embargo, sus asociaciones con el género (que estaba muy de moda durante los 00’s) les permitió construir una gran y voraz base de fans, lo que significa que a menudo son vistos como la banda de esta escena y época. Aunque su álbum de debut, Take This to Your Grave, sólo tuvo un éxito moderado, pronto irrumpieron en la corriente principal con su continuación, el seminal From Under the Cork Tree, que alcanzó el doble platino. El tercer álbum de la banda, Infinity on High, llegó directamente al número uno en el Billboard 200. Sin embargo, el siguiente álbum, Folie á Deux, no fue tan bien recibido. Sintiendo que un descanso era necesario, la banda se tomó un descanso entre 2009 y 2012, antes de volver directamente al número uno con el álbum Save Rock and Roll y su continuación American Beauty/American Psycho.
Hay pocas bandas que puedan disfrutar de un éxito tan monumental después de estar ausentes durante tres años, pero esto sólo demuestra el hambre que los fans tenían por el pop punk de alta energía de la banda y la voz distintiva e inigualable de Patrick Stump. Esta lista de las 10 mejores canciones de Fall Out Boy fue muy divertida de escribir.
# 10 – Thriller
Fall Out Boy nunca han tenido miedo de jugar con los títulos de sus canciones (véase Nuestro abogado nos hizo cambiar el nombre de esta canción para que no nos demandaran), pero nombrar la canción de apertura de su tercer álbum como la más famosa de Michael Jackson es un movimiento tan arrogante y ególatra que sólo una banda tan conocedora y dispuesta a ser descarada como FOB podría salirse con la suya. El hecho de que la canción comience con una introducción de Jay-Z, de entre toda la gente, se suma a la locura creativa de la canción; la banda está presumiendo de su enorme éxito y de su acceso a colaboradores VIP, al tiempo que se burla de la ridiculez de tales muestras de fanfarronería. El hecho de que tengas que estar al tanto para entender completamente las referencias de la banda es, sin duda, parte de su éxito: realmente sientes que estás en una gran broma.
Musicalmente, la canción cuenta con unos rasgueos de guitarra frenéticamente pesados, que combinan bien con la frenética batería de la canción. Estos elementos febriles contrastan perfectamente con los riffs suaves y oníricos presentes durante las estrofas, algo que representa perfectamente la letra de la canción, que habla del ascenso de la banda a la fama mundial desde sus humildes comienzos. La canción es en gran medida un grito a los fans incondicionales de la banda, demostrando que saben que sólo son capaces de crear temas extraños -pero sorprendentes- como éste gracias al apoyo inquebrantable de su base de fans.
# 9 – The Take Over, the Breaks Over
La composición de la canción se inspira en dos iconos clásicos del rock, con Patrick Stump inspirándose en David Bowie y los Rolling Stones creando un tema en el que el riff constituye esencialmente toda la canción. Afortunadamente, el riff que eligió para formar el núcleo de la canción es irresistiblemente pegadizo, burbujeando a lo largo de la canción con gran efecto. Andy Hurley también merece un aplauso por su gran batería en el tema, creando un impecable ritmo de palmas al principio de la canción y terminando con una floritura casi militar.
Este tema sigue a Thriller on Infinity on High (2007) al igual que en esta lista, por lo que no es de extrañar que The Take Over… continúe con los temas de este último sobre la fama y la atención de los medios. La segunda mitad de la canción presenta un gancho lírico particularmente descarado que, aunque a primera vista parece referirse al sexo, también podría estar dirigido a los «ex» fans que han denunciado públicamente a Fall Out Boy pero que siguen escuchando y disfrutando del grupo en secreto. Elementos meta como este son una gran parte del lirismo superlativo de Pete Wentz, y esta canción es un ejemplo perfecto de cómo su escritura y la composición de Stump representan una fuerza creativa a tener en cuenta.
# 8 – I Don’t Care
Como puedes ver, la banda siempre ha estado interesada en la fama, y esta canción de Folie á Deux (2008) (realmente la única canción notable de un álbum por lo demás ligeramente decepcionante) vio a la banda abordar el tipo de fama ultramoderna, narcisista y superficial asociada con la cultura pop contemporánea. Aunque estaban al principio de su ascenso a la infamia, un oyente moderno no puede evitar alinear la canción con el tipo de fama vacía que disfrutan los «Youtubers» y las Kardashians.
El estribillo es un himno sin esfuerzo y casi imposible de ignorar. Esto, por supuesto, no es casualidad, ya que Stump declaró que disfrutaba con la idea de que la gente fuera incapaz de resistirse a corear junto a un gancho vacuo y obsesionado con sí mismo, algo que se ajusta perfectamente a los temas de la canción, y que es típico del tipo de meta-humor habitual en las canciones de Fall Out Boy.
Aunque probablemente sólo te darás cuenta después de que te lo señalen, el estribillo final de la canción cuenta en realidad con un feroz solo de guitarra de Joe Trohman. Que algo que requiere verdadero talento quede oculto y obstruido por la fanfarronería del estribillo superficial y pegadizo es, sin duda, otro comentario punzante de los escritores Wentz y Stump. Puede que Folie á Deux no haya incendiado las listas de éxitos, pero I Don’t Care es una joya que requiere -y merece- múltiples escuchas.
# 7 – My Songs Know What You Did In The Dark (Light Em Up)
Este fue el single de regreso de la banda después de su parón de tres años, y nadie pensó que una banda tan entrelazada con la cultura de los 00’s podría hacer un regreso decente en una nueva década, sin embargo, este single principal de Save Rock and Roll (2013) demostró que los detractores estaban equivocados y se encontró con un éxito impresionante. Alcanzando el top 5 en el Reino Unido y el top 20 en los Estados Unidos, esta canción sonaba exactamente como deberían sonar las canciones modernas de Fall Out Boy; enormemente pegadiza, innegablemente hábil y llena de algunos riffs asesinos.
La canción comienza con algunos cánticos de inspiración pop para el público, antes de lanzarse a un primer verso áspero y arenoso, sus letras intercaladas con notas de guitarra molidas y distorsionadas. Tras un breve preestribillo en el que Stump canturrea ominosa y melódicamente el título de la canción, comienza el estribillo principal, con el agudo y crujiente gancho vocal de Stump que captura perfectamente la energía destructiva del estribillo mientras la guitarra de Trohman, que parece una sirena, grita de fondo.
Hay algo enormemente premonitorio en esta canción, pero no de forma desagradable. El tema es muy enérgico, mentalizando a los oyentes con múltiples momentos dignos de un puñetazo en el aire. No es de extrañar que la canción se convirtiera en un elemento habitual de los eventos deportivos de la época, ya que capta perfectamente la energía nerviosa y efervescente de estas ocasiones. Este fue un regreso triunfal para Fall Out Boy, y los fans de todo el mundo agradecieron este esperado regreso.
# 6 – Uma Thurman
El tercer single del álbum American Beauty/American Psycho (2015) de la banda surgió después de que el grupo se diera cuenta de que el tema de la sitcom de 1964 The Munsters
Como se puede imaginar, esta canción es infinitamente cinematográfica, y es difícil creer que el tema de The Munsters no esté sacado directamente de una epopeya de Tarantino. Con su ritmo de batería que llena estadios y algunos acordes de piano frenéticos, junto con algunos gritos de guitarra de surf rock fantásticamente inquietos, el tema encajaría perfectamente en cualquier película de acción. Cuando se hace bien, el sampleo puede tener un efecto fenomenal, y esta es una rara canción de rock que consigue el equilibrio justo, logrando reutilizar una pieza musical de una manera nueva y original.
# 5 – Thnks fr th Mmrs
La leyenda dice que el título de este segundo single de Infinity on High surgió después de que el sello discográfico pidiera a la banda que acortara los títulos de las canciones de Fall Out Boy. Fall Out Boy nunca han tenido miedo de ser experimentales en su música, y Thnks fr th Mmrs es un ejemplo perfecto de ello, con una serie de elementos poco convencionales que logran elevar una canción de rock ya grande al siguiente nivel.
Comenzando con algunas cuerdas y metales melancólicos, el primer verso ve a Stump realizando un dúo consigo mismo, cantando simultáneamente en dos registros diferentes gracias a una inteligente post-producción. Del mismo modo, el equilibrio de algunas líneas varía entre los distintos canales de audio, dando la impresión de que hay varias personas cantando. Tras un estribillo infeccioso, la segunda estrofa presenta un riff de sintetizador aleatorio y termina con una nota coral, casi de falsete. Además de todo esto, el penúltimo estribillo prescinde de todos los instrumentos excepto la batería, lo que da lugar a un sonido más inmediato y despojado.
La voluntad de la canción de introducir elementos inusuales antes de abandonarlos por completo asegura que este tema es una auténtica montaña rusa musical, que muestra las valientes elecciones musicales de la banda y sus inclinaciones siempre juguetonas.
# 4 – The Phoenix
Como tema de apertura del álbum de regreso de la banda, The Phoenix tenía que imponerse inmediatamente, introduciendo a los oyentes en el sonido de regreso de las canciones de Fall Out Boy. La canción logra esto con gran efecto. No es difícil leer la letra de la canción en términos del parón de la banda, con ellos muriendo y finalmente renaciendo como un majestuoso ave fénix, así que no es una sorpresa que el instrumental de esta canción sea una intensa extravagancia rock/orquestal.
El gancho principal de la canción es orquestal, basándose en gran medida en las cuerdas, y se inspiró en la Sinfonía nº 7 de Dmitri Shostakovich. La Orquesta Sinfónica de Londres aporta los elementos orquestales, y sólo Fall Out Boy podía conseguir una colaboración tan ilustre para su single de regreso. Esta elevada instrumentación es perfecta para la canción, que es intensa y edificante a partes iguales, con los riffs de guitarra fusionándose perfectamente con los elementos clásicos para crear un sonido único y cautivador.
Como apertura de un álbum de regreso, The Phoenix cumple en todos los sentidos, mostrando el sonido pop rock clásico de la banda al tiempo que introduce elementos nuevos y experimentales que se adaptan perfectamente al grandioso regreso de estos favoritos del rock moderno. Se trata de una declaración de intenciones, una llamada a las armas, y una forma perfecta para que la banda reafirme su dominio musical.
# 3 – Sugar We’re Going Down
Sin duda, el single revelación de la banda, Sugar We’re Going Down permitió a Fall Out Boy explotar en la conciencia pública. Para muchos, esta fue su primera exposición a la banda, y qué introducción fue. Esta canción contiene todos los elementos que hacen que las canciones de Fall Out Boy sean geniales: una batería épica, riffs de guitarra pegadizos y una letra inteligente y con muchas capas. Eso sin mencionar los característicos estribillos de la banda, de los cuales el alegre gancho de esta canción es uno de los más grandes, convirtiéndose comprensiblemente en un esencial de los festivales de verano.
Si bien no hay duda de que los cuatro miembros de la banda aportan algo realmente especial a los procedimientos, en el corazón de todo está la superlativa voz de Patrick Stump, que es capaz de lanzar algunas notas extraordinarias mientras sigue sonando totalmente melódica y llena de convicción. Podría decirse que Sugar… contiene las mejores voces que ha hecho nunca, con un estribillo inspirado en el punk (a propósito) que lo consolida como un icono del rock moderno. Es un verdadero privilegio escuchar a Stump en acción y, a pesar de su comportamiento tímido, está claro que se está divirtiendo como nunca. Esta fue fácilmente una de las canciones de rock más populares de la década de 2000, convirtiéndose en un auténtico elemento básico para los adolescentes, y realmente no es difícil ver por qué.
# 2 – This Ain’t A Scene, It’s An Arms Race
Este single principal del tercer álbum de la banda fue su primera oportunidad para pontificar sobre su nuevo megaestrellato, y lo hicieron con un efecto impresionante. Utilizando imágenes inspiradas en la guerra, la letra deconstruye la escena musical contemporánea (especialmente la etiqueta «emo» de la banda, que Wentz siempre había rechazado), observando en particular la forma en que la cultura puede llegar a estar sobresaturada y sin sentido.
Para acompañar la cínica letra, la banda creó un instrumental muy fresco, que hace referencia a la música soul y al funk de los 70. La canción tiene un riff de guitarra consistente que se mueve a lo largo de la canción, con algunos acordes más ásperos que entran en juego durante el estribillo del tema, que parece un himno. La canción cuenta incluso con un puente para cantar inspirado en un corte de R&B de Justin Timberlake.
La interacción entre el contenido de las letras y las guitarras frenéticas tiene un gran efecto, capturando perfectamente la frustración de la banda, la asfixia y el deseo de escapar de las etiquetas de género innecesarias. Los elementos de participación del público en los estribillos ayudan a crear un ambiente divertido y festivo. Esto se repite durante el vídeo de la canción, que -entre otras cosas- presenta a muchos de los compañeros de sello de la canción, así como a un coro de gospel, celebrando la vida de Pete Wentz en su funeral.
El machacón instrumental y la inteligente y perspicaz letra de este tema se combinan sin esfuerzo para forjar una maravilla del rock bien producida y absolutamente brillante.
# 1 – Dance Dance
Como sugiere el título, el segundo single de From Under the Cork Tree es un inmenso tema emo/pop punk que garantiza, como mínimo, que los pies se muevan. El tema comienza de forma sencilla, con un ritmo de batería y un riff de bajo diabólico, antes de que comiencen las voces de Stump y las guitarras. Los elementos más lentos durante las estrofas de la canción son el complemento perfecto para el resto de la canción que – durante el estribillo en particular – presenta un asalto ininterrumpido de pop punk. La forma eléctrica en la que Trohman ataca los riffs de guitarra es una locura, lanzando maníacos licks como una brutal – pero no desagradable – patada en la cara.
Líricamente, la canción se ocupa de una historia demasiado relatable de amor adolescente, y cómo a menudo puede bordear la obsesión. El protagonista de la canción empieza a resentirse poco a poco con el objeto de sus afectos, ya que ella pasa su tiempo con otros chicos en lugar de con él. Stump capta magníficamente la angustia de esta situación en su voz, rozando incluso la histeria en algunos momentos. Stump ha descrito Dance Dance como lo mejor que ha hecho nunca, y es muy difícil no estar de acuerdo con él. Fue una elección fácil para llegar al número 1 de nuestra lista de las 10 mejores canciones de Fall Out Boy.
A lo largo de su carrera, Fall Out Boy han producido algunos temas de rock realmente excepcionales, con el lirismo mordaz de Wentz y la deslumbrante entrega de Stump (junto con el talento de Hurley y Trohman) que los convierten en una escucha realmente esencial. Fall Out Boy han logrado escapar de las cadenas de su etiqueta emo y entregar algunas obras maestras del rock verdaderamente inspiradas.
Las 10 mejores canciones de Fall Out Boy
Escrito por Ollie Dean
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